Pierwsza edycja Lost Generation Festival za nami! Zobaczcie oficjalne aftermovie z wydarzenia - dzięki Wam wspólnie trafilśmy do wehikułu czasu i przypomnieliśmy sobie klimat lat 90-tych i przełomu wieków! Chcielibyście więcej...?
Chcemy też poznać Was bliżej, bo to właśnie Wy budujecie społeczność festiwalu. Sprawdźcie naszą krótką ankietę, w której najważniejsze jest właśnie Wasze zdanie:
„Party Lines" to wybuchowa dawka dance-punkowej energii i hedonizmu. Utwór porusza temat hipokryzji polityków, którzy z jednej strony przeznaczają środki na pomoc humanitarną i wsparcie dla innych państw, a z drugiej handlują bronią i prowadzą wojny przeciwko tym samym krajom. Piosenka powstała w czasie, gdy członkowie zespołu z przerażeniem obserwowali eskalację wojny w Sudanie. Dynamiczne partie gitar, napędzający rytm i chwytliwy refren łączą się tu z tekstem będącym ostrą krytyką przywódców politycznych i narastającej społecznej frustracji.
Do utworu powstał teledysk wyreżyserowany przez Thomasa Jamesa (Kneecap, Bring Me The Horizon, Young Fathers).
Album został nagrany pomiędzy Attica Studios w Donegal i Holy Mountain Studios w Londynie. Za produkcję odpowiadają Mark Bowen oraz Loren Humphrey, a miksem zajął się John Congleton.
Na płycie „Nobody's Coming To Save You" Gurriers łączy ducha protestu, oporu i osobistej refleksji w swoim najbardziej ambitnym materiale do tej pory. Zespół rozwija wszystko to, co od początku stanowiło o jego sile — muzyczną chemię i przenikliwy, krytyczny sposób patrzenia na rzeczywistość — wynosząc swoje brzmienie na zupełnie nowy poziom.
Od nerwowego napięcia otwierających momentów utworu tytułowego, przez narastającą intensywność i taneczny dance-punkowy żywioł, aż po kakofoniczny, oczyszczający finał — „Nobody's Coming To Save You" przenosi energię dusznego, undergroundowego klubu na stadionową skalę. To album nie tylko głośny, ale przede wszystkim pełen dynamiki.
Pochodzący z różnych części Irlandii Gurriers poznali się w Dublinie. Wierzyli, że ich przeznaczeniem jest twórcze połączenie się, więc założyli zespół. Nie musimy zbytnio rozwodzić się nad tym, jak wydarzenia z początku 2020 r. tymczasowo zahamowały ich postęp. Zamiast bezsensownie skrolować na swoich telefonach, piec chleb bananowy lub objadać się zestawami pudełkowymi, Gurriers wykorzystali okazję, aby udoskonalić swoją wizję i rozwinąć swoje ambicje. Kiedy Gurriers zagrali swój pierwszy koncert w Halloween 2021 r. w dublińskim Workman's Club, ewoluowali jako zespół. Po wydaniu wcześniejszych singli, w tym "Sign of The Times" i "Nausea", otrzymali namaszczenie od legendarnego Anthony'ego Fantano z The Needle Drop oraz wsparcie Steve'a Lamacqa i Huw Stephensa z BBC Radio 6 Music, a ich singiel "Des Goblin" znalazł się na playliście BBC Radio 6 Music.
Gurriers bardzo szybko zdobył dobrą reputację dzięki intensywnym, pełnym energii koncertom oraz zaangażowanym społecznie tekstom. Od czasu premiery debiutanckiego albumu zespół konsekwentnie umacnia swoją pozycję, wystąpując m.in. w programie "Later... with Jools Holland", zagrał na głównych scenach festiwalu Glastonbury Festival oraz supportował koncerty Turnstile i Kneecap na dużych trasach koncertowych.
Po kilku latach, w trakcie których Gurriers przeszli drogę od dusznych klubów po główne sceny festiwalowe i koncerty arenowe, zespół ogłosił dużą trasę koncertową na jesieni po Wielkiej Brytanii i Europie . W planie znalazły się m.in. koncert w Electric Brixton 24 października oraz dwa duże występy w Dublinie, w Vicar Street i 3Olympia Theatre.
W Polsce grupa zagra 23 listopada w warszawskiej Hydrozagdce!!! Bilety dostępne na stronie www.alterart.pl
Podczas trasy zespół supportować będą naprzemiennie Enola Gay, Tramhaus, Really Good Time oraz Child Of Prague.
Tego lata Gurriers pojawią się również na szeregu festiwali, w tym na koncercie w czerwcu, w Crystal Pałace Park w Londynie, jako gość specjalny wystąpi KNEECAP!
Lista utworów „Nobody's Going To Save You"
01. Nobody's Coming To Save You
02. Party Lines
03. Shades
04. Pins
05. Today Is Not Enough
06. Drones
07. Nothing Happens Twice
08. Waiting For Fisher
09. I Wish I Was
10. Crybaby
22 kwietnia w krakowskim klubie Kwadrat usłyszycie ich największe klasyki w nowych, symfonicznych aranżacjach wykonywanych w towarzystwie orkiestry!
Sonata Arctica od blisko trzech dekad pozostaje jednym z najważniejszych zespołów fińskiego metalu. Debiutancka "Ecliptica" do dziś uznawana jest za kamień milowy europejskiego power metalu, a kolejne albumy, takie jak "Silence", "Winterheart's Guild" czy "Reckoning Night", ugruntowały pozycję grupy dzięki chwytliwym melodiom opartym na błyskawicznych partiach gitarowych i charakterystycznych klawiszach. Na początku roku ukazał się singiel "Freedom Concept", który zapowiada nowy album zespołu. Krakowski koncert będzie wyjątkową okazją, by po raz pierwszy zobaczyć formację na pełnowymiarowej trasie z orkiestrą, która nada nowy wymiar takim utworom jak "FullMoon", "Tallulah" czy "Don't Say a Word".
Rage to z kolei prawdziwi weterani niemieckiego metalu, którzy przez czterdzieści lat działalności przeszli drogę od speed do power metalu, z czasem coraz śmielej sięgając po symfoniczne elementy. Dowodzona przez Peavy'ego Wagnera formacja ma na koncie 27 albumów studyjnych, a wydawnictwa "XIII" i "Lingua Mortis" na trwałe zapisały się w historii gatunku jako jedne z pierwszych tak udanych połączeń metalu z orkiestrą symfoniczną. W Krakowie zespół wystąpi z Lingua Mortis Orchestra, celebrując 30-lecie obu tych kultowych albumów i prezentując setlistę podkreślającą ich pionierską rolę na scenie symfonicznego metalu.
SONATA ARCTICA + RAGE
22.04.2027 / Kraków, Kwadrat
Utwór, napisany we współpracy z Ryanem Tedderem i Willow Kayne, jest manifestem przyjaźni, siły wspólnoty i współczesnego girl power.
Popowe dziewczyny, zbiórka! – „Sunday Times Style”
Monumentalny debiut… XO przekraczają granice popu, robiąc wszystko po swojemu – CLASH
Chaotyczny, ale pełen uroku hołd dla paczki przyjaciół, na których zawsze można liczyć. Aż chce się być częścią tej ekipy – The Fader
Pełna charakteru współczesna odsłona girl power… obiecujący początek – The Guardian
Świat stoi przed nimi otworem – „Rolling Stone UK”, Future 50
XO opublikowały wcześniej singiel „Hotline”, będący dosłownym wezwaniem do działania. Po niedawnym występie na festiwalu Isle of Wight zespół wyruszy w listopadzie w swoją pierwszą trasę koncertową po Wielkiej Brytanii. Obejmie ona m.in. dopiero drugi londyński koncert grupy – w O2 Academy Islington. Bilety są już w sprzedaży.
„Clique” od pierwszych sekund brzmi jak manifest zespołu XO. Pracując nad tym utworem, grupa połączyła siły z jednym z najbardziej cenionych songwriterów na świecie, Ryanem Tedderem oraz alternatywną gwiazdą popu Willow Kayne. Charakterystyczne harmonie wokalne i typowo brytyjskie poczucie humoru oddają główną ideę piosenki – poczucie przynależności, niezależnie od tego, czy chodzi o renesans girlsbandów, siostrzaną więź czy po prostu wspólną zabawę.
Klip został nakręcony w tym samym pomieszczeniu, w którym członkinie grupy poznały się na castingu 18 miesięcy temu. Pojawiają się w nim również polaroidy z okresu formowania zespołu. Wyrazisty styl i dopracowana choreografia zapowiadają nowy etap w historii XO, związany z nadchodzącą EP-ką „Need To Know”.
XO to pięcioosobowy skład: Emmy, Reanna, Shali, Summer i Zoe. Artystki pochodzą z różnych miejsc – od Essex i Liverpoolu po Hongkong – i łączą indywidualne talenty z silnym poczuciem wspólnoty, które szybko stało się fundamentem ich tożsamości. Ich brzmienie i energia nawiązują do klasycznej tradycji brytyjskich girlsbandów, wzbogaconej o nowoczesne, wyraziste podejście – od energii Spice Girls po inspiracje współczesnymi gwiazdami popu, takimi jak Tate McRae czy globalne projekty pokroju KATSEYE. XO prezentują jednak własną, bezkompromisową i autentyczną wizję Girl Power, osadzoną w estetyce pokolenia Gen Z.
Zespół rozwija się na oczach fanów – zarówno w mediach społecznościowych, gdzie dzieli się kulisami działalności, jak i podczas koncertów w całym kraju. Ten proces uchwycony został już na debiutanckiej EP-ce „Fashionably Late”, wydanej pod koniec ubiegłego roku. Wydawnictwo, inspirowane chaotyczną dynamiką nocnego wyjścia w miasto, zawierało m.in. single „Lovesick”, współtworzony z Charli xcx „Real Friends” oraz ulubiony przez fanów „Ponytail”. XO szybko zdobyły wsparcie stacji takich jak Radio 1 i BBC Introducing, zadebiutowały w telewizji i wyprzedały pierwszą trasę koncertową w Wielkiej Brytanii.
XO konsekwentnie budują swoją pozycję na brytyjskiej i międzynarodowej scenie – a rok 2026 wyraźnie zaznacza ich miejsce na mapie współczesnego popu.
Piąta edycja CLOUT Festivalu zgromadzi czołowych przedstawicieli współczesnej sceny hip-hopowej i trapowej, a wśród nich nie zabraknie silnej reprezentacji artystów związanych z Universal Music Group. Tegoroczny line-up łączy największe gwiazdy mainstreamu z najciekawszymi przedstawicielami nowej fali rapu.
Jednym z najbardziej wyczekiwanych koncertów festiwalu będzie występ Ken Carsona, jednego z liderów nowej generacji amerykańskiego trapu i jednego z najważniejszych artystów wytwórni Opium. Po sukcesie albumu „More Chaos”, który umocnił jego pozycję na światowej scenie, Carson pozostaje jednym z najbardziej wpływowych głosów młodego pokolenia rapu. 3 lipca ukazał się jego najnowszy krążek „xperiment”.
Na scenie pojawi się również Destroy Lonely, którego charakterystyczne brzmienie, balansujące między melodyjnym trapem a eksperymentalnym hip-hopem, przyniosło mu status jednego z najciekawszych artystów współczesnej sceny. Wraz z Kenem Carsonem współtworzy trzon nowej fali artystów skupionych wokół kolektywu Opium.
Reprezentację Opium poszerza także HXG, znany wcześniej jako Homixide Gang – duet Meechie i Beno, którego energetyczne koncerty oraz bezkompromisowe trapowe brzmienie zyskały uznanie fanów na całym świecie.
W Warszawie wystąpi również Swae Lee – połowa multiplatynowego duetu Rae Sremmurd i autor światowych hitów, takich jak „Sunflower” czy „Unforgettable”. Artysta od lat z powodzeniem łączy rap z melodyjnym popem i R&B, pozostając jednym z najbardziej rozpoznawalnych głosów współczesnej muzyki.
Do grona gwiazd festiwalu dołącza też Quavo, współzałożyciel legendarnego tria Migos i jeden z najważniejszych artystów współczesnego hip-hopu. Jako solista i gość niezliczonych przebojów współpracował z największymi nazwiskami światowej sceny muzycznej, a jego koncerty należą do najbardziej widowiskowych wydarzeń rapowych.
Na CLOUT Festival 2026 zaprezentuje się również Prettifun – jedna z najbardziej obiecujących nowych postaci alternatywnej sceny rapowej, która szybko zdobywa rozgłos dzięki oryginalnemu stylowi i nowoczesnemu podejściu do trapu.
Line-up uzupełnia Lucki, ceniony przedstawiciel chicagowskiej sceny hip-hopowej, którego introspektywne teksty i charakterystyczne, mroczne brzmienie zapewniły mu status jednego z najbardziej wpływowych artystów undergroundowego rapu ostatnich lat.
CLOUT Festival od kilku lat umacnia swoją pozycję jako najważniejsze wydarzenie poświęcone światowemu rapowi w Polsce. Tegoroczna edycja odbędzie się 10 i 11 lipca na Lotnisku Bemowo w Warszawie, prezentując line-up łączący największe gwiazdy z najbardziej ekscytującymi nowymi nazwiskami współczesnej sceny hip-hopowej.
Utwór jest ostatnią zapowiedzią jego nadchodzącego albumu „Dream inside a dream…”, którego premiera odbędzie się 31 lipca.
Po niedawnym singlu „If i could stop time…” nowy utwór domyka drogę prowadzącą do premiery krążka i stanowi ostatni przedsmak tego, co znajdzie się na „Dream inside a dream…”, zanim całość ujrzy światło dzienne pod koniec miesiąca.
„The last dance…” opowiada o cichej sile potrzebnej do zaakceptowania zmian i pójścia naprzód. Zbudowany na ciepłych melodiach, emocjonalnym wokalu i nastrojowej produkcji utwór oddaje ciężar końców pewnych etapów życia, jednocześnie odnajdując piękno w obietnicy nowych początków. Jako finałowa kompozycja albumu symbolizuje wkroczenie w nieznane, celebrując rozwój, odporność i przemieniającą moc odpuszczania.
– „The last dance…” to słodko-gorzkie pożegnanie z tym, co przestało już nam służyć. W moim przypadku na różnych etapach życia były to domy, nawyki, cele i relacje. Uczę się przyjmować wszystko z otwartymi ramionami, być wdzięcznym za czas, jaki dostaję w każdym okresie życia, i wierzyć, że otrzymane lekcje pomogą mi poradzić sobie z tym, co dopiero nadejdzie. To utwór zamykający mój nadchodzący album – traktuję go jako podziękowanie za ten rozdział mojego życia i powitanie tego, co przyniesie przyszłość – mówi R3HAB.
W ciągu ostatniej dekady R3HAB ugruntował swoją pozycję jako jeden z najważniejszych artystów światowej sceny dance. Od 2017 roku nieprzerwanie znajduje się w czołówce rankingu DJ Mag Top 100 DJs, a jego katalog obejmuje zarówno autorskie albumy, jak i remiksy dla takich gwiazd jak Taylor Swift, Rihanna, Lady Gaga czy The Chainsmokers.
W 2016 roku artysta powołał do życia własną wytwórnię CYB3RPVNK, która zgromadziła już ponad 4 miliardy odtworzeń i stała się platformą dla nowego pokolenia twórców muzyki elektronicznej. Dzięki występom na największych festiwalach świata, takich jak Tomorrowland, Ultra Music Festival czy Coachella, oraz nieustannej gotowości do przekraczania gatunkowych granic, R3HAB pozostaje jedną z najbardziej wpływowych postaci współczesnej muzyki tanecznej.
Dwukrotna laureatka BRIT Awards Becky Hill kontynuuje promocję swojego wyczekiwanego trzeciego albumu „Rebecca”. Wydawnictwo ukaże się 25 września, tymczasem już dziś możemy posłuchać nowego singla „what do i have to do?”. Po entuzjastycznie przyjętym, wyróżnionym przez BBC Radio 1 utworze „More! More! More!” oraz euforycznym „Hands On Me”, nowa piosenka daje kolejne spojrzenie na odważny i pełen emocji świat albumu nadchodzącego krążka Becky.
Napędzany pulsującą elektroniką, potężnym basem i charakterystycznym wokalem Hill utwór „what do i have to do?” opowiada o napięciu między chęcią zatrzymania kogoś przy sobie a świadomością, że nadszedł moment, by odpuścić. Na pierwszy rzut oka brzmi jak desperacka próba uratowania związku, jednak pod powierzchnią kryje się refleksja nad doświadczeniami Becky, która przez lata starała się sprostać oczekiwaniom innych.
Towarzyszący piosence teledysk kontynuuje satyryczną ścieżkę wytyczoną przez wspomniane „More! More! More!”. Becky wciela się w autorkę pozornie zwyczajnego vloga z serii „Get Ready With Me”, który stopniowo przeradza się w niepokojącą parodię internetowej kultury piękna i zjawiska looksmaxxingu. Każdy przerysowany zabieg upiększający zestawiono z autentycznymi komentarzami, jakie artystka otrzymywała w mediach społecznościowych na temat swojego wyglądu. Efektem jest jednocześnie zabawny i niepokojący komentarz na temat nierealistycznych standardów urody oraz nieustannej presji, z jaką kobiety mierzą się w internecie.
Becky określa album „Rebecca” mianem „kontrolowanego chaosu”. Na płycie artystka łączy taneczne i drum’n’bassowe fundamenty swojej twórczości z inspiracjami indie i muzyką alternatywną. Teksty są bardziej osobiste niż kiedykolwiek wcześniej i poruszają tematy ambicji, rozpoznawalności, poczucia własnej wartości oraz napięcia między pragnieniami a potrzebą ochrony samej siebie.
Album jest już dostępny w przedsprzedaży. Wśród fizycznych wydań znajdą się limitowany, numerowany czerwony winyl, czarny winyl oraz płyta CD. Wszystkie zestawy zamówione w oficjalnym sklepie Becky będą zawierały podpisaną kartę kolekcjonerską.
Po serii kameralnych koncertach, w tym występie w legendarnym londyńskim klubie 100 Club oraz niespodziewanym pop-up show podczas festiwalu TRNSMT, Becky kontynuuje letnią trasę koncertową. Przed premierą albumu artystka pojawi się na festiwalach, w tym na BitterSweet Festivalu w Poznaniu, na którym wystąpi 13 sierpnia.
Becky Hill to jedna z najbardziej wpływowych i odnoszących największe sukcesy brytyjskich artystek. Słynie z umiejętnego łączenia klubowych korzeni z przebojowym, popowym brzmieniem. W trwającej ponad dekadę karierze dwukrotna laureatka BRIT Awards zgromadziła ponad 10 miliardów streamów i wprowadziła kilka singli do brytyjskiego Top 10, stając się jedną z najważniejszych postaci brytyjskiej sceny muzyki tanecznej. Jej znakomicie przyjęty album „Believe Me Now?” z 2024 r. dotarł do trzeciego miejsca brytyjskiej listy sprzedaży i był najlepiej notowanym wydawnictwem w jej dorobku.
Hill jest również cenioną songwriterką. Artystka współpracowała z największymi gwiazdami sceny elektronicznej elektronicznej, takimi jak David Guetta, Tiësto czy Chase & Status, tworząc z nimi światowe przeboje.
Artystka zachwycała publiczność podczas festiwali Glastonbury, Reading & Leeds, Parklife i Creamfields, a także wyprzedała halową trasę koncertową po Wielkiej Brytanii i Irlandii. Poza sceną aktywnie wspiera kobiety oraz osoby queer i niebinarne działające w branży muzycznej.
NO BAD DAYS to podróż do nostalgii lat dwutysięcznych, kiedy to electropop zaczynał rządzić na polskim rynku muzycznym.
Poczuj tamten klimat, posłuchaj ponadczasowych dźwięków sprzed dekady, bądź częścią tego wydarzenia.
12 lat po spektakularnym debiucie, który zrewolucjonizował polską scenę muzyki alternatywnej, duet The Dumplings ogłasza oficjalny powrót do korzeni. Justyna Święs i Kuba Karaś ruszają w wyjątkową trasę koncertową, podczas której fani usłyszą w całości materiał z ich kultowego, debiutanckiego albumu „No Bad Days" z 2014 roku. Ponadczasowe elektroniczne klasyki wybrzmią na żywo w nowej odsłonie.
Bilety na koncerty dostępne TUTAJ
Wydana w maju 2014 roku płyta „No Bad Days" błyskawicznie przyniosła nastoletniemu wówczas duetowi ogólnokrajowy rozgłos, status złotej płyty oraz prestiżowego Fryderyka w kategorii Fonograficzny Debiut Roku. Przeboje takie jak „Technicolor Yawn", „Betonowy las" czy „Mewy" na stałe wpisały się do kanonu polskiego electropopu. Teraz, po latach artystycznych poszukiwań i solowych projektów, muzycy postanowili zafundować słuchaczom sentymentalną podróż do nostalgii tamtych lat.
Zespół zapowiada koncerty pełne sentymentu, prezentując debiutancki materiał w nowej, bogatszej aranżacji.
Artystka osobiście wyselekcjonowała materiał, łącząc „Body Talk Pt. 1”, „Body Talk Pt. 2” i „Body Talk” w jedną, spójną całość.
Na wydawnictwie znalazły się największe hity z trylogii, w tym „Dancing On My Own”, „Call Your Girlfriend” i „Hang With Me”. Album zostanie wytłoczony na winylu w kolorze „coke bottle”, a całość trafi do ekskluzywnego opakowania z okładką wykończoną srebrnym metalicznym nadrukiem. Premierę zaplanowano na 17 lipca, a album jest już dostępny w przedsprzedaży.
Robyn od lat należy do grona najbardziej cenionych artystek muzyki pop. Jej debiutancki album „Robyn Is Here” z 1995 roku początkowo miał ukazać się wyłącznie w Szwecji i kilku innych krajach, jednak w ciągu kolejnych dwóch lat zdobył światową popularność, przynosząc artystce uznanie zarówno krytyków, jak i publiczności, oraz opinię jednej z najbardziej utalentowanych autorek piosenek swojego pokolenia.
Kolejne albumy – „My Truth” z 1999 roku oraz „Don’t Stop The Music” z 2002 roku – ukazały się wyłącznie w Szwecji. Dopiero czwarty, imienny album Robyn trafił na rynki międzynarodowe, a jego wydawcą została założona przez artystkę wytwórnia Konichiwa Records. Robyn obrała bardziej elektroniczny kierunek muzyczny i ponownie zdobyła uznanie jako artystka konsekwentnie podążająca własną drogą. To właśnie ten etap kariery otworzył drogę do powstania przełomowej trylogii „Body Talk”.
Wiosną 2010 roku Robyn ogłosiła, że zgromadziła na tyle dużo nowego materiału, by wydać go w formie trylogii. Zamiast wybierać utwory do jednego albumu lub podwójnego wydawnictwa, zdecydowała się publikować muzykę stopniowo – w kolejności, w jakiej poszczególne nagrania zostały ukończone. Efektem były dwa minialbumy: „Body Talk Pt. 1”, który ukazał się w czerwcu 2010 roku, oraz „Body Talk Pt. 2”, wydany we wrześniu. Trylogię zamknął listopadowy album „Body Talk”, zawierający pięć premierowych utworów oraz wybór kompozycji z wcześniejszych części. Strategia ta dziś jest powszechnie stosowanym modelem publikowania muzyki.
Trylogia „Body Talk” odniosła sukces zarówno artystyczny, jak i komercyjny. Robyn została doceniona za odejście od tradycyjnego modelu wydawania albumów, a wszystkie trzy części zebrały znakomite recenzje w najważniejszych światowych mediach takich jak „The Guardian”, „Financial Times”, „Rolling Stones”, „NME” i Pitchfork.
Tracklist:
LP 1
Side A
1. Don't Fucking Tell Me What to Do
2. Fembot
3. Dancing on My Own
4. Cry When You Get Older
5. Dancehall Queen
Side B
1. None of Dem Featuring Röyksopp
2. In My Eyes
3. Include Me Out
4. Hang With Me
5. Hang With Me – Acoustic Version
LP 2
Side A
1. Love Kills
2. We Dance To The Beat
3. Criminal Intent
4. U Should Know Better Featuring Snoop Dogg
Side B
1. Indestructible
2. Time Machine
3. Call Your Girlfriend
4. Get Myself Together
5. Stars 4-Ever
6. Indestructible – Acoustic Version
To opowieść o drodze z kolorowych bloków na największe festiwale w kraju, bez utraty tego, co od początku definiowało twórczość artysty.
„znowu idzie lipiec. zostało jakieś 15 minut do zachodu słońca, ciepły wiatr lekko z prawej. wyciągnęli mnie z szafy, wpakowali do busa, dali mikrofon do łapy, zaraz wychodzimy. ten bas furczy o wiele głośniej niż kiedyś, ludzi przed sceną o wiele więcej niż kiedyś, jadą te teksty słowo w słowo, jak kiedyś. trochę tęskno do kolorowych bloków, które znam lepiej niż cokolwiek, ale jest robota do zrobienia, nasze życie jest w trasie…sie porobiło…” - Hubert.
Premierze albumu towarzyszyło wyjątkowe wydarzenie koncertowe. 4 lipca Hubert. zagrał secret gig podczas Open'er Festival, wracając na festiwal zaledwie rok po swoim pierwszym występie. Niespodziewany koncert był symbolicznym otwarciem nowego rozdziału i festiwalową prezentacją materiału z „sie porobiło…”. Kolejnym przystankiem będzie koncert, jakiego w polskiej muzyce jeszcze nie było. 12 września 2026 roku Hubert. wystąpi na Skoczni Narciarskiej im. Adama Małysza w Wiśle - jako pierwszy artysta w historii tego kultowego obiektu. Po wyprzedanych trasach „kolorowych domów”, koncertach PTTK EXP. na górskich szlakach, występach na największych festiwalach i ubiegłorocznym wydarzeniu w Chałupach, będzie to największe i najbardziej ambitne przedsięwzięcie w dotychczasowej karierze reprezentanta prawego brzegu.
One time experience only.
W tym składającym się z 14 utworów projekcie Brutalismus 3000 mocniej niż kiedykolwiek dotąd akcentuje swoje międzykontynentalne inspiracje, brzmiąc jeszcze bardziej unikalnie, dojrzale i nieziemsko magnetyzująco. Harmony został wyprodukowany przez Zeitnera przy współudziale Boys Noize oraz Dylana Brady’ego z 100 gecs, a gościnnie na płycie pojawiają się Anya Taylor-Joy oraz Underworld. Wraz z premierą albumu duet dzieli się teledyskiem do utworu „Testo Skin 1”, który domyka trylogię klipów promujących krążek (obok wcześniej udostępnionych „Gore Louvre” i „I Bring My Gun To The Function” z Boys Noize). Wszystkie klipy powstały we współpracy z Mau Morgo (znanym ze współpracy z marką Balenciaga, Rosalią, FKA twigs czy Madonną).
Harmony to triumf gatunkowego eklektyzmu, który łączy w sobie elementy dubstepu, trapu, punka, nu-metalu i techno, tworząc energetyczną mieszankę bangerów i prezentując najbardziej rozwinięte oraz ekscytujące oblicze zespołu w dotychczasowej karierze. Z udziałem hollywoodzkich gwiazd, pionierów hyperpopu i brytyjskich legend muzyki house – na papierze ten album wydaje się wręcz kipieć totalną dysharmonią. Właśnie dlatego Brutalismus 3000 początkowo uznali, że Harmony (Harmonia) będzie świetnym, ironicznym tytułem dla tak chaotycznego dzieła. Jednak pod koniec procesu twórczego, gdy wszystkie elementy dopasowały się do siebie gładziej niż mogliby to sobie wyobrazić, Zeitner przyznał, że wraz z Daldas „odnaleźli harmonię w tytule tej płyty”. Nieprzywiązany do żadnego konkretnego miejsca – zarówno brzmieniowo, tekstowo, jak i geograficznie – Harmony to album, o którego stworzeniu Brutalismus 3000 zawsze marzyli.
Ich występy są ekspresyjne i nieszablonowe, charakteryzują się szybką, surową stopą, unikalnymi syntezatorami i klasycznymi brzmieniami Rolanda 909. Duet koncertuje na całym świecie, pozostawiając niezatarte wrażenie dzięki swoim wyjątkowym produkcjom i unikalnym live-setom. Głośno zrobiło się o ich występach w prestiżowym berlińskim Berghain, na kalifornijskiej Coachelli w 2024 roku czy kultowych setach dla Boiler Room, które do dziś zebrały ponad 15 milionów wyświetleń. Na początku tego roku Brutalismus 3000 wystąpili na Valorant Championship w Chinach, tworząc przy tym relację z wydarzenia w formie pamiętnika dla magazynu HYPEBEAST. Zespół zorganizował również przedpremierowe odsłuchy Harmony w Nowym Jorku, Barcelonie (gdzie zagrali niespodziewany set na Primavera Sound), Mediolanie, Brukseli oraz Paryżu (skąd prowadzili transmisję na żywo podczas Fête de la Musique), a dziś wieczorem grają imprezę premierową w Berlinie.
Brutalismus 3000 właśnie zakończyli trasę po Ameryce Północnej, gdzie wspierali FKA twigs, zaliczyli występy na Lollapalooza w Brazylii i Argentynie, Ultra Music Festival w Miami, a na horyzoncie mają już wybrane koncerty w Azji oraz letnie festiwale w Europie i Ameryce Północnej. Bilety są dostępne TUTAJ, a pełna rozpiska koncertów znajduje się poniżej.
Harmony to następca wydanego w zeszłym roku albumu GOODBYE SALÓ THE REMIXES, na którym znalazły się zrekonstruowane wersje utworów z EP-ki GOODBYE SALÓ (2024) autorstwa takich artystów jak The Dare, Amnesia Scanner, Underworld, Victoria, DJ Gigola oraz Bazzazian. W 2023 roku Brutalismus 3000 wydali swój debiutancki album ULTRAKUNST, który wystrzelił zespół na zupełnie nowy poziom i od momentu premiery zdobył miliony odtworzeń w serwisach streamingowych.
Brutalismus 3000 łączy elementy wczesnego gabberu i hardstyle'u z punkiem oraz muzyką wave, tworząc świeże, współczesne brzmienie. Theo Zeitner buduje muzyczny fundament, podczas gdy Victoria Vassiliki Daldas dopełnia całość swoim wyrazistym głosem, pisząc teksty po słowacku, angielsku i niemiecku. Ta wielojęzyczność dodaje występom duetu różnorodności i otwartości, podkreślając odmienną rytmikę każdego z tych języków.
Brutalismus 3000 - Harmony
1. No Friends In The Company
2. Garland
3. A Milli
4. Mother Bug
5. I Bring My Gun To The Function (with Boys Noize)
6. Kairo
7. Morning Is For The Happy (with Anya Taylor-Joy)
8. You Were Never Really Here But I Miss Ya
9. Friends At The Pigshed (with Underworld)
10. Gore Louvre (Cabman)
11. Leonard Cohen
12. Testo Skin Part 1
13. Testo Skin Part 2
Brutalismus 3000:
Tym razem spokojna, ale melodyjna nawijka spotyka się z transującym bitem Miszy (alter ego producenckie Miłego), który zamiast jednego wyraźnego dropu, prowadzi nas w progresywną podróż po psychodelicznych padach, synth'ach i enigmatycznej rozkminie lirycznej, której kilka wymiarów można eksplorować jeszcze długo po pierwszym odsłuchu.
Tegoroczny Open'er Festival powered by Orange stał się symbolem otwartości i różnorodności. To tutaj wychodzimy ze swojej bańki, aby otworzyć się na inne gatunki muzyczne, a co za tym idzie - innych ludzi. Nic dziwnego, że każdy z festiwalowych dni przyciągnął dziesiątki tysięcy uczestników. Liczba osób na Open'erze 2026 w ciągu czterech dni (1–4.07) to 230 tysięcy, a ich energia i poczucie open'erowej wspólnoty udzieliły się również wielu artystom.
„Tęskniliśmy za Wami. Jesteśmy ogromnie wdzięczni za to, że po tak długim czasie nadal jesteście z nami" - przyznał Oliver Sim z The xx podczas środowego występu na Orange Main Stage. Koncert kultowego brytyjskiego trio - jeden z pierwszych od ośmiu lat - stał się również okazją do przypomnienia, jak długą przeszli drogę. „Dzisiejszy wieczór jest dla nas ważny również dlatego, że jedną z naszych pierwszych tras zagraliśmy jako support Florence + The Machine. Dlatego czujemy niezwykłą nostalgię, ponownie dzieląc z nimi scenę". Wyjątkowość tej relacji podkreśliła również Florence Welch, krótko potem dziękując The xx ze sceny.
Dokładnie 10 lat po ostatnim występie na Open'erze powrót Florence + The Machine na festiwal pokazał, że twórczość brytyjskiej artystki nie straciła nic ze swojej ikoniczności. Potęga jej głosu oraz umiejętność dawkowania emocji sprawiły, że ten koncert był jednym z najjaśniejszych punktów tej edycji.
W kolejnych dniach festiwalu mogliśmy uczestniczyć zarówno w koncertach absolutnych legend rocka i alternatywy, jak i ikon muzyki tanecznej i elektronicznej. Nick Cave & The Bad Seeds wprowadzili na scenę atmosferę mistycyzmu, a The Cure zagrali obłędny, ponad dwugodzinny koncert. Oba zespoły przypomniały jak wielki wpływ miały na światową muzykę przez ostatnie kilka dekad swojej działalności. Z drugiej strony wpadliśmy w absolutną euforię podczas epickich setów Calvina Harrisa, Peggy Gou oraz Martina Garrixa, który w dniu swojego występu na Orange Main Stage postanowił także sprawić niespodziankę fanom Madonny, grając niezapowiedziany mini-set w festiwalowym Domu Qultury, podczas oficjalnego release party nowego albumu królowej popu.
Dla wielu wielbicieli popu tegoroczna edycja Open'era mogła jawić się jako spełnienie marzeń. Już w środę, podczas koncertu Zary Larsson, jeden z największych przebojów tego lata, „Midnight Sun", wybrzmiał przy open'erowym zachodzie słońca. Bezcenne! Natomiast sobota stała się jednym z najważniejszych popowych festiwalowych dni w Europie dzięki koncertom takich współczesnych ikon jak PinkPantheress, Teddy Swims, Jade, Addison Rae oraz JENNIE - na jednym z jej zaledwie trzech tegorocznych koncertów w Europie. Fantastyczny występ koreańskiej artystki tylko potwierdził jej globalny fenomen.
Do najbardziej wyjątkowych koncertów Open'era 2026 należał z pewnością David Byrne, którego występ na Tent Stage, tak jak w przypadku jego ostatniej wizyty w Gdyni, można określić jednym słowem - legendary! Jeden z najbardziej kreatywnych artystów na świecie przypomniał, że wiek to tylko liczba, prezentując przekrój przez największe utwory zarówno swojej kariery solowej, jak i z czasów słynnej formacji Talking Heads, ubierając je w formę niemal teatralną. Natomiast Halsey udowodniła, że niezmiennie należy do najbardziej nieoczywistych artystek na świecie. Amerykanka zagrała niezwykle intensywny koncert, nadając nawet najbardziej popowym utworom ze swej dyskografii mocno rockowy charakter.
Przez cztery dni do Gdyni zawitała również top reprezentacja polskich artystów. Na Open'erze Oki zagrał koncertową premierę nowego albumu „REKLAMACJA 47", Sobel i Kasia Lins dowieźli na Orange Main Stage, a na festiwalowych scenach bawiliśmy się też na koncertach m.in. Vito Bambino, Ralpha Kaminskiego, Darii ze Śląska, Zalii, Sokoła, Kasi Sienkiewicz oraz Kaza Bałagane. Kolejną dużą niespodzianką tej edycji stał się natomiast secret gig Hubert.a, tuż po premierze jego nowej płyty, przy pięknym sobotnim zachodzie słońca.
Momentem, który przejdzie do historii festiwalu, był niewątpliwie projekt specjalny Chopin na Open'erze, na który zaprosiliśmy uczestników wspólnie z PKO Bankiem Polskim, jako mecenasem koncertu. Drugiego dnia festiwalu na Orange Main Stage Yehuda Prokopowicz z towarzyszeniem Sinfonii Varsovii pod kierownictwem Marty Kluczyńskiej wykonali I koncert fortepianowy e-moll op. 11. Arcydzieło Fryderyka Chopina wybrzmiało w całej festiwalowej przestrzeni, zatrzymując nas w chwili.
Tegoroczna edycja Open'era ponownie stała się również okazją, aby, będąc w domu, przez chwilę poczuć się jak na festiwalu. Na antenach TVP widzowie mogli obejrzeć transmisje koncertów Zary Larsson, The xx, The Cure, Addison Rae, Teddy'ego Swimsa oraz projektu specjalnego Chopin na Open'erze.
Oprócz wielu niezapomnianych koncertów i line-upu wyrównanego zarówno pod zwzględem wielogatunkowości, jak i gender-balance, na Open'erze 2026 nie zabrakło także świetnych stref partnerskich, Fashion Stage, Strefy NGO, Silent Disco, Cybermiasteczka Wojskowego, specjalnej strefy dedykowanej organizacji charytatywnej Music Saves Ukraine, kolejnej odsłony sztuk performatywnych w Domu Qultury czy powracającego Alter Kina. Uczestnicy mogli również zobaczyć „Sny o Gdyni: Harmonoise" - immersyjną, monumentalną instalację autorstwa Sainera, trójmiejskiego artysty wizualnego, która w specjalnie zaadaptowanej przestrzeni festiwalowej funkcjonowała w dialogu z autorską ścieżką dźwiękową Daniela Szlajndy.
Dziękujemy za zaangażowanie i współpracę sponsorowi głównemu - Orange, wieloletniemu sponsorowi - Heineken, partnerowi głównemu - PKO Bank Polski oraz pozostałym partnerom i patronom medialnym, którzy wzbogacili teren Open'era swoimi strefami i aktywnościami. Podziękowania dla miasta Gdynia, gminy Kosakowo, ich mieszkańców, władz, służb porządkowych, a także wszystkich okolicznych gmin za współpracę przy tegorocznym Open'erze. W szczególności dziękujemy 9 tysiącom osób pracujących przy realizacji festiwalu.
Do zobaczenia na 24. edycji Open'era, 30.06–3.07.2027!
Za produkcję singla odpowiada Brian Howes, który wcześniej współpracował z zespołem przy albumie „Black Dog Barking" (2013). Nagrania zrealizował Mike Fraser, pracujący wcześniej nad płytami „No Guts. No Glory" (2010) oraz „Breakin' Outta Hell" (2016). Miks przygotował Zakk Cervini (Bring Me The Horizon, Architects, Evanescence), a mastering wykonał legendarny Ted Jensen.
Wydany wiosną 2025 r. singiel „Gutsy" był pierwszym zwiastunem zapowiadającym nowy krążek i początek kolejnego rozdziału w historii zespołu. Następnie ukazał się utwór „Christmas Bonus", a później „Alive After Death (Last Plane Out)". Teraz dołącza do nich „Kid In A Candy Store", utrzymany w tym samym klasycznym hardrockowym duchu, nawiązujący do takich piosenek jak „Whole Lotta Rosie" AC/DC.
Gdy Airbourne, bracia Joel i Ryan O'Keeffe (wokal/gitara i perkusja), basista Justin Street oraz gitarzysta Brett Tyrrell, weszli do Music Farm Studio w południowo-wschodniej Australii, by nagrać nowy album, postawili sobie jeden cel. Chcieli stworzyć nie tylko najlepszą płytę w historii Airbourne („prawdziwy blockbuster", jak sami mówią), ale także wspiąć się na sam szczyt hard rocka, oczywiście bez koszul, zgodnie z tradycją zespołu. Ich misją było odkrywanie nowych muzycznych terytoriów, pielęgnowanie dziedzictwa rockowych bohaterów oraz umocnienie wyjątkowej więzi łączącej ich z fanami na całym świecie.
Krótko mówiąc: GET GUTSY!
„Powiedzieliśmy sobie - to jest ten moment. Stwórzmy coś legendarnego. Jeśli już to robimy, nie możemy iść na żadne kompromisy. Bo jeśli pójdziesz na skróty, nie osiągniesz celu. Ta płyta skupia w jednym miejscu wszystko, co reprezentujemy. Wszystko, co kochamy. To najlepszy album, jaki mogliśmy nagrać" - mówi Ryan O'Keeffe.
„To rakieta, którą budowaliśmy przez długi czas. Napełniliśmy ją paliwem i jesteśmy gotowi ją odpalić. Ta płyta to wszystko, czym jesteśmy jako zespół, całe nasze serce i dusza" - dodaje Joel O'Keeffe.
Nagrany na australijskiej ziemi, wśród tropikalnych burz, niebezpiecznej dzikiej przyrody i kapryśnego, zabytkowego sprzętu studyjnego, „Airbourne" jest albumem, który mogła stworzyć tylko jedna grupa. Dla pochodzących z Warrnambool braci Joela i Ryana O'Keeffe chodziło o wyznaczenie bardzo wysoko poprzeczki i podniesienie jej jeszcze o jeden poziom wyżej. Przy dwóch utworach wsparli ich także Bryan Adams oraz legendarny producent Robert John „Mutt" Lange.
8 sierpnia zespół wystąpi na Rockowizna Festival w Gdańsku!
Lista utworów "Airbourne"
1. Gutsy
2. Alive After Death (Last Plane Out)
3. Here She Comes
4. Kid In A Candy Store
5. Sky High
6. Who Put The Rhythm In You?
7. Christmas Bonus
8. Last Man Standing
9. Rock 'N' Roll Ya
10. Bogotá
11. Hells Got No Vacancy
12. Send Me To Rock 'N' Roll Heaven
W pierwszy weekend czerwca, po raz piąty w Gdańsku, po raz ostatni w Stoczni, spędziliśmy razem niezapomniane chwile przy ukochanej muzyce. Były tańce i relaks, były porywające dyskusje i brutalne pojedynki w ringu, były gry, komiksy, filmy, spotkania i wszystko to, co sprawia, że Mystic Festival jest dla nas i dla was tym wyjątkowym weekendem, jedynym takim w całym roku.
Zapraszamy do obejrzenia filmowego podsumowania, które w kilku minutach oddaje niepowtarzalną atmosferę Mystic Festival 2026. Koniecznie zwróćcie uwagę na napisy końcowe – tradycyjnie już przedstawiamy całą ekipę, która robi dla was ten festiwal.
Po pożegnaniu Stoczni zabraliśmy się do pracy nad przyszłością w nowej lokalizacji. Mystic Festival 2027 odbędzie się w Gdańsku, Letnicy od 10 do 12 czerwca.
Karnety Blind Bird i VIP już trafiły do sprzedaży. Pierwsze odpowiedzi na wasze pytania – zarówno dotyczące adaptacji nowego miejsca na potrzeby festiwalu, jak i związane z jego programem – pojawią się po wakacjach.
Mystic Festival 2026 | Aftermovie
Nie pozwolimy wam jednak spędzić lata w ciszy! Już za chwilę na ucztę pełną zgnilizny zaproszą was Macabre, Schirenc Plays Pungent Stench i Las Trumien. Amerykańska legenda muzyki gore, twórcy i mistrzowie murder metalu, do tego pożegnalne koncerty tej formuły Pungent Stench i nasi rodacy, równie ochoczo grzebiący w tym, co obrzydliwe. 5 lipca ten niepowtarzalny skład wystąpi w krakowskim Hype Parku, dzień później w Hydrozagadce, w Warszawie.
U progu jesieni fantastyczny spektakl czeka nas w Gliwicach. Zadbają o to Spiritbox, Jinjer i Dying Wish. Trzy różne wizje współczesnego metalu, trzy porywające koncerty – to już 23 września w PreZero Arenie.
25 października w katowickim Spodku trzy potęgi europejskiego black metalu połączą siły we wspólnym dziele zniszczenia. Nasz rodzimy Behemoth, norwescy giganci z Dimmu Borgir i liderzy szwedzkiej szkoły czarnej sztuki, czyli Dark Funeral – takiego składu jeszcze nie było.
Nie tylko ekstremą człowiek żyje – przypominamy, że Deep Purple, brytyjska legenda hard rocka, zagra 8 października w łódzkiej Atlas Arenie. Na pewno coś ze „SPLAT!", najnowszej płyty, ale nie zabraknie też zestawu żelaznych klasyków.
KUP BILET NA MYSTIC FESTIVAL 2027
Organizatorem koncertów i festiwalu jest Mystic Coalition, sojusz firm o bogatym doświadczeniu na rynku koncertowym, festiwalowym i wydawniczym, w skład którego wchodzą Knock Out Productions, Mystic Production i B90.
Na 22-utworowym wydawnictwie artysta przesuwa granice swojego brzmienia, zapraszając do współpracy m.in. Playboia Cartiego, Young Thuga, Lil Uzi Verta, Destroy Lonely i 2hollisa. Premierze towarzyszy teledysk do singla „wedidit” z udziałem Playboi Cartiego.
Na platformy streamingowe trafił dziś długo wyczekiwany piąty album studyjny Kena Carsona – „xperiment”, wydany nakładem Opium/Interscope Records. Artysta rozwija swoje pełne energii brzmienie, wzbogacając je o bardziej melodyjne i emocjonalne elementy, wyznaczając tym samym nowy kierunek swojej twórczości. Premierze albumu towarzyszy także teledysk do utworu „wedidit” z gościnnym udziałem Playboi Cartiego, nakręcony w rodzinnej Atlancie Kena Carsona.
Za produkcję „xperiment” odpowiadają stali współpracownicy artysty, w tym AM, F1LTHY, starboy, Outtatown i DJ Moon. Wśród producentów znalazł się również 2hollis, autor utworu „shadeson”, który Ken Carson wykonał jako finał swojego występu na Rolling Loud California 2026. Raper pozostaje mocno zaangażowany w proces produkcyjny. Na albumie usłyszymy także gości: Destroy Lonely w „shopping”, Playboia Cartiego w „deaf note” oraz „wedidit”, Lil Uzi Verta w „ghost” i Young Thuga w „drug kit”.
Zapowiedzi albumu towarzyszyły liczne spekulacje oraz rozbudowana oprawa wizualna. Okładka przedstawia pendrive umieszczony z tyłu szyi artysty – motyw będący centralnym elementem koncepcji „xperiment”. Projekt rozwija także filmowe uniwersum poprzez serię krótkich produkcji w reżyserii Joy Divizn, utrzymanych w estetyce science fiction, thrillera i surrealizmu.
Nowe wydawnictwo kontynuuje imponującą serię sukcesów artysty z Atlanty. Album „More Chaos” z 2025 roku zadebiutował na pierwszym miejscu listy Billboard 200, przynosząc Kenowi Carsonowi pierwszy numer jeden w karierze. Wcześniejszy „A Great Chaos” został uznany za jeden z najlepszych albumów 2023 roku przez takie media jak „Rolling Stone”, Pitchfork i Complex. W 2026 roku artysta został również ogłoszony jednym z headlinerów jubileuszowej edycji ComplexCon w Los Angeles, gdzie wystąpi 3 października. W czerwcu zachwycił publiczność podczas Rolling Loud California 2026.
Już w najbliższych tygodniach Ken Carson zaprezentuje materiał z „xperiment” podczas europejskiej trasy festiwalowej. Artysta wystąpi na Roskilde Festival w Danii, Splash! Festival w Niemczech, Openair Frauenfeld w Szwajcarii, Clout Festival w Polsce oraz Frequency Festival w Austrii. Poza muzyką Carson konsekwentnie rozwija się modowo, mając na koncie współprace m.in. z Affliction, SKIMS x Cactus Plant Flea Market i marką Deadly Doll Jesse Jo Stark, a także wyprzedane trasy koncertowe „WTF” oraz „Antagonist 2.0 Tour” Playboi Cartiego.
Sienna Spiro to kolejna wokalna superbohaterka świata popu… Jedna z najwspanialszych wokalistek swojego pokolenia, która najpewniej będzie zachwycać nas przez kolejne dekady – „Variety”
Wyróżnia ją głos – głęboki, soczysty, z charakterystycznym pęknięciem, które potrafi wykorzystać dla maksymalnego emocjonalnego efektu. To być może najbardziej imponujący wokalny talent, jaki pojawił się w Anglii od czasu debiutu Adele niemal dwie dekady temu – „Los Angeles Times”
Twórczość Spiro jest ponadczasowa. Artystka emanuje pewnością siebie osoby, która od dawna dokładnie wie, co chce powiedzieć – V Magazine
Na naszych oczach rodzi się gwiazda… kolejna brytyjska songwriterka, którą trzeba obserwować – NYLON
Nadszedł moment, na który fani Sienny Spiro czekali od wielu miesięcy. Debiutancki album artystki zatytułowany „Visitor” właśnie ujrzał światło dzienne. Sienna prezentuje na nim ponadczasowe kompozycje, bazujące na jej imponującym wokalu. Każdy z trzech wydanych przed premierą krążka singli trafił na listę Billboard Hot 100. Wraz z premierą albumu artystka prezentuje kolejny singiel „Great Expectation”. Piosenkę ilustruje teledysk, który Spiro wyreżyserowała wspólnie z Miriam Maslin. Wideo pojawi się w sieci 3 lipca o 16:00.
„Great Expectation” to nastrojowa kompozycja z pogranicza soulu i popu z majestatycznym refrenem oraz orkiestrowymi aranżacjami. Utwór bezpośrednio nawiązuje do jednego z głównych motywów albumu „Visitor” – odnajdywania siły w obliczu porzucenia. Rozpoczynający piosenkę melancholijny motyw fortepianowy stopniowo przechodzi w pełne brzmienie zespołu, prowadząc do poruszającego refrenu: „Jeśli szczęście jest tylko złudzeniem, to było najlepszym, co mnie spotkało / Jeśli nie potrafisz być tym, czego pragnę, a twoje słowa nie są prawdą, to jedyne, czego potrzebuję, to wielkie oczekiwanie na ciebie”.
– „Great Expectation” opowiada o czasie, w którym przez pewien okres mieszkałam w Nowym Jorku i rozmawiałam z kimś, kto ciągle powtarzał, że mnie odwiedzi. Każdego ranka schodziłam po schodach mojego budynku i przez krótką chwilę naprawdę wierzyłam, że będzie czekał na mnie przed wejściem. Potem przez kilka kolejnych minut szłam ulicą i wyobrażałam sobie, co bym powiedziała, co bym poczuła i co by się wydarzyło, gdyby rzeczywiście tam był. Nigdy się nie pojawił. Ta piosenka przestała być z czasem opowieścią o tej osobie, a stała się opowieścią o samych oczekiwaniach. O tym, czy są czymś pięknym, czy tylko sposobem na przygotowanie się do rozczarowania. Napisałam ten utwór, wiedząc w głębi duszy, że nigdy nie stanie się tym, czego pragnęłam, i że życie wyobrażeniem o nim było bezpieczniejsze niż całkowita pustka – mówi o nowym singlu Sienna.
Wydany nakładem Capitol Records „Visitor” ukazał się zarówno w standardowej, jak i rozszerzonej edycji deluxe. Ta druga zawiera 15 utworów, w tym uwielbianą przez fanów piosenkę „Maybe.” z EP-ki „Sink Now, Swim Later”, utwór „Material Lover” nagrany na ścieżkę dźwiękową filmu „The Devil Wears Prada 2” i akustyczną wersję wielkiego przeboju „Die On This Hill”. Do sprzedaży trafiła także limitowana liczba podpisanych przez artystkę egzemplarzy albumu na CD, winylu oraz specjalnej edycji winylowej z alternatywną okładką.
„Visitor” to eleganckie i ambitne połączenie soulu oraz symfonicznego popu, eksplorujące kruchość życia i miłości. Szczery i poruszająco piękny album powstał pod producenckim nadzorem Omera Fediego (Sam Smith, SZA), przy dodatkowym wsparciu takich twórców jak Blake Slatkin, Yakob czy Michael Pollack, a także kompozytorów orkiestrowych – Larry’ego Golda (Al Green, Silk Sonic) i laureata Oscara Petera Rottera. Sienna realizowała swoją wizję w legendarnych studiach, takich jak Electric Lady Studios w Nowym Jorku, Abbey Road Studios w Londynie czy Valentine Recording Studios w Los Angeles.
W kontrze do przewijających się na albumie motywów przemijania i emocjonalnego wyobcowania „Visitor” tworzy bogaty, dopracowany świat dźwiękowy, który jednocześnie pozostaje naturalny i bliski słuchaczowi. Monumentalne aranżacje są stale równoważone ciepłą, surową intymnością idealnie współgrającą z poruszającym songwritingiem Sienny i siłą jej wokalu.
– Zawsze bardzo mocno odczuwałam przemijanie. Bardzo boję się końców i odchodzenia ludzi. To uczucie jest tak silne, że często nie angażuję się w nowe relacje ani w rzeczy, o których wiem, że nie będą trwałe. W pewnym sensie przez większość życia czułam się więc jak gość – ktoś, kto tylko przechodzi obok. Praca nad tym albumem naprawdę nauczyła mnie czerpania radości z chwili, zamiast ciągłego martwienia się o przyszłość. Mam nadzieję, że kiedy ludzie usłyszą tę płytę, znajdą ukojenie w świadomości, że wszystko jest tymczasowe. Nie zawsze musimy od razu uczyć się odpuszczać – możemy pozwolić rzeczom być ważnymi, nawet jeśli nie będą trwały wiecznie – mówi o myśli przewodniej towarzyszącej albumowi Sienna.
Wszystko wskazuje na to, że Spiro zostanie z nami na długo. Jej muzyka zgromadziła już ponad 1,2 miliarda streamów na całym świecie, a pod koniec marca aż trzy jej single jednocześnie były notowane na liście Hot 100 Billboardu. Ten sukces przyszedł niecały tydzień po zakończeniu pierwszej północnoamerykańskiej trasy headlinerskiej „The Visitor Tour”, która wyprzedała się w kilka sekund. Management artystki dołożył w części miast nowe daty, które również wyprzedały się na pniu. „Głos Spiro wyróżnia się – głęboki, soczysty, z charakterystycznym pęknięciem, które wykorzystuje dla maksymalnego emocjonalnego efektu. To być może najbardziej imponujący wokalny talent z Anglii od czasu debiutu Adele” – komplementował artystkę po jednym z koncertów w USA „Los Angeles Times”.
W ostatnich miesiącach 20-letnia artystka znalazła się również na krótkiej liście nominowanych do prestiżowej nagrody Critics’ Choice BRIT Awards 2026, trafiła na listę „Forbes 30 Under 30” oraz zdobyła dwie nominacje do American Music Awards 2026. Oprócz pracy nad debiutanckim albumem Sienna napisała utwór „Material Lover” specjalnie na soundtrack filmu „Diabeł ubiera się u Prady 2”.
Biorąc pod uwagę coraz szerzej docenianą mieszankę potężnego wokalu, emocjonalnego storytellingu i niezwykłej scenicznej pewności, trudno uwierzyć, że Sienna ma zaledwie 20 lat. Artystka od początku działa w duchu DIY. Pierwsze piosenki zaczęła komponować jako dziesięciolatka. Do jej największych inspiracji należą Frank Ocean, Etta James, Frank Sinatra i Amy Winehouse. Początkowo w swojej twórczości uwzględniała więcej elementów jazzowych, by potem przejść do bardziej współczesnej estetyki. Od wydania debiutanckiej EP-ki „Sink Now, Swim Later” Sienna występowała na scenach całego świata, dzieląc się z fanami szczerymi emocjami i doświadczeniami, które ukształtowały jej twórczość. Wspomniane wydawnictwo zawiera przebój „MAYBE.”, który przyniósł Siennie międzynarodową rozpoznawalność, trafiając na szczyt czterech wiralowych list Spotify na świecie.
13 lipca Sienna ponownie pojawi się w programie „The Tonight Show Starring Jimmy Fallon”. Jej styczniowy występ z utworem „Die On This Hill” okazał się przełomowym momentem w rozwoju kariery artystki w Stanach Zjednoczonych. Publiczność nagrodziła ją owacją na stojąco, a sam Jimmy Fallon nie krył zachwytu. Niebawem Sienna wyruszy w światową trasę „My House”. Wszystkie koncerty w Ameryce Północnej oraz Europie i Wielkiej Brytanii, a także większość występów w Australii wyprzedały się błyskawicznie już w przedsprzedaży. W odpowiedzi na ogromne zainteresowanie artystka w części miast ogłosiła kolejne koncerty, które również wyprzedano.
„Visitor” – lista utworów:
1. This Is My House
2. We’re Not in Love
3. Great Expectation
4. Die on This Hill
5. He’s Not My Baby, I’m His
6. Pure
7. The Visitor
8. Time, You & Me
9. You Stole the Show
10. Mono No Aware
Dodatkowe utwory w wersji deluxe:
11. Maybe
12. Material Lover
13. Autumn Leaves
Niespodziewana premiera nowego singla Cro-Mags to święto w świecie hardcore'a, ale przede wszystkim dowód na to, że Harley Flanagan nie mięknie na stare lata. Nowa piosenka legendarnego składu to hc/punkowy cios – jest rozbujana, żwawa i bezpośrednia.
Play
– Numer opowiada o tym, że od narodzin jesteśmy zaprogramowani i nastawieni na chaos – tłumaczy Flanagan na łamach „Rolling Stone". To temat trudny i aktualny, czyli idealny pod punkowe harce. Słuchajcie, moshujcie i szykujcie się na występy Cro-Mags z Biohazard!
Bilety na koncerty są nadal dostępne na Knock Out Music Store i https://tickets.b90.pl/ (tylko Gdańsk!).
BIOHAZARD (USA) hardcore punk, groove metal:
Takie albumy jak „Urban Discipline" czy „State of the World Address" są absolutnymi klasykami po dziś dzień. Miks totalnie bezprecedensowego hardcore'a, rapu i groove'u, który opatentowali Biohazard, nie ma sobie równych. Rządzili i wciąż rządzą – to się po prostu nie zmienia.
CRO-MAGS (USA) hardcore punk, crossover thrash:
Zdefiniowali ciężar nowojorskiego hardcore'a, a przy tym nigdy nie zapomnieli, że ta muzyka musi gnać przed siebie. Cro-Mags nie spuszczają gardy i nie miękną. Zawsze powalą was ciężarem i przeciągną po posadzce, zapędzając się w thrash. Tak należy.
SCHIZMA (Polska) hardcore punk:
Niekwestionowane legendy polskiej sceny hardcore'owej i punkowej w ogóle. Schizma od grubo ponad trzydziestu lat dowozi najcięższe riffy, a obok nich zawsze aktualny przekaz. Na żywo również nie tracą formy i dowodzą, że nie ma drugich takich jak oni.
DEATH ANGEL (USA) thrash metal:
Kiedy nagrywali pierwszy album, „The Ultra-Violence", byli w dużej części niepełnoletni. Rozwijali się, dodawali do thrash metalu i rocka, i funk, a jakiś czas temu opatentowali jego dojrzałą wersję – pełną żaru, emocji, a także melodii.
SWORN ENEMY (USA) metalcore, beatdown hardcore:
Ciężar, ciężar, jeszcze raz ciężar. Sworn Enemy zrzucą na was riffy ważące tyle co taczka cegieł i jesteśmy pewni, że z wielką chęcią je do siebie przyjmiecie. Te ożywcze ciosy są niepodrabialne.
STRIKING 13 (USA) metalcore:
Striking 13 to gratka dla fanów klasycznie pojmowanego metalcore'a. Amerykanie miksują pełną gniewu energię hardcore'a oraz metalowy ciężar. Robią to bezbłędnie.
Kiedy: 20 lipca (poniedziałek) 2026
Gdzie: Gdańsk @ B90, ul. Elektryków 4
Bilety: 159/169 zł – przedsprzedaż, 190 zł – w dniu koncertu
Organizator: B90
Kiedy: 21 lipca (wtorek) 2026
Gdzie: Warszawa @ Progresja, Fort Wola 22
Bilety: 159/169 zł – przedsprzedaż, 190 zł – w dniu koncertu
Organizator: Knock Out Productions
Kiedy: 22 lipca (środa) 2026
Gdzie: Wrocław @ Zaklęte Rewiry, ul. Krakowska 100
Bilety: 159/169 zł – przedsprzedaż, 190 zł – w dniu koncertu
Organizator: Knock Out Productions
The Doors Alive od ponad dwóch dekad przypominają o geniuszu wizjonerów z The Doors. Zadanie mają niełatwe, ale wywiązują się z niego po profesorsku. Recenzenci zgodnie twierdzą, że to topowy cover band, a kilkaset zagranych koncertów udowadnia, że żadni z nich podwórkowi gracze. Przypomnijcie sobie te wszystkie psychodeliczno-rockowe hymny na polskich koncertach. Wyjdziecie z nich zadowoleni!
Bilety są dostępne na Knock Out Music Store (druki kolekcjonerskie na koncerty w Krakowie, Warszawie i w Gdańsku) oraz https://cavatinahall.pl/ (tylko Bielsko-Biała)
Kiedy: 1 kwietnia (czwartek) 2027
Gdzie: Gdańsk @ Drizzly Grizzly, ul. Elektryków 4
Bilety: 129/139 zł – przedsprzedaż, 160 zł – w dniu koncertu
Organizator: Knock Out Productions i Soulstone Gathering
Kiedy: 2 kwietnia (piątek) 2027
Gdzie: Warszawa @ Progresja, Fort Wola 22
Bilety: 129/139 zł – przedsprzedaż, 160 zł – w dniu koncertu
Organizator: Knock Out Productions i Soulstone Gathering
Kiedy: 3 kwietnia (sobota) 2027
Gdzie: Kraków @ Hype Park, ul. Kamienna 12
Bilety: 129/139 zł – przedsprzedaż, 160 zł – w dniu koncertu
Organizator: Knock Out Productions i Soulstone Gathering
Kiedy: 4 kwietnia (niedziela) 2027
Gdzie: Bielsko-Biała @ Cavatina Hall, ul. Dworkowa 2
Bilety: 129/139 zł – przedsprzedaż, 160 zł – w dniu koncertu
Organizator: Cavatina Hall
Napędzany euforyczną melodią, dynamiczną, stworzoną z myślą o festiwalach produkcją oraz z miejsca wpadającym w ucho refrenem utwór od początku do końca emanuje dobrą energią. Inspiracją dla utworu była idea bycia dla kogoś jego osobistą „Youtopią”. Piosenka opowiada o poczuciu szczęścia i spokoju, które pojawiają się, gdy odnajdujemy swoje miejsce u boku drugiej osoby.
„Youtopia” ma dla Natalie Horler szczególne, osobiste znaczenie. Pełna życia, taneczna i niosąca pozytywne emocje kompozycja została stworzona z myślą o festiwalowych scenach i niezapomnianych koncertowych chwilach. Cascada nie może się doczekać, by zaprezentować ten utwór publiczności na całym świecie.
Od czasów „Everytime We Touch” i „Evacuate The Dancefloor” Cascada jest jedną z czołowych postaci światowej sceny tanecznej. Z ponad 30 milionami sprzedanych płyt, dziesiątkami złotych i platynowych nagród oraz niezapomnianymi występami festiwalowymi, niemiecka wokalistka i autorka piosenek zdobyła status legendy. Jej charakterystyczny głos i wrodzony talent do chwytliwych melodii sprawiają, że każda premiera staje się muzycznym wydarzeniem.