Valhalla Calling! Týr wyruszą pod koniec roku na trasę jednym drakkarem z Twilight Force, Dragonland oraz Vanaheim.
Wszystkie zespoły z nowymi albumami zobaczymy 16 i 17 grudnia w naszym kraju - najpierw w Hype Parku w Krakowie, a następnie w stołecznej Proximie.
Największy metalowy zespół z Wysp Owczych? Naturalnie mowa tutaj o Týr, którzy już od blisko trzydziestu lat za sprawą podniosłej mieszanki power metalu i folk metalu wojują światowe sceny. Muzyka Farerów szybko przeniesie Was do świata nordyckiej mitologii i wikingów. Formacja, której nazwa odnosi się do skandynawskiego boga wojny, ma na swoim koncie dziewięć albumów, a ostatni z nich, "Battle Ballads", ukazał się dwa lata temu. Na grudniowych koncertach możecie spodziewać się nowości z nadchodzącego materiału!
Jeśli zespół nazywa swój styl "adventure metal", to znak, że na jego koncercie nie można się nudzić. Szwedzi z Twilight Force słyną z łączenia triumfalnych melodii i rozbudowanych aranżacji, a ich występy przenoszą słuchaczy do magicznej krainy pełnej bohaterskich opowieści, znanej jako Królestwo Zmierzchu.
Dragonland powstali w 2001 roku i już za sprawą wydanych krótko po sobie dwóch pierwszych albumów, debiutanckiego "The Battle of the Ivory Plains" oraz "Holy War", zaznaczyli trwały ślad na scenie powracającego wówczas do łask power metalu. Do swojej twórczości grupa z Goteborga wplata inspiracje muzyką filmową i klasyczną, a także egiptologią oraz kulturą wikingów, które świetnie współgrają z kreowanym przez nią, fantastycznym światem.
Koncerty otworzy holenderska formacja Vanaheim, która od ponad dziesięciu lat głosi swoje opowieści ludowe. Konceptualny storytelling ubierają w epicki folk metal, oparty na death- i paganmetalowych riffach, groove'ie oraz holenderskich tekstach. 4 września światło dzienne ujrzy ich najnowszy krążek, "Roede voor de Borst".
TÝR + TWILIGHT FORCE
Support: Dragonland, Vanaheim
16.12.2026 / Kraków, Hype Park
17.12.2026 / Warszawa, Proxima
BILETY: Przedsprzedaż biletów rozpocznie się w piątek, 19 czerwca o godzinie 10:00 na www.winiarybookigs.pl
Piranha Music zaprasza na wspólną trasę trzech zespołów z pogranicza metalu, rock&rolla i horroru, które promować będą swoje najnowsze wydawnictwa.
Jako headliner zaprezentuje się black/thrashowy Mentor, który po 5-letniej przerwie wraca z nowym albumem. Gościem specjalnym trasy będzie również wracający z wydawniczego niebytu, choć o wiele dłuższego (19 lat!), klasyk polskiego deathrocka - Miguel and the Living Dead. Koncerty otworzy natomiast debiutujący, goth metalowy Wolfpack Heading Nowhere.
DATY I MIEJSCA:
9.12 – Gdańsk, Drizzly Grizzly
10.12 – Poznań, Pod Minogą
11.12 – Kraków, Zaścianek
12.12 – Wrocław, Łącznik
13.12 – Warszawa, Hydrozagadka
Bilety są już w sprzedaży na platformie Biletomat, z wyjątkiem Gdańska - tu sprzedaż na stronie klubu Drizzly Grizzly.
Mentor wraca z nowym albumem, którego premiera zaplanowana jest na końcówkę roku i będzie to czwarta płyta powstałego w 2011 roku w Sosnowcu zespołu. Na trzech wcześniejszych wydawnictwach ("Guts, Graves and Blasphemy", "Cults, Crypts and Corpses" i "Wolves, Wraiths and Witches") usłyszeliśmy agresywną mieszankę thrash i black metalu oraz hardcore punka. Tematyka ich tekstów oscyluje wokół bluźnierstwa, a także niskobudżetowych horrorów. W ostatnich dwóch latach nie grali koncertów, ale wcześniej odbyli ogólnopolskie trasy z Vader i Decapitated, a także wystąpili na Mystic Festival, Summer Dying Loud, Metalmanii czy niemieckim PartySan OpenAir.
Miguel and the Living Dead swoją trzecią płytę – "VII: This Is Not My Blood" – wyda jesienią. To wydawniczy powrót z pełnym albumem po 19 latach przerwy, której koniec zapowiedziała wydana marcu EP-ka "Hyenaz!". Krążki wydane przed zawieszeniem działalności – "Alarm!!!" i "Postcards From The Other Side" z 2005 i 2007 roku – uchodzą za klasyki polskiego deathrocka. Warszawiacy (obecnie działający pomiędzy Polską a Wielką Brytanią) w swojej muzyce łączą także wpływy rocka gotyckiego, punka i psychobilly. W warstwie wizerunkowej czerpią z klasycznej grozy, filmów klasy B oraz surowej estetyki undergroundu lat 80.
Wolfpack Heading Nowhere to tegoroczny debiutant, choć zanurzony w latach 90., kiedy telewizja MTV przeżywała swoje złote czasy. Album "Wolfpack Heading Nowhere", wydany 8 maja tego roku, zawiera metal gotycki inspirowany Type O Negative, The Cult, Paradise Lost czy Tiamat. Swój pierwszy koncert pod tą nazwą zagrają podczas Castle Party Festival, ale skład tworzą doświadczeni muzycy z grup takich jak Shodan, Owls Woods Graves, Narbo Dacal, THVN i Hellfuck.
Japoński huragan prezentujący od visual kei po metalcore zagra 13 września w Kwadracie i następnego dnia w Niebie.
„Nasz styl zrodził się z unikalności, którą stanowimy jako kolektyw" – tłumaczył zespół w jednym z wywiadów. To zupełnie słuszne spostrzeżenie, bo nie ma drugiego takiego zjawiska jak Jiluka. W ich przypadku dochodzi do miksu wszystkiego. Techniczny metalcore, metalcore, djent, elektronika... Oni nie boją się zupełnie niczego. Bądźcie gotowi na wszystko!
Bilety na koncert oraz pakiety VIP będą dostępne od 5 czerwca (10:00) na Knock Out Music Store (druki kolekcjonerskie).
Kiedy: 13 września (niedziela) 2026
Gdzie: Kraków @ Kwadrat, ul. Stanisława Skarżyńskiego 1
Bilety: 149/159 zł – przedsprzedaż, 180 zł – w dniu koncertu
Organizator: Knock Out Productions
Kiedy: 14 września (poniedziałek) 2026
Gdzie: Warszawa @ Niebo, ul. Nowy Świat 21C
Bilety: 149/159 zł – przedsprzedaż, 180 zł – w dniu koncertu
Organizator: Knock Out Productions
Bovska prezentuje „Kołysankę" – poruszającą piosenkę stworzoną do animowanego filmu "Chłopiec na Krańcach Świata".
Bovska jest autorką zarówno polskiej, jak i angielskiej wersji tekstu piosenki oraz współautorką muzyki utworu wraz z Archie Shevsky'm. Piosenka staje się emocjonalnym sercem tej wyjątkowej opowieści o rodzeństwie, odwadze i wrażliwości. Muzykę do filmu skomponował wybitny kompozytor muzyki filmowej Mikołaj Stroiński.
Ta piosenka jest próbą uchwycenia emocji zawartych w filmie i tajemnicy, która stanowi klucz do zrozumienia głównego bohatera. Chciałam, żeby ‹Kołysanka› była jak szept z metafizycznego świata tej pięknej opowieści — zarówno dla dzieci, jak i dorosłych, którzy noszą w sobie potrzebę uważności na otaczający świat i odwagi do działania — mówi Bovska.
"Chłopiec na Krańcach Świata" to pełnometrażowa polska animacja w reżyserii Grzegorza Wacławka i Marty Szymańskiej. Film opowiada historię braci Omula i Mikro, którzy wraz z psem Telą wyruszają w niebezpieczną podróż, aby uratować duszę swojej siostry Kimi przed mityczną Sadumeą. To baśniowa, ręcznie rysowana opowieść o empatii, naturze i sile rodzinnych więzi.
Muzyka odgrywa w filmie szczególną rolę — prowadzi widza przez emocjonalny świat bohaterów i podkreśla malarski charakter animacji. „Kołysanka" Bovskiej jest jednym z utworów, które dopełniają tę niezwykłą historię.
Premierze piosenki towarzyszy także teledysk nakręcony przez Marcina Kopca Morta, który dopełnia animowaną narracje atmosferą nadmorskiego miasteczka, przenosząc filmową rzeczywistość w fabularne realia.
Filmowi i piosence towarzyszy także rozwinięcie literackie w formie sagi książek. Reżyser filmu Grzegorz Wacławek przygotował trylogię dla dzieci osadzoną w świecie animacji. Wszystkie tomy mają ukazać się jeszcze w tym roku. Pierwszy - jest już dostępny w szerokiej sprzedaży.
Nie jeden, a dwa koncerty zagrają tego lata w naszym kraju Grecy z 1000mods.
5 sierpnia, czyli dzień po występie u boku Fu Manchu w Poznaniu, grupa wystąpi we wrocławskim klubie Liverpool.
1000mods to greccy mistrzowie riffu, którzy swoją przygodę pod obecną nazwą rozpoczęli 20 lat temu. Zespół po mistrzowsku krzyżuje inspiracje Kyuss i Black Sabbath, a do tego słynie z maksymalnego zaangażowania podczas koncertów. Nic więc dziwnego, że często wymienia się ich w gronie najważniejszych współczesnych zespołów rockowych Starego Kontynentu. Do tej pory wydali pięć albumów, a ostatni z nich, "Cheat Death", ukazał się w 2024 roku.
1000MODS
05.08.2026 / Wrocław, Liverpool
BILETY: https://bit.ly/1000_MODS_WRO
TEDE odsłania kolejne karty. „PLASK! / WUJOT” zapowiada premierę albumu „XXENDE MYLFFON”!
Premiera „XXENDE MYLFFON” zbliża się wielkimi krokami. Na kilka dni przed wydaniem albumu TEDE prezentuje fanom podwójny singiel „PLASK! / WUJOT”, który stanowi kolejną zapowiedź jednego z najbardziej wyczekiwanych polskich rapowych wydawnictw tego roku.
Nowe utwory rozwijają koncepcję stojącą za projektem „XXENDE MYLFFON” – albumem powstałym z okazji 20. rocznicy wydania legendarnego „Esende Mylffon”. To jednak nie podróż w przeszłość, lecz jej współczesna reinterpretacja. Materiał czerpie z estetyki, emocji i brzmień początku XXI wieku, jednocześnie prezentując je z perspektywy dwóch dekad doświadczeń artystycznych i życiowych.
„XXENDE MYLFFON” to konceptualna opowieść inspirowana prawdziwymi wydarzeniami. Bo „ESENDE MYLFFON” wydarzył się naprawdę – i pozostawił po sobie ślad, którego nie dało się już wymazać. Nowy album TEDEGO jest próbą zmierzenia się z tym dziedzictwem, ale również celebracją epoki, która na trwałe wpisała się w historię polskiego hip-hopu.
Ogromne zainteresowanie projektem sprawiło, że jeszcze przed premierą całkowicie wyprzedane zostały wszystkie kolekcjonerskie wydania albumu. Limitowane 500 egzemplarzy ciemnozielonego transparentnego winyla oraz 200 kaset magnetofonowych znalazły swoich właścicieli na długo przed dniem premiery.
Album „XXENDE MYLFFON” ukaże się już w najbliższy piątek, 19 czerwca. Kilka dni później, 22 czerwca – dokładnie w 20. rocznicę premiery kultowego „Esende Mylffon” – w warszawskim Przyjaźń nad Wisłą odbędzie się premierowy koncert nowego wydawnictwa. Jak zapowiada artysta, to dopiero początek atrakcji związanych z projektem, a słuchacze mogą spodziewać się kolejnych niespodzianek.
Za wydanie albumu odpowiadają Wielkie Joł oraz Polski Rap, a dystrybucją zajmuje się Sony Music Entertainment Poland.
Zespół Cinnamon Gum rusza w trasę po Wielkiej Brytanii z ikoną kalifornijskiego sweet soulu THEE SACRED SOULS!
Z radością ogłaszamy, że polski zespół Cinnamon Gum wyrusza w trasę koncertową po Wielkiej Brytanii, występując u boku amerykańskiego trio Thee Sacred Souls. Koncerty odbędą się w trzech miastach: Brighton, Bristolu i Londynie.
Cinnamon Gum to polski zespół muzyczny, który zdobył uznanie dzięki swojemu unikalnemu brzmieniu i energetycznym występom na żywo. Ich muzyka łączy elementy retro soulu z własnym, pełnym kreacji stylem, tworząc niepowtarzalny klimat.
Thee Sacred Souls to amerykańskie trio z San Diego, składające się z wokalisty Josha Lane'a, basisty Sala Samano i perkusisty Alexa Garcii. Zespół zadebiutował w 2022 roku albumem "Thee Sacred Souls", który spotkał się z entuzjastycznym przyjęciem krytyków i słuchaczy. Ich utwór "Can I Call You a Rose" szybko stał się viralem, który umieścił zespół w czołówce artystów soulowych na międzynarodowych listach.
Terminy koncertów:
Brighton: 15/07/2026 / Brighton Centre
Bristol: 16/07/2026 / Prospect Building
Londyn: 18/07/2026 / Somerset House
14 czerwca, w Światowy Dzień Krwiodawcy, premierę miał utwór „Masz to w sobie" - muzyczny apel o oddawanie krwi, przygotowany przez Damian Sikorski Projekt.
Do współpracy artysta zaprosił rapera Del-M oraz wokalistę Michała Kowalonka.
To piosenka o geście, który naprawdę może uratować życie. „Masz to w sobie" przypomina, że krew jest potrzebna każdego dnia - przy operacjach, porodach, wypadkach, leczeniu nowotworów i chorób krwi. Nie da się jej wyprodukować. Może się nią podzielić tylko drugi człowiek.
Premiera utworu przypada na moment szczególnie ważny. Latem centra krwiodawstwa częściej mierzą się z niedoborem krwi i jej składników, bo wielu stałych dawców wyjeżdża, zmienia plany i odkłada donację na później. Szpitale nie mają jednak wakacyjnej przerwy i każdego dnia cenna krew jest potrzebna. Dlatego właśnie teraz każdy dawca jest na wagę złota.
Premierze utworu towarzyszy teledysk, który można zobaczyć na YouTube.
„Masz to w sobie" działa jak proste przypomnienie: nie trzeba być bohaterem z pierwszych stron gazet, żeby zrobić coś wielkiego. Czasem wystarczy kilka minut, decyzja i gotowość, żeby pomóc komuś, kogo prawdopodobnie nigdy się nie pozna.
Za utworem stoją artyści, którzy łączą różne muzyczne wrażliwości. Damian Sikorski to kompozytor, multiinstrumentalista, basista, dziennikarz muzyczny i lider Damian Sikorski Projekt, znany z ciepłego, alt-popowego brzmienia. Del-M wnosi do utworu rapową bezpośredniość, a Michał Kowalonek - wokalista, kompozytor i autor tekstów, znany m.in. z zespołów Snowman i Myslovitz - dodaje mu charakterystycznej emocjonalnej siły.
„Masz to w sobie" to singiel na Światowy Dzień Krwiodawcy, ale jego przekaz nie kończy się 14 czerwca. To zachęta, żeby sprawdzić najbliższe centrum krwiodawstwa, zobaczyć aktualne zapotrzebowanie i zrobić pierwszy krok.
Ty naprawdę możesz mieć to w sobie!
Black Veil Brides powracają do Polski! Amerykanie zagrają 30 stycznia w warszawskiej Stodole oraz 4 lutego we wrocławskim A2, gdzie przyjadą z nową płytą "Vindicate".
Black Veil Brides to zespół, za którym stoi armia fanów rozproszona po całym świecie. Koncept na niego kształtował się w głowie Andrew Biersacka od najmłodszych lat - już wtedy jego wyobraźnię kreowali Kiss, Batman czy Misfits. Dziś BVB należą do grona największych współczesnych zespołów gitarowych. Co za tym stoi? Ponadprzeciętny dryg do przebojowych melodii oraz hymnicznych refrenów, a to wszystko osadzone w mieszance hard rocka, melodyjnego metalcore'a i glamu. Amerykanie niedawno powrócili z pierwszym od pięciu lat albumem „Vindicate", wydanym nakładem wytwórni Spinefarm. Kompozycje z niego oraz największe hity, takie jak "In The End" i "Knives and Pens", usłyszymy na początku roku w Warszawie oraz we Wrocławiu!
BLACK VEIL BRIDES
30.01.2027 / Warszawa, Stodoła
04.02.2027 / Wrocław, A2
BILETY: Przedsprzedaż biletów rozpocznie się w piątek, 19 czerwca o godzinie 11:00 na www.winiarybookings.pl
Dzięki współpracy z Uniwersytetem Śląskim podczas nadchodzącej edycji OFF Festivalu dla festiwalowiczów dostępne będą miejsca noclegowe!
Łącznie do dyspozycji będzie ponad 270 pokoi w akademikach w Katowicach i w Sosnowcu.
Noclegi będą dostępne dla wszystkich festiwalowiczów na preferencyjnych warunkach w cenach obowiązujących regularnie dla studentów Uniwersytetu Śląskiego.
Szczegółowe informacje dotyczące rezerwacji znajdziecie na stronie internetowej OFF-a.
Kielecka grupa ANKH wydała teledysk do utworu "Jestem" promującego nową płytę "Z Wiatrem".
Utwór "Jestem" jest próbą odpowiedzi na pytania: "czym lub kim jesteśmy"? Odwieczne pytania: "Skąd przychodzimy, co tu robimy i dokąd zmierzamy?” nadal pozostają bez odpowiedzi. Cały akt życia jest niewiadomą. W nas oraz obok nas toczy się rzeczywistość, o której nie mamy pojęcia. Czujemy jednak "że zawsze jest coś więcej".
Klip powstał w salach kieleckiego klubu młodzieżowego „Wolna Strefa”. Zdjęcia i produkcja zostały wykonane przez muzyków ANKH: Jana Rusina i Joannę Chudybę, którzy poza muzyką zajmują się także produkcjami filmowymi.
Grupa ANKH istnieje od ponad 35 lat. Kiedy zaczynała żyliśmy w innych czasach. Nie było cyfrowej fotografii, Internetu, grup społecznościowych w sieci , elektronicznej reklamy i powszechnej dostępności do wszelakiej muzyki . Nie było smartfonów a nawet sms-ów. Płyty nagrywano w dużych studiach nagraniowych na taśmę magnetofonową . Komputery były prymitywne i dokonywano na nich tylko małych korekt analogowej techniki nagraniowej. Tworzenie własnej muzyki i prezentowanie jej szerszej publiczności było nie lada wydarzeniem i sukcesem.
Najnowszy album ANKH pod tytułem „ Z wiatrem” to właśnie taka opowieść łącząca lata 90-te XX wieku z teraźniejszością pierwszej połowy XXI wieku. Jak bardzo zmieniła się otaczająca nas rzeczywistość przez ten czas? Jak bardzo zmieniliśmy się my sami i jak to wpłynęło na naszą muzykę ? To pytania, które postawił sobie zespół w trakcie realizacji materiału słowno-muzycznego stanowiącego treść nowego albumu i na które to pytania spróbował sobie odpowiedzieć.
Pierwsza część płyty „Z wiatrem” nawiązuje do brzmień i twórczości grupy z połowy lat 90 - tych. Wtedy to o zespole było głośno, gdyż był odkryciem i niepowtarzalnym tworem na polskiej scenie rockowej. Na nowym albumie znajdują się utwory będące wręcz polemiką z konkretnymi utworami z pierwszych płyt ANKH. Stanowią jak gdyby muzyczne i treściowe rozwinięcia dawnych kompozycji. Stopniowo album przemienia się w bardzie wysublimowane brzmienia i kompozycje, nawiązujące także do wewnętrznej przemiany świadomości muzyków zespołu .
Album „ Z wiatrem” jest także ukoronowaniem pracy zespołu w nowym składzie personalnym. Od kilku lat część grupy tworzą młodsi wiekiem muzycy krakowscy: Joanna Chudyba – skrzypce i Jan Rusin – perkusja. Niewątpliwie ich energia pozytywnie i w znaczący sposób wpływa na działania ANKH i nową, odświeżoną formę brzmieniową grupy.
"Z wiatrem” to opowieść o zmieniającym się postrzeganiu przez nas, na przestrzeni lat, aktu istnienia tego „czegoś” w czym jesteśmy. Rzeczywistości tworzonej mocą Ducha w Działaniu, gdzie cierpienie miesza się z radością, dobro ze złem, miłość ze strachem i życie z nieżyciem. Warto pochylić się nad pytaniami: "skąd przychodzimy?", "co tu robimy?", "dokąd zmierzamy?". Nawet jeśli uznamy, że mamy inne zdanie. Bowiem samo zastanawianie się nad odpowiedzią jest istotne w świecie, w którym refleksja i konstruktywna polemika jest coraz większą rzadkością.
South Arcade zabiorą Was na wycieczkę do przeszłości, a dokładniej do pierwszej połowy lat zerowych.
Z Brytyjczykami spotkamy się 7 marca w warszawskim klubie Proxima.
Jeśli chcecie cofnąć się do muzycznych klimatów z początku XXI wieku, to kilka sekund z South Arcade wystarczy, by tam się przenieść. Założona zaledwie pięć lat temu grupa szybko stała się internetowym fenomenem, a jej nagrywki z prób podbiły Instagrama oraz TikToka. Pod koniec 2024 roku wydali swoją debiutancką EP-kę "2005", a rok później skontrowali ją kolejną, "Play!".
Wśród swoich największych inspiracji wymieniają Avril Lavigne, Limp Bizkit, Linkin Park oraz Gwen Stefani i rzeczywiście - silne nawiązania do wspomnianych można odnaleźć w ich twórczości, którą podpisują jako "Y2KCORE". South Arcade dorzucają jednak do tego młodzieńczą, niepohamowaną energię, z którą część z Was mogła się już zderzyć, gdy supportowali 5 Seconds of Summer w Łodzi.
SOUTH ARCADE
07.03.2027 / Warszawa, Proxima
BILETY: Przedsprzedaż biletów rozpocznie się w piątek, 19 czerwca o godzinie 10:00
Punkty sprzedaży: www.winiarybookings.pl, Going, Empik Bilety, Eventim, Ebilet, Ticketmaster
17 czerwca na Stadionie Legii w ramach Warsaw Music Festival wystąpi legendarny zespół Black Eyed Peas – jedna z najbardziej rozpoznawalnych grup XXI wieku, która od ponad dwóch dekad podbija listy przebojów i gromadzi miliony fanów na koncertach na całym świecie.
Twórcy takich hitów jak „I Gotta Feeling”, „Where Is The Love?”, „Pump It”, „Boom Boom Pow” czy „Just Can't Get Enough” będą gwiazdą wieczoru podczas odsłony festiwalu pod hasłem Feel The Beat. Publiczność może spodziewać się spektakularnego widowiska, energetycznego show i największych przebojów, które od lat łączą pokolenia fanów muzyki pop, hip-hopu i dance.
Black Eyed Peas należą do grona najważniejszych zespołów współczesnej muzyki rozrywkowej. Zdobywcy sześciu nagród Grammy sprzedali miliony płyt na całym świecie, a ich utwory na stałe wpisały się do kanonu światowej popkultury. Dziś wciąż zachwycają sceniczną energią i umiejętnością tworzenia muzyki, która błyskawicznie zamienia każdy koncert w wielką imprezę.
Występ amerykańskiej formacji będzie jednym z najważniejszych punktów premierowej edycji Warsaw Music Festival – wydarzenia, które ma ambicję na stałe wpisać się do kalendarza największych europejskich festiwali. Organizatorzy przygotowali program łączący światowe gwiazdy z najciekawszymi artystami polskiej sceny muzycznej, tworząc wielowymiarowe święto muzyki dla fanów różnych gatunków i pokoleń.
Bilety na wydarzenie są jeszcze dostępne.
LUNA zapowiada premierę Fairy Pop. Album ukaże się 26 czerwca i będzie najbardziej ambitnym oraz najbardziej osobistym projektem w dotychczasowej karierze artystki.
Powstały w całości za granicą materiał prezentuje zupełnie nową jakość zarówno pod względem muzycznym, jak i wizualnym, otwierając nowy rozdział w twórczości LUNY.
Fairy Pop to świat zbudowany na pograniczu współczesnego popu, wyobraźni pełnej magii i filmowej estetyki. Album łączy chwytliwe melodie z rozbudowanym storytellingiem, tworząc spójną opowieść o marzeniach, miłości, iluzjach i odnajdywaniu własnej tożsamości. To właśnie na tym wydawnictwie LUNA po raz pierwszy w pełni prezentuje swoją nową artystyczną tożsamość - Fairy of Pop.
Pod względem brzmieniowym Fairy Pop wyznacza zupełnie nowy kierunek w twórczości artystki. LUNA przedstawia autorską wizję gatunku, w którym eteryczne melodie i baśniowa atmosfera spotykają się z nowoczesnym, przebojowym popem. Album będzie pełen szczerych emocji, chwytliwych refrenów oraz magicznych produkcji balansujących pomiędzy taneczną energią a wrażliwością. Każdy utwór tworzy własny świat, w którym eskapizm staje się formą siły, a wrażliwość zamienia się w supermoc.
Inspiracją dla powstania albumu było poczucie ciągłego życia pomiędzy światami - rzeczywistością a wyobraźnią, marzeniami a codziennością. Jak podkreśla sama LUNA, projekt ten opowiada o miłości, która potrafi zachwycić, złamać serce, a następnie nauczyć, jak zbudować siebie na nowo. To historia o wybieraniu magii wtedy, gdy rzeczywistość wydaje się być niewystarczająca, i o zamienianiu trudnych doświadczeń w coś duchowego i pięknego.
„Fairy Pop narodziło się z poczucia, że nie pasuję do żadnego świata. Z wiary w coś niewidzialnego, kiedy rzeczywistość nieustannie domaga się dowodów. To album o miłości, która potrafi złamać serce, ale też nauczyć, jak odbudować siebie na nowo. Dla mnie eskapizm nie jest ucieczką - jest tworzeniem. To wybieranie magii wtedy, gdy rzeczywistość wydaje się zbyt mała” - mówi LUNA.
Pierwszymi odsłonami świata Fairy Pop były single „Heavenly”, „Away With The Fairies” oraz „Ashtray”.
Utwór „Heavenly” w dniu premiery trafił na playlisty Spotify New Music Friday w ponad 30 krajach, zdobywając szerokie międzynarodowe wsparcie. Z kolei teledysk do piosenki „Away With The Fairies” przekroczył 2 miliony wyświetleń w ciągu pierwszego miesiąca od premiery a sam utwór został nominowany do nagrody Berlin Music Video Awards w kategorii Best Song.
Na albumie znajdzie się łącznie dziewięć utworów:
1. Away With The Fairies
2. Heavy Heart
3. Ashtray
4. Diamond
5. Lucky Secret
6. Jealous of Your Perfume
7. Mythomaniac
8. Heavenly
9. Skydive
Już w najbliższą sobotę LUNA otworzy portal do swojego świata podczas występu na Berlin Music Video Awards, gdzie wykona utwory „Away With The Fairies” i „Heavenly” w nowej aranżacji. Wydarzenie będzie kolejnym ważnym krokiem w międzynarodowej promocji albumu oraz pierwszą okazją do zaprezentowania publiczności atmosfery świata „Fairy Pop” na żywo.
„Fairy Pop” to rozbudowany projekt audiowizualny, w którym muzyka, moda, teledyski i narracja tworzą jedno, spójne uniwersum. Dzięki międzynarodowej współpracy i konsekwentnie budowanej estetyce wydawnictwo pokazuje LUNĘ w najbardziej wyrazistej odsłonie jej kariery, wyznaczając nowy kierunek dla jednej z najbardziej oryginalnych postaci współczesnego popu.
„Fairy Pop to miejsce, w którym można czuć wszystko, marzyć bez ograniczeń i istnieć bez przepraszania za to, kim się jest. To świat, w którym wrażliwość jest siłą, a głębokie przeżywanie emocji staje się formą magicznej mocy” – dodaje LUNA.
Limitowane edycje albumu na CD oraz różowym brokatowym winylu są już dostępne w przedsprzedaży. Ruszył również pre-save albumu w serwisach streamingowych.
Singiel „Ritual” już dostępny.
Świetne wieści dla fanów The Warning. Grupa zapowiedziała swój piąty album studyjny. „Everything’s Falling” ukaże się 28 sierpnia, a jego najnowszą zapowiedzią jest „Ritual”. Napędzany niepokojącą melodią, potężnym brzmieniem i zapadającym w pamięć refrenem utwór opowiada o lęku przed utratą czegoś wartościowego oraz skłonności do oczekiwania katastrofy nawet w chwilach szczęścia.
– „Ritual” opowiada o strachu przed utratą czegoś dobrego. Nawet kiedy wszystko układa się pomyślnie, lęk potrafi przekonać cię, że katastrofa czai się tuż za rogiem. To piosenka o utknięciu w takich myślach i o tym, jak mogą one przeszkodzić w przeżywaniu chwili obecnej – wyjaśnia zespół.
„Everything’s Falling” będzie nowym rozdziałem w historii The Warning i świadectwem na rozwój członkiń grupy – zarówno artystyczny, jak i osobisty. Daniela „Dany” Villarreal, Paulina „Pau” Villarreal i Alejandra „Ale” Villarreal spoglądają na własny rozwój oraz doświadczenia zdobyte na przestrzeni lat.
– „Everything's Falling” jest obrazem miejsca, w którym znajdujemy się obecnie w naszym życiu. Przez ostatnie lata bardzo się rozwinęłyśmy – nie tylko jako artystki, ale też jako ludzie. Ten album odzwierciedla wszystko, czego doświadczyłyśmy, lekcje, które wyniosłyśmy, i wyzwania, które udało nam się pokonać – komentują siostry Villareal.
Nowe piosenki grupy opowiadają o zaakceptowaniu faktu, że życie bywa chaotyczne i nieprzewidywalne. – Rzeczy się rozpadają, plany ulegają zmianie, a czasami traci się grunt pod nogami. Jednak właśnie takie momenty najwięcej uczą o samym sobie i często to one ostatecznie czynią cię silniejszym – dodają członkinie zespołu.
Po pełnych energii singlach „Kerosene” i „Ego”, utwór „Ritual” stanowi bardziej osobiste spojrzenie na album „Everything's Falling”. Te trzy kompozycje razem pokazują zespół, który nieustannie idzie naprzód, akceptując niepewność i przekształcając życiowe trudności w potężną, oczyszczającą muzykę.
The Warning koncertują obecnie w Europie. 30 czerwca zespół wystąpi w warszawskiej Progresji.
The Warning dorastały w Monterrey w Meksyku, wspólnie pisząc piosenki, grając koncerty i doskonaląc swój warsztat. Siostrzane więzi napędzają bezkompromisową wizję zespołu i wyjątkową chemię między artystkami.
Zespół przebił się do szerszej świadomości albumami „ERROR” (2022) i „Keep Me Fed” (2024). Ten drugi zwiększył łączną liczbę streamów ich twórczości do ponad 710 milionów i przyniósł nominację do Latin Grammy w kategorii Najlepsza piosenka rockowa za utwór „Qué Más Quieres”, a także nominacje do MTV VMAs i MTV EMAs.
Aktywne życie koncertowe pozwoliło siostrom występować na scenach całego świata – zarówno podczas własnych, wyprzedanych koncertów, jak i występów u boku takich artystów jak Yungblud, Halsey, Evanescence, Muse czy Foo Fighters. W 2025 r. The Warning zagrały dwa wyprzedane koncerty dla 30 tys. fanów w stolicy Meksyku, uwiecznione na albumie koncertowym i filmie „Live From Auditorio Nacional, CDMX”, który trafił na ekrany kin.
Grupa zaprezentowała nowy singiel „Vending Machine”.
Wielokrotnie nominowany do nagrody Juno alternatywno-popowy zespół Valley, w którego skład wchodzą Rob Laska (wokal, gitara), Alex Dimauro (gitara basowa) i Karah James (wokal, perkusja), prezentuje zilustrowany teledyskiem singiel „Vending Machine”. Jest to pierwsza piosenka grupy od niemal dwóch lat, czyli od premiery cenionego przez krytyków trzeciego albumu studyjnego „Water the Flowers, Pray for a Garden”.
– „Vending Machine” to piosenka o transakcyjnych relacjach z ludźmi. Automat sprzedający istnieje po to, by na żądanie wydawać to, czego ktoś potrzebuje. Nie ma własnych potrzeb ani emocji. Ludzie podchodzą do niego tylko wtedy, gdy czegoś chcą. Komfortu, uwagi, potwierdzenia własnej wartości albo rozrywki. To miłość uzależniona od tego, co możesz zaoferować, a nie od prawdziwej więzi – komentują artyści.
Na najbliższe tygodnie grupa planuje serię koncertów na kanadyjskich festiwalach. Valley wystąpią m.in. na takich imprezach jak Rock The Park, Jubilee Festival czy Osheaga.
Valley zdobyli międzynarodową publiczność dzięki emocjonalnemu indie-popowi, nostalgicznym melodiom i przenikliwym tekstom. Zespół zgromadził już ponad 1,2 miliarda streamów na całym świecie, docierając do oddanych fanów w Ameryce Północnej, Azji i wielu innych regionach.
Zespół powstał w 2016 r. po przypadkowym podwójnym zarezerwowaniu tego samego studia przez dwa licealne zespoły. Przełomem okazał się pokryty złotem singiel „Like 1999”, który zdobył ogromną popularność na TikToku i platformach streamingowych.
Valley stali się mistrzami w zamienianiu złamanych serc, nostalgii i tęsknoty w popowe przeboje o stadionowym rozmachu. Są znani z pełnych energii koncertów. Występowali przed takimi artystami jak Post Malone, Lennon Stella, Dermot Kennedy, COIN i The Band CAMINO, pojawiali się na festiwalach takich jak Boston Calling Music Festival, Life Is Beautiful Festival, Governors Ball Music Festival czy Festival d'été de Québec.
Stulecie urodzin Milesa Davisa i upamiętnienie 70. rocznicy przełomowych sesji nagraniowych dla Prestige Records z 1956 roku. Zawiera utwory z albumów Cookin', Relaxin', Workin', Steamin' i innych.
Craft Recordings kontynuuje całoroczne obchody stulecia jednej z najważniejszych ikon kultury XX wieku — trębacza, lidera zespołów i kompozytora Milesa Davisa — prezentując nowy box set Miles '56: The Prestige Recordings. Nawiązując do nagrodzonego statuetką GRAMMY® wydawnictwa Miles '55, najnowsza kolekcja koncentruje się na sesjach nagraniowych Davisa dla Prestige Records z 1956 roku, które zaowocowały tak przełomowymi albumami jak Cookin', Relaxin', Workin' i Steamin'. W nagraniach uczestniczyła plejada gwiazd, w tym John Coltrane, Sonny Rollins, Red Garland, Art Taylor, Paul Chambers, Tommy Flanagan i Philly Joe Jones.
Premiera Miles '56 odbędzie się 19 czerwca. Wydawnictwo będzie dostępne jako limitowany box 4LP, zestaw 3CD oraz w formacie cyfrowym Hi-Res. Materiał audio został przeniesiony z oryginalnych taśm analogowych i pieczołowicie odrestaurowany przez Plangent Processes. Remastering wykonał laureat nagrody GRAMMY Paul Blakemore, a lakierowanie matryc dla 180-gramowego wydania winylowego przygotował Kevin Gray w Cohearent Audio. Producentem projektu jest Nick Phillips. Oba fizyczne wydania zawierają nowy esej autorstwa nagrodzonego GRAMMY historyka muzyki Ashleya Kahna. Dodatkowego kontekstu do siedemdziesięcioletnich nagrań dostarczają komentarze do utworów autorstwa zmarłego Dana Morgensterna, również laureata GRAMMY, historyka i archiwisty jazzu.
Dla Milesa Davisa (1926–1991) rok 1956 był momentem przełomowym, skupionym wokół jego pierwszego stabilnego zespołu — The Miles Davis Quintet. Utworzona zaledwie kilka miesięcy wcześniej grupa, znana jako „First Great Quintet", składała się z grona wschodzących gwiazd jazzu: saksofonisty tenorowego Johna Coltrane'a, pianisty Reda Garlanda, kontrabasisty Paula Chambersa i perkusisty Philly Joe Jonesa. Razem stali się jedną z najważniejszych formacji ery hard bopu.
„Ten zespół miał po prostu bardzo wiele do zaoferowania" — pisze Ashley Kahn. „W zależności od wykonywanego utworu i od tego, kto akurat improwizował, brzmienie grupy mogło diametralnie zmieniać swoją energię i charakter. Było to możliwe dzięki elastyczności i kontrastującym stylom jej członków. (...) Jako całość zespół oddychał jednym rytmem, w naturalny, niedoskonały sposób. Potrafił dostarczyć zarówno ognia, jak i — równie skutecznie — spokoju, za który słynął Miles."
Po nagraniu debiutanckiego albumu w listopadzie 1955 roku (Miles: The New Miles Davis Quintet) kwintet dalej doskonalił swoje brzmienie podczas tras koncertowych, występując w całej Ameryce Północnej. W rodzinnym Nowym Jorku regularnie pojawiał się natomiast w popularnym klubie Café Bohemia na West Village. Jak zauważa Kahn, ich repertuar odzwierciedlał mieszankę „ballad, ognistych numerów i bluesów", obejmując standardy takie jak „My Funny Valentine" i „Surrey With the Fringe on Top", klasyki bebopu w rodzaju „Woody'N You" i „Salt Peanuts", a także kompozycje współczesnych twórców, m.in. „Oleo" Sonny'ego Rollinsa, „Well You Needn't" Theloniousa Monka oraz „Ahmad's Blues" Ahmada Jamala. Regularnie wykonywano również autorskie utwory Davisa, takie jak „Half Nelson" i „Four".
W tym czasie pozycja Davisa znacząco wzrosła, przyciągając uwagę mediów, innych muzyków i wytwórni płytowych. Choć nadal obowiązywał go kontrakt z Prestige, podpisał umowę z Columbia Records za pełną zgodą założyciela Prestige, Boba Weinstocka. Aby wywiązać się ze zobowiązań wobec Prestige, zaplanował dwie maratonowe sesje nagraniowe w legendarnym studiu Rudy'ego Van Geldera w Hackensack. Tam zarejestrował materiał wystarczający na kilka lat wydawnictw. Sesje odbyły się 11 maja i 26 października 1956 roku i były traktowane przez kwintet jak koncerty na żywo — muzycy wykonywali repertuar dopracowany podczas poprzednich miesięcy występów, w tym wspomniane wcześniej utwory. Powstałe nagrania uchwyciły sceniczną magię zespołu z wyjątkowym poczuciem spontaniczności i bezpośredniości.
Jak pisze Kahn: „Większość utworów wykonuje cały kwintet, ale podobnie jak na scenie muzycy tworzyli też mniejsze składy w ramach zespołu. Przykładem może być sytuacja, gdy Coltrane wycofywał się podczas 'My Funny Valentine', a Miles prowadził sekcję rytmiczną, lub gdy Garland przejmował inicjatywę w trio fortepianowym wykonującym 'Ahmad's Blues'." Dodaje również: „Poza drugim podejściem do 'The Theme' wszystkie nagrania były pierwszymi podejściami. Jak po ostatnim secie we wtorkowy wieczór — zagrali, skończyli i wrócili do domu."
Utwory nagrane w maju i październiku zostały później wydane na czterech ikonicznych albumach: Cookin' (1957), Relaxin' (1958), Workin' (1960) i Steamin' (1961), których pełne tytuły zawierały dopisek „with the Miles Davis Quintet". Jedynym wyjątkiem był napisany przez Theloniousa Monka utwór „'Round Midnight", który stał się jednym z najbardziej charakterystycznych numerów Davisa i ukazał się na albumie Miles Davis and the Modern Jazz Giants z 1959 roku.
Miles '56 obejmuje również inną sesję Davisa dla Prestige z 1956 roku, zarejestrowaną 16 marca z udziałem Sonny'ego Rollinsa (saksofon tenorowy), Tommy'ego Flanagana (fortepian), Paula Chambersa (kontrabas) i Arta Taylora (perkusja). Sesja ta była ostatnim studyjnym spotkaniem Davisa i Rollinsa oraz jedyną udokumentowaną współpracą trębacza z Flanaganem. Zawiera dwa autorskie utwory Davisa („Vierd Blues" i „No Line") oraz kompozycję Dave'a Brubecka „In Your Own Sweet Way", które ukazały się na albumie Collectors' Items z 1956 roku.
Wpływ nagrań kwintetu z 1956 roku był odczuwalny natychmiast po ich wydaniu. Krytycy przyjęli je entuzjastycznie, a młodzi muzycy jazzowi starali się naśladować podejście Davisa do improwizacji. Ich znaczenie pozostaje jednak żywe do dziś. „Wiele utworów i aranżacji z sesji kwintetu z 1956 roku nadal można usłyszeć w repertuarze współczesnych zespołów jazzowych" — zauważa Kahn. „Pod względem podejścia i nastawienia ta muzyka nadal inspiruje młodych improwizatorów, zapewniając im solidne fundamenty do poszukiwania własnej drogi i rozwijania tej sztuki."
Choć ta odsłona kwintetu istniała stosunkowo krótko, odegrała kluczową rolę w rozwoju Davisa jako artysty, pomagając mu odnaleźć się jako lider zespołu i wykształcić własny muzyczny styl. Gdy rok 1956 dobiegał końca, Miles był gotowy rozpocząć nowy rozdział swojej kariery — taki, który wyniesie go na niespotykane wcześniej wyżyny popularności. Przez kolejne dekady nieustannie wprowadzał innowacje, kształtując brzmienie post-bopu i fusion, eksperymentując z elektroniką, funkiem, rockiem, popem i rytmami afrykańskimi aż do końca lat 80. Jego bogaty katalog do dziś rezonuje daleko poza światem jazzu.
Tracklist (4-LP Vinyl):
Side A
1. In Your Own Sweet Way (March 16, 1956 version)
2. No Line
3. Vierd Blues
4. In Your Own Sweet Way (May 11, 1956 version)
Side B
1. Diane
2. Trane's Blues
3. Something I Dreamed Last Night
Side C
1. It Could Happen to You
2. Woody'N You
3. Ahmad's Blues
Side D
1. Surrey With the Fringe on Top
2. It Never Entered My Mind
3. When I Fall in Love
4. Salt Peanuts
Side E
1. Four
2. The Theme (Take 1)
3. The Theme (Take 2)
4. If I Were a Bell
5. Well, You Needn't
Side F
1. 'Round Midnight
2. Half Nelson
3. You're My Everything
4. I Could Write a Book
Side G
1. Oleo
2. Airegin
3. Tune Up
4. When Lights Are Low
Side H
1. Blues by Five
2. My Funny Valentine
Tracklist (3-CD/Digital):
Disc 1
1. In Your Own Sweet Way (March 16, 1956 version)
2. No Line
3. Vierd Blues
4. In Your Own Sweet Way (May 11, 1956 version)
5. Diane
6. Trane's Blues
7. Something I Dreamed Last Night
8. It Could Happen to You
9. Woody'N You
10. Ahmad's Blues
Disc 2
1. Surrey With the Fringe on Top
2. It Never Entered My Mind
3. When I Fall in Love
4. Salt Peanuts
5. Four
6. The Theme (Take 1)
7. The Theme (Take 2)
8. If I Were a Bell
9. Well, You Needn't
Disc 3
1. 'Round Midnight
2. Half Nelson
3. You're My Everything
4. I Could Write a Book
5. Oleo
6. Airegin
7. Tune Up
8. When Lights Are Low
9. Blues by Five
10. My Funny Valentine
To pierwsza piosenka artysty od premiery jego świetnie przyjętego debiutanckiego albumu.
Livingston podzielił się z fanami premierowym singlem „Paper Crowns”. Piosenką rozpoczyna nowy, ekscytujący rozdział swojej artystycznej drogi.
„Paper Crowns” to pierwsza piosenka Livingstona od czasu wydania edycji deluxe debiutanckiego krążka „A Hometown Odyssey”. Wydawnictwo wyniosło artystę na nowy poziom popularności i pozwoliło mu ruszyć w trasę koncertową, obejmującą Amerykę Północną, Europę i Wielką Brytanię.
Livingston sam wyprodukował nowy utwór. W osobistym „Paper Crowns” wraca wspomnieniami do nastoletniej relacji, która przerodziła się w trwałą miłość, nie unikając przy tym tematów wyzwań, poświęceń i komplikacji, jakie pojawiły się po drodze. Łącząc wrażliwość z ambicją, „Paper Crowns” ukazuje napięcie między pogonią za marzeniami a pielęgnowaniem relacji, które od początku stanowiły źródło inspiracji.
– To bardziej popowy utwór, więc jest bliższy mojej wcześniejszej twórczości. Jednocześnie ma w sobie także pewną agresję. Wyjechałem z domu i podążyłem za tym celem, aby zbudować życie z moją żoną, ale zacząłem dostrzegać, jak przez ciągłe trasy koncertowe, ciężką pracę i nieobecność nasza relacja zaczyna się stopniowo rozpadać. Jaki jest sens dążenia do celu, jeśli po drodze zapominasz, dlaczego w ogóle zacząłeś? W tym utworze papierowa korona symbolizuje młodzieńczą miłość. Zanim pojawiły się pieniądze i obowiązki dorosłego życia, jedynym, co mogliśmy sobie dać, była papierowa korona – wyjaśnia Livingston.
Wizualizacja do „Paper Crowns” jeszcze głębiej zanurza słuchaczy w świecie Livingstona – rozległe krajobrazy widoczne na ekranie odzwierciedlają emocjonalne wzloty i upadki obecne w samej piosence.
Pochodzący z Denton w Teksasie artysta napisał i wyprodukował swój debiutancki album „A Hometown Odyssey” w sypialni rodzinnego domu. Krótko po premierze wydawnictwo zaczęło zdobywać popularność na całym świecie. Do tej pory utwory Livingstona zgromadziły ponad miliard odtworzeń, a album dotarł do drugiego miejsca zestawienia Spotify Album Debut UK Chart oraz na do trzeciego miejsca list Spotify Album Debut US i Global Charts.
Livingston:
Kiedy człowiek dostrzega swój potencjał, może go zignorować albo przekuć w siłę. Livingston świadomie wybrał tę drugą drogę, wykorzystując umysł, ciało i duszę do tworzenia muzyki z wyraźnym celem. Dzięki temu pochodzący z Denton w Teksasie, a obecnie mieszkający w Los Angeles wokalista, autor piosenek, producent i multiinstrumentalista stał się jednym z najciekawszych niezależnych artystów młodego pokolenia, łącząc elementy alternatywy, rocka, popu i elektroniki.
Jego muzyka jest zapewnieniem, że nikt nie jest sam, a jednocześnie przypomnieniem, że wszystko jest możliwe. Jako samotny i niezrozumiany nastolatek zmagał się z prześladowaniem ze strony rówieśników, a schronienie znajdował w miłości najbliższej rodziny oraz pasji do muzyki i kina. Uciekał w światy stworzone przez Pixar, Marvela i „Gwiezdne wojny”. Dysponując jedynie laptopem MacBook, rozwijał swoje umiejętności jako autor piosenek, wokalista i producent.
Po doświadczeniach z dużą wytwórnią postanowił samodzielnie kierować swoją karierą i w 2024 r. wydał niezależnie album „A Hometown Odyssey”. Dzięki utworom takim jak „Shadow” i „Last Man Standing” oraz udziałowi laureata Oscara J. K. Simmons, płyta odbiła się szerokim echem wśród słuchaczy na całym świecie.
Do czasu premiery rozszerzonej wersji „The Story Continues” w 2025 r. Livingston zgromadził niemal 7 milionów obserwujących w mediach społecznościowych, przekroczył miliard odtworzeń swojej muzyki i sprzedał ponad 50 tysięcy biletów w mniej niż rok.
Grupa promuje krążek singlem „Without You”.
Uwielbiany przez fanów z całego świata irlandzki zespół Kodaline zapowiedział swój piąty i jednocześnie ostatni album „We Were Only Young”, który ukaże się 2 października nakładem Concord. Wraz z ogłoszeniem płyty grupa zaprezentowała nowy singiel „Without You” – piękną, akustyczną piosenkę miłosną, napisaną przez wokalistę Steve’a Garrigana dla jego żony z okazji ich ślubu.
– Nigdy nie byłem zbyt rozmowny, ale potrafię napisać piosenkę. Chciałem zrobić coś wyjątkowego dla mojej żony w dniu naszego ślubu, dlatego napisałem dla niej „Without You”. Ten utwór stał się moją przemową, towarzyszył nam podczas pierwszego tańca i wydał mi się zbyt wyjątkowy, by go nie udostępnić. To prawdopodobnie moja ulubiona piosenka na tym albumie – z oczywistych powodów – komentuje Steve.
Kodaline żegnają się ze słuchaczami w imponującym stylu – emocjonalnym i pełnym serca albumem, zawierającym najlepszą muzykę, jaką stworzyli od lat. Refleksyjna płyta opowiada o trudnej, ale satysfakcjonującej podróży przez życie. To pełne zadumy spojrzenie na dojrzewanie, siłę relacji, rozwój i trwałość miłości, a także pełne nadziei spoglądanie w przyszłość oraz pogodzenie się z tym, że pewne rzeczy i sytuacje dobiegają końca.
Pierwszą zapowiedzią albumu był udostępniony wiosną utwór tytułowy. Piosenka szybko okazała się kolejnym przebojem Kodaline, gromadząc ponad sześć milionów odtworzeń i trafiając na rotacje w rozgłośniach w Wielkiej Brytanii oraz Europie.
„We Were Only Young” splata w jedną całość piękne ballady – od subtelnego, pełnego rozmachu akustycznego „All I Ever Need Is You” po bazujący na fortepianie i gospelowych wpływach „Learn To Lose”. Obok tych bardziej intymnych utworów znalazły się także potencjalne popowe hity, takie jak pełne blasku „It's Not Over” czy napędzane harmoniami „Get Me High”. W „Vultures” wybrzmiewa folkowa energia, która kontrastuje z mrocznym, przestrzennym brzmieniem otwierającym (Who Will Save You Now”) i zamykającym album („The One For Me”)
– Pisałem ten album przez ostatnie cztery lata. Kiedy zaczynałem, nie byłem nawet pewien, czy chcę jeszcze pisać piosenki. Ta płyta stała się dla mnie sposobem na uporządkowanie bardzo ważnego okresu w moim życiu – ślubu, radzenia sobie ze stratą, niepewnością i końcem zespołu. Niektóre utwory są bardzo osobiste, inne zyskały swoje znaczenie dopiero z czasem.
Jeśli ktoś wyniesie coś z tego albumu, chciałbym wierzyć, że pomoże mu przejść przez własne trudne chwile – niezależnie od tego, czy będą to miłość, strata, żałoba, niepewność czy cokolwiek innego, co przynosi życie. Muzyka zawsze miała dla mnie taką moc i mam nadzieję, że te piosenki będą mogły zrobić to samo dla kogoś innego.
Jestem bardzo dumny z tego albumu, zwłaszcza że kiedyś nie wierzyłem, że w ogóle go ukończę. I jestem też bardzo dumny ze wszystkiego, co przez te lata osiągnęliśmy jako zespół – podsumowuje Steve.
„We Were Only Young” – lista utworów:
1. Who Will Save You Now
2. We Were Only Young
3. Back To Me
4. Without You
5. Get Me High
6. All I Ever Need Is You
7. Vultures
8. Last Forever
9. Learn To Lose
10. Hindsight
11. It's Not Over
12. The One For Me
Kodaline zaprezentują na żywo utwory z nowego albumu podczas trasy Farewell World Tour. Koncerty mają być wielkim świętem twórczości zespołu, obejmującym utwory z całego katalogu grupy – pełnego przebojów, multiplatynowych wydawnictw i miliardów odtworzeń.
Pożegnalna trasa rozpocznie się od wielkich plenerowych koncertów w Irlandii, podczas których zespół wystąpi przed 50 tysiącami fanów. Następnie muzycy odwiedzą Azję, Australię, Europę i Wielką Brytanię. Wiele koncertów zostało już wyprzedanych.
Już jutro w Krakowie odbędzie się festiwal Lost Generation 2026!
Na scenie wystąpią: The Offspring, Papa Roach, The Rasmus i inni.
Tak prezentuje się pełny line up imprezy: