Przez dwa dni na scenach festiwalu pojawili się artyści reprezentujący różne gatunki muzyczne, dzięki czemu każdy mógł znaleźć coś dla siebie.
24 lipca – pierwszy dzień festiwalu
Festiwal otworzyli artyści sceny Next Stage. Jako pierwsi wystąpili Babyhats, następnie Bonaventura, później duet Król/Tyszkowski (Ewa Koc), a wieczór na tej scenie zamknął Bass Astral.
Na Main Stage publiczność rozgrzewał Kacperczyk, po którym wystąpiła Julia Wieniawa. Jednak jednym z najważniejszych momentów pierwszego dnia był koncert Moniki Brodki.
Brodka udowodniła, dlaczego od lat należy do grona najciekawszych polskich artystek. Jej koncert był dopracowany w każdym szczególe – od oprawy wizualnej, przez brzmienie, aż po niesamowitą energię na scenie. Szczególną radość sprawiły utwory z albumu „Granda”, które przeniosły publiczność do czasów jednej z najważniejszych płyt w historii polskiego alternatywnego popu. To był występ pełen emocji, sentymentu i artystycznej odwagi, który dla wielu okazał się najlepszym koncertem pierwszego dnia festiwalu. Po Brodce na scenie głównej pojawił się jeszcze Vito Bambino, zamykając czwartkowy program.
Po tak mocnym koncercie poprzeczka była zawieszona bardzo wysoko, ale Vito udowodnił, że doskonale odnajduje się w swojej roli. Charyzmatyczny, pełen luzu i świetnego kontaktu z publicznością, od pierwszych minut stworzył wyjątkową atmosferę. Jego koncert był idealnym zwieńczeniem pierwszego dnia festiwalu – pełnym emocji, dobrej energii i utworów, które publiczność śpiewała razem z nim.
25 lipca – drugi dzień festiwalu
Drugiego dnia na scenie Next Stage wystąpili kolejno Bartek Turski, Dominika Płonka, Ewa Farna oraz Xxanaxx.
Na scenie głównej wieczór rozpoczął Grzegorz Turnau z orkiestrą symfoniczną. Był to koncert wyjątkowy – pełen elegancji, wzruszeń i pięknych aranżacji. Najważniejsze utwory z całej jego kariery w nowych, symfonicznych odsłonach wybrzmiały niezwykle dostojnie. Przez tę godzinę można było poczuć się jak w bajce.
Mogliśmy usłyszeć kultową „Bracką”, poruszające „Naprawdę nie dzieje się nic” oraz nastrojowe „Między ciszą a ciszą”. W części z nich Turnau wystąpił w duecie z Natalią Grosiak. Ich głosy znakomicie się uzupełniały, tworząc pełne emocji i subtelności interpretacje, które zostały bardzo ciepło przyjęte przez słuchaczy. Publiczność z ogromnym skupieniem wsłuchiwała się we wszystkie kompozycje, nagradzając artystów brawami.
Następnie przyszedł czas na tegoroczny projekt specjalny Babie Lato, tworzony przez Natalię Grosiak, Belę i Kathię. Dziewczyny pokazały, że kobieca energia na scenie potrafi być absolutnie hipnotyzująca. Każda z nich wnosi do projektu własny charakter, wrażliwość i muzyczny styl, ale razem tworzą niezwykle spójną i oryginalną całość. Widownia nie spodziewała się takiej dawki energii. Nawet osoby, które nie znały przygotowanych utworów, już po kilku taktach tańczyły, śpiewały i bawiły się razem z wokalistkami. To był jeden z tych koncertów, które zdobywają publiczność od pierwszych minut.
Po projekcie Babie Lato na scenie wystąpiła Ewa Farna, która udowodniła, że czuje się na niej niezwykle swobodnie, ma świetny kontakt z publicznością i nadal spore grono fanów. Następnie mogliśmy usłyszeć Natalię Szroeder. Jej emocjonalne teksty i niezwykła charyzma zachwyciła publiczność. Natalia dziękowała, że może być po raz kolejny częścią tego przedsięwzięcia. Widać, że sama bawiła się z publiką naprawdę dobrze. Z Natalią Szroeder wystąpiła również jej młodsza siostra, Marcelina Szroeder.
Festiwal zakończyła Kasia Sochacka, na którą wielu bardzo czekało. Kasia pojawiła się na scenie mimo problemów zdrowotnych, pokazując ogromny profesjonalizm i szacunek do swoich fanów. Choć można było wiedzieć o jej niedyspozycji, podczas wykonywanych utworów nie było tego słychać. Brzmiała pięknie, a jej charakterystyczna wrażliwość i emocjonalność ponownie zachwyciły publiczność. Ale czy można było spodziewać się po Kaśce czegoś innego? Chyba nie. To artystka, która od lat udowadnia, że profesjonalizm i autentyczność są jej największymi atutami.
Erste Letnie Brzmienia 2026 po raz kolejny pokazały, że to jeden z ciekawszych plenerowych festiwali muzycznych w Polsce, Doskonale dobrany program, różnorodność artystów i koncerty, które na długo zostaną w pamięci uczestników, sprawiły, że krakowska edycja była prawdziwym świętem muzyki.
To był weekend wielkich koncertów, niespodzianek i emocji, których nie da się zamknąć w liczbach. Łódź Summer Festival przyciągnął na Błonia największe gwiazdy. MATA, Bedoes 2115, Timbaland, Pezet, Hubert., zespół Bastille czy bracia Kacperczyk w swoich mediach społecznościowych piszą o „największym koncercie ich życia”.
- Stworzyliśmy największy festiwal miejski w Polsce. Przede wszystkim był to jednak weekend młodych ludzi – ich radości, dobrej zabawy i wspomnień, które zostaną z nimi na lata. Artyści grali tu największe koncerty w swoim życiu, a publiczność dawała im energię, jakiej nie da się zamknąć w żadnych liczbach. Łódź pokazała, że potrafi stworzyć wielkie muzyczne święto na światowym poziomie – mówi Tomasz Piotrowski, wiceprezydent Łodzi i pomysłodawca Łódź Summer Festival.
Bedoes 2115 zagrał największy koncert w życiu
Jeszcze przed rozpoczęciem koncertu Bedoesa 2115 na Błoniach był komplet. Festiwal osiągnął limit uczestników przewidziany dla imprezy masowej, dlatego organizatorzy zamknęli bramy. Trudno o bardziej wymowny obraz skali zainteresowania tym występem. Bedoes 2115 zagrał największy koncert w swoim życiu, występując przed oceanem ludzi. Podczas występu doszło również do jednych z najbardziej symbolicznych momentów weekendu. Występ Bedoesa rozpoczął się od wspólnego, niezwykle wzruszającego występu z podopiecznymi fundacji Cancer Fighters. Dosłownie chwilę później, Adam O.S.T.R. Ostrowski wręczył Bedoesowi statuetkę Fryderyka, którą jak sam twierdził należy się Bedoesowi. Podczas Łódź Summer Festival doszło do jednego z najbardziej symbolicznych momentów w polskim rapie.
Rekordowy koncert MATY
Jednym z najbardziej wyczekiwanych punktów festiwalu był koncert Maty. Raper rozpoczął go w samym środku tłumu, przechodząc przez publiczność w kierunku sceny. Mata wykonał swoje największe hity, a publiczność od początku do końca rapowała razem z nim. Był to jeden z najbardziej żywiołowych koncertów całego weekendu, a także jeden z najbardziej oczekiwanych występów.
Timbaland i Sean Paul pokazali światową klasę
Timbaland dał show godne jednej z najważniejszych postaci światowej muzyki. Legendarny producent sięgnął po swoje największe hity i przypomniał, jak wiele przebojów ostatnich dekad nosi jego charakterystyczny muzyczny podpis. Każdy kolejny utwór wywoływał natychmiastową reakcję publiczności. Sean Paul potwierdził natomiast status gwiazdy absolutnej. Od pierwszych minut narzucił tempo, które nie spadło aż do finału, a jego niezwykle energetyczny koncert zamienił Łódzkie Błonia w ogromny parkiet. Publiczność tańczyła tak, jakby jutra miało nie być. Wielkich koncertowych emocji dostarczyli także Bastille, Natalie Imbruglia, Jet oraz Rudimental DJ Set. Zagraniczne gwiazdy uzupełnił mocny i różnorodny skład polskich wykonawców – od największych nazwisk hip-hopu po pop, rock i cięższe brzmienia.
Czy to Quebo? – zastanawiała się festiwalowa publiczność.
Festiwal miał również zupełnie niespodziewanego bohatera. Quebonafide pojawił się na jego terenie w przebraniu starszego pana, rozdając uczestnikom lody. Nietypowa akcja błyskawicznie stała się jednym z najgłośniejszych i najczęściej komentowanych viralowych momentów weekendu.
Trzy dni, dwie sceny i 24 artystów
Na dwóch festiwalowych scenach wystąpiły zagraniczne gwiazdy: Sean Paul, Timbaland, Bastille, Natalie Imbruglia, Jet oraz Rudimental DJ Set. Polską scenę reprezentowali Mata, Bedoes 2115, PRO8L3M, Pezet, Tede, Chivas, White 2115, Żabson, Dawid Kwiatkowski, Justyna Steczkowska, Ania Dąbrowska, happysad, Kacperczyk, Hubert., Nocny Kochanek, Zalia, DRE$$CODE oraz Kuqe 2115.
Festiwalowe miasteczko pełne atrakcji
Łódź Summer Festival żył nie tylko pod scenami. Miasteczko festiwalowe miało własny, wyjątkowy klimat, a rozbudowane strefy partnerów pokazały, że wydarzenie ma również ogromny potencjał biznesowy.
Szczególne miejsce zajmowała strefa mBanku – głównego partnera Łódź Summer Festival. Własne przestrzenie i atrakcje przygotowali także Rossmann, Lubella, Pringles, Red Bull, N.07 oraz Radio ESKA. Uczestnicy mogli odwiedzić Strefę Rodeo 2115, zrobić sobie tatuaż w ADHD Tattoo oraz skorzystać z atrakcji wesołego miasteczka. Imponująco prezentowała się również część gastronomiczna: ponad kilometr food trucków i 80 pojazdów oferujących jedzenie z różnych stron świata. Do tego dochodziły pole namiotowe, strefa kamperów oraz oficjalny program klubowy. Po zakończeniu koncertów specjalna linia autobusowa przewoziła festiwalowiczów prosto na ulicę Piotrkowską, dzięki czemu zabawa przenosiła się z Błoni do centrum Łodzi. Zaangażowanie dużych marek i skala przygotowanych stref potwierdziły, że Łódź Summer Festival jest nie tylko muzycznym świętem, lecz także coraz atrakcyjniejszą przestrzenią dla biznesu. Partnerzy mogli zaprezentować się przed ogromną publicznością i stać się częścią jednego z najważniejszych wydarzeń lata.
Tłumnie, radośnie i bezpiecznie
Mimo ogromnego zainteresowania festiwal przebiegł bez większych incydentów i w atmosferze wspólnej zabawy. Najlepszym obrazem jego skali były Łódzkie Błonia codziennie, szczelnie wypełnione publicznością. Urodzinowy weekend, objął swoim rytmem całe miasto. Za dnia publiczność zmierzała na Błonia, a po koncertach festiwalowe życie przenosiło się do centrum i łódzkich klubów. Jedno jest pewne – przez trzy dni Łódź była jednym z najważniejszych muzycznych miejsc w Polsce.
Po bardzo udanym „Anno 1696" z niecierpliwością wyczekiwaliśmy kolejnego dużego albumu Insomnium. Mało który zespół z taką gracją łączy melodie, death metal i nordyckie wyczucie smutku, a już na pewno nikt nie robi tego podobnie do nich.
Opublikowane przez grupę single, zwłaszcza ten najnowszy, „Gleam in the Black", dają do zrozumienia, że poprzeczka wisi wysoko. Rzeczony utwór jest wręcz nieomal rockowym bangerem i najbardziej zwiewnym kawałkiem w dyskografii Finów! Jest na co czekać.
Kiedy: 25 stycznia (poniedziałek) 2027
Gdzie: Warszawa @ Progresja, Fort Wola 22
Bilety: 159/169 zł – przedsprzedaż, 190 zł – w dniu koncertu
Organizator: Knock Out Productions
Nowy sezon artystyczny przyniesie również inaugurację programu Artist in Residence, którego pierwszym Artystą Rezydentem Cavatina Hall zostanie Krzysztof Meisinger. Program rezydencji obejmie koncerty symfoniczne, projekty fonograficzne oraz działalność koncertową orkiestry w Polsce i za granicą.
Orkiestra, działająca od 2024 roku pod skrzydłami Fundacji Fiducia, już dziś ma na koncie blisko 80 koncertów, w tym występy wyjazdowe w Stalowej Woli, Katowicach oraz na włoskiej wyspie Capri.
Stałą siedzibą zespołu jest jedna z najlepszych sal koncertowych w Europie, Cavatina Hall w Bielsku-Białej, gdzie Cavatina Philharmonic Orchestra konsekwentnie buduje własny, rozpoznawalny język artystyczny - łącząc repertuar klasyczny z ambitnymi projektami crossoverowymi i autorskimi przedsięwzięciami koncertowymi.
Cavatina Philharmonic Orchestra wchodzi w trzeci sezon artystyczny. Nowy rozdział w historii pierwszej prywatnej orkiestry symfonicznej w Polsce
We wrześniu 2026 roku Cavatina Philharmonic Orchestra rozpocznie swój trzeci sezon artystyczny, umacniając pozycję jednej z najdynamiczniej rozwijających się formacji symfonicznych w kraju. Nowy sezon artystyczny przyniesie również inaugurację programu Artist in Residence, którego pierwszym Artystą Rezydentem Cavatina Hall zostanie Krzysztof Meisinger. Program rezydencji obejmie koncerty symfoniczne, projekty fonograficzne oraz działalność koncertową orkiestry w Polsce i za granicą.
Orkiestra, działająca od 2024 roku pod skrzydłami Fundacji Fiducia, już dziś ma na koncie blisko 80 koncertów, w tym występy wyjazdowe w Stalowej Woli, Katowicach oraz na włoskiej wyspie Capri.
Stałą siedzibą zespołu jest jedna z najlepszych sal koncertowych w Europie, Cavatina Hall w Bielsku-Białej, gdzie Cavatina Philharmonic Orchestra konsekwentnie buduje własny, rozpoznawalny język artystyczny - łącząc repertuar klasyczny z ambitnymi projektami crossoverowymi i autorskimi przedsięwzięciami koncertowymi.
Krzysztof Meisinger Artystą Rezydentem Cavatina Hall
Ważnym wydarzeniem nadchodzącego sezonu jest rozpoczęcie współpracy z gitarzystą Krzysztofem Meisingerem, który obejmuje funkcję Artysty Rezydenta Cavatina Hall. Krzysztof Meisinger należy do grona najbardziej rozpoznawalnych polskich gitarzystów klasycznych na arenie międzynarodowej. Występował na najważniejszych scenach Europy, Azji i obu Ameryk, współpracując z czołowymi orkiestrami i artystami. Jego nagrania dla Chandos Records zdobyły uznanie międzynarodowej krytyki, a portal uDiscover Music zaliczył go do grona dwudziestu najwybitniejszych gitarzystów klasycznych wszech czasów.
Debiut Meisingera w roli rezydenta zaplanowany jest na 8 października w Cavatina Hall. Wcześniej muzycy Cavatina Philharmonic Orchestra w składzie kwintetu smyczkowego będą towarzyszyć Krzysztofowi Meisingerowi podczas koncertów w Tarnowie, Poznaniu i Środzie Wielkopolskiej.
Rozpoczęcie programu Artist in Residence jest kolejnym etapem konsekwentnego rozwoju Cavatina Hall. Od początku naszym celem było stworzenie orkiestry, która będzie nie tylko rezydować w Cavatina Hall, ale również aktywnie uczestniczyć w życiu muzycznym w Polsce i za granicą. Współpraca z Krzysztofem Meisingerem doskonale wpisuje się w tę strategię - otwiera przed orkiestrą nowe możliwości koncertowe, fonograficzne i promocyjne, jednocześnie pozostawiając w centrum to, co dla nas najważniejsze: dalszy rozwój zespołu i budowanie jego silnej, rozpoznawalnej marki. – podkreśla Diana Kolenkiewicz, Prezes Zarządu Fundacji Fiducia, CEO Cavatina Hall
Koncert „Spanish Night” 8 października w Cavatina Hall oficjalnie otworzy cykl wspólnych działań artysty i orkiestry, prezentując energiczny, barwny program inspirowany muzyką hiszpańską i idiomem gitarowym w symfonicznym ujęciu. Program koncertu był już wcześniej prezentowany i zarejestrowany fonograficznie, ukazując się nakładem Chandos Records, wytwórni specjalizującej się w muzyce klasycznej i symfonicznej. Teraz, w nowej odsłonie, po raz pierwszy zabrzmi w wykonaniu Krzysztofa Meisingera i Cavatina Philharmonic Orchestra.
„ASTOR” czyli Piazzolla w nowym wymiarze
Kolejnym filarem współpracy jest projekt „ASTOR”, który zostanie zaprezentowany 3 listopada w Studiu Koncertowym Polskiego Radia im. Witolda Lutosławskiego w Warszawie. Wydarzenie będzie transmitowane na antenie Programu 2 Polskiego Radia, co zapewni mu szeroki zasięg ogólnopolski.
Program „ASTOR” jest mi szczególnie bliski. Muzyka Astora Piazzolli towarzyszy mi od najmłodszych lat i na stałe wpisała się w moją muzyczną wrażliwość. Wracam do niej z ogromną przyjemnością, ponieważ łączy emocjonalność z wirtuozerią, a jednocześnie daje możliwość pokazania pełni możliwości zarówno gitary, jak i orkiestry symfonicznej - podkreśla Krzysztof Meisinger.
Grudniowy koncert świąteczny - projekt szczególny
Jednym z najbardziej wyczekiwanych wydarzeń końcówki roku będzie koncert bożonarodzeniowy Cavatina Philharmonic Orchestra zaplanowany na 23 grudnia w Cavatina Hall. Na scenie pojawi się kameralny skład orkiestry oraz troje solistów: Krzysztof Meisinger, Damian Ukeje oraz Natalia Muianga. Koncert poprowadzi Agnieszka Oszczyk. Program połączy tradycyjną muzykę świąteczną z różnorodnymi stylistykami, tworząc wielowarstwową, świąteczną narrację muzyczną.
Równolegle do przygotowań koncertowych w Cavatina Hall, we wrześniu w Cavatina Studio zrealizowane zostaną nagrania muzyki świątecznej Cavatina Philharmonic Orchestra. Materiał ten stanowić będzie fonograficzne rozwinięcie grudniowego projektu i zostanie wydany w okresie Bożego Narodzenia, jako muzyczna kontynuacja koncertu zaplanowanego na 23 grudnia.
Cavatina Philharmonic Orchestra od początku swojego istnienia rozwija się jako zespół, który stawia na najwyższą jakość wykonawczą i odważnie buduje własną tożsamość artystyczną. Program rezydencji z Krzysztofem Meisingerem jest naturalnym krokiem w tym procesie. To artysta o wyjątkowej wrażliwości muzycznej, doskonale rozumiejący język orkiestry symfonicznej. Jestem przekonany, że ta współpraca zaowocuje projektami o wysokiej wartości artystycznej, które pozwolą muzykom Cavatina Philharmonic Orchestra rozwijać się w różnorodnym repertuarze, a publiczności dostarczą wyjątkowych muzycznych emocji. – mówi Andrzej Kucybała, Prezes Honorowy Cavatina Philharmonic Orchestra
Perspektywa dalszej współpracy
Ważnym elementem nadchodzącego sezonu będzie również koncert w Filharmonii im. Mieczysława Karłowicza w Szczecinie, zaplanowany na 4 maja 2027 roku. W historycznej Złotej Sali zabrzmią symfonie Mozarta, a program poprowadzi Krzysztof Meisinger jako dyrygent. Wydarzenie będzie kolejnym krokiem w budowaniu obecności orkiestry na najważniejszych scenach koncertowych w Polsce i stanowić będzie kontynuację idei Meisinger Music Festival, którego kolejna edycja planowana jest na 2027 rok.
Trzeci sezon działalności Cavatina Philharmonic Orchestra zapowiada się jako okres intensywnej ekspansji artystycznej, zarówno w przestrzeni koncertowej, jak i fonograficznej. Orkiestra konsekwentnie rozwija model zespołu rezydującego, ale jednocześnie aktywnego w skali ogólnopolskiej i międzynarodowej.
Połączenie regularnej obecności w Cavatina Hall z projektami wyjazdowymi (również zagranicznymi), nagraniami i współpracą z artystami światowego formatu sprawia, że Cavatina Philharmonic Orchestra staje się jednym z najbardziej interesujących zjawisk na polskiej scenie muzyki klasycznej ostatnich lat.
Sezon 2026/2027 ma szansę potwierdzić, że nie jest to tylko orkiestra koncertowa, ale także aktywny ośrodek twórczy, kształtujący nowe kierunki interpretacyjne i produkcyjne w muzyce symfonicznej.
Inauguracja trzeciego sezonu artystycznego Cavatina Philharmonic Orchestra już 24 września w Cavatina Hall w Bielsku-Białej, pierwszej Polskiej Stolicy Kultury.
Zamów w przedsprzedaży: https://queen.lnk.to/Budapest
Sony Music Vision z dumą ogłasza, że „Queen Budapest” - zapis pierwszego zachodniego stadionowego koncertu rockowego za Żelazną Kurtyną oraz ostatniego sfilmowanego występu Queen na żywo - trafi do kin i sal IMAX na całym świecie od 7 października. Za globalną dystrybucję odpowiada Trafalgar Releasing. Jest to również pierwszy oficjalny projekt Sony Music Vision realizowany we współpracy z Queen, inaugurujący oficjalne partnerstwo Sony Music dotyczące katalogu zespołu.
Koncert zarejestrowano 27 lipca 1986 roku na stadionie Népstadion w Budapeszcie, podczas trasy „The Magic Tour”. Było to przełomowe wydarzenie - Queen byli pierwszym zachodnim zespołem rockowym, który wystąpił za Żelazną Kurtyną w okresie głębokich przemian politycznych i kulturowych. Wszystkie 80 tysięcy biletów na koncert wyprzedano, a szacuje się, że kolejnych 45 tysięcy osób słuchało występu spoza stadionu. Na koncert przyjechali także fani z odległych krajów, m.in. z Polski i Związku Radzieckiego.
Występ został profesjonalnie zarejestrowany na taśmie filmowej 35 mm przez 17 czołowych węgierskich operatorów. Do realizacji wykorzystano 17 kamer oraz blisko 40 kilometrów taśmy filmowej - cały zapas dostępny wówczas na Węgrzech. Co więcej, cała operacja odbyła się za zgodą władz węgierskich, co było bezprecedensową decyzją w państwie komunistycznym.
Skala tego przedsięwzięcia sprawia, że trudno uwierzyć, iż po budapeszteńskim koncercie Queen zagrali już tylko pięć występów. Zaledwie miesiąc później zespół zakończył swoją historię koncertową z Freddiem Mercurym, dając ostatni koncert 9 sierpnia 1986 roku w Knebworth Park w Anglii.
„Queen Budapest” to ostatni profesjonalnie sfilmowany koncert Queen z Freddiem Mercurym, ukazujący zespół u szczytu koncertowej formy. Film dokumentuje wykonania największych przebojów grupy, takich jak „We Will Rock You”, „We Are the Champions”, „A Kind of Magic”, „Crazy Little Thing Called Love”, „Under Pressure”, „Who Wants to Live Forever”, „Hammer to Fall” i „Bohemian Rhapsody”, a także akustyczną interpretację tradycyjnej węgierskiej pieśni ludowej „Tavaszi Szél Vizet Áraszt”. W filmie znalazł się również wyjątkowy fragment utworu „Radio Ga Ga”, wzbogacony o odnowiony obraz i zremasterowany dźwięk z budapeszteńskiego koncertu.
Skrócona wersja koncertu została wyemitowana w grudniu 1986 roku w krajach bloku wschodniego, m.in. w Polsce, Czechosłowacji, NRD, Jugosławii i Mongolii. 1 stycznia 1987 roku pokazano ją również jednocześnie w 59 węgierskich kinach, co było bezprecedensowym wydarzeniem - po raz pierwszy koncert zachodniego zespołu rockowego trafił do tak szerokiej kinowej dystrybucji w kraju komunistycznym.
Dla Briana Maya i Rogera Taylora koncert w Budapeszcie nie był jedynie kolejnym przystankiem na wielkiej trasie zespołu. Miał dla nich znacznie głębsze znaczenie.
„Przez lata fani żyjący za Żelazną Kurtyną mogli słuchać muzyki Queen wyłącznie z nielegalnie kopiowanych kaset. Słuchanie zespołów rockowych takich jak nasz było zakazane, więc możliwość zobaczenia nas na żywo wydawała się czymś niewyobrażalnym. Ten koncert - moment, w którym wreszcie mogli przyjść, zobaczyć nas osobiście i nawiązać z nami kontakt - był dla nich ogromnym przeżyciem. Dla nas również. Od początku czuło się, że to wydarzenie o wyjątkowej wadze - energia była wręcz niezwykła. Czegoś podobnego już nigdy nie da się powtórzyć. Chyba najbardziej wzruszającym momentem było wykonanie pięknej węgierskiej pieśni ludowej, której z Freddiem nauczyliśmy się specjalnie na tę okazję. Nie było ani jednej suchej pary oczu.”
-Brian May
„Zawsze wierzyliśmy, że muzyka potrafi przekraczać granice polityki i podziałów. To było częścią naszego podejścia - chcieliśmy, by publiczność czuła się częścią koncertu, a nie tylko jego widzem. Wiem, że Freddie bardzo starał się nauczyć tej ludowej pieśni, choć tekst miał zapisany fonetycznie na odwrocie dłoni. Kiedy publiczność spontanicznie zaczęła śpiewać razem z nim, pomyśleliśmy: ‘Wow… muzyka naprawdę potrafi jednoczyć ludzi’.”
-Roger Taylor
„Zespół Petera Jacksona wykonał znakomitą pracę, odnawiając oryginalny materiał filmowy w najwyższej jak dotąd dostępnej rozdzielczości. Efekt jest nieskazitelny, a jakość obrazu wręcz zapiera dech w piersiach. Jestem przekonany, że będziecie zachwyceni. Równie dużo uwagi poświęciliśmy rekonstrukcji dźwięku. Dzięki temu w kinach i salach IMAX widzowie będą mogli doświadczyć Queen z czasów naszej największej świetności w najbardziej autentyczny sposób, jaki kiedykolwiek był możliwy. Myślę, że publiczność całkowicie da się porwać temu doświadczeniu i na chwilę zapomni, że ogląda film.”
-Brian May
„’Queen Budapest’ to niezwykły dokument zarówno historii muzyki, jak i historii przemian kulturowych. Film nie tylko utrwala wyjątkowy koncert, ale także niezwykłą więź między zespołem a publicznością, która w tamtym czasie przełamywała rzeczywiste bariery. Dzięki tej rekonstrukcji współcześni widzowie mogą przeżyć tamten moment z bezpośredniością i intensywnością, jakby wydarzył się dziś.”
-Tom Mackay, prezes Sony Music Vision
Peter Jackson dodał:
„Jako wieloletni fani Queen byliśmy zachwyceni, gdy zespół powierzył studiu Park Road Post odrestaurowanie materiału z koncertu w Budapeszcie. Możliwość tchnienia nowego życia w tak ikoniczny moment w historii muzyki była dla nas prawdziwym zaszczytem. Cieszymy się, że dzięki temu zupełnie nowe pokolenie widzów będzie mogło uczestniczyć w ostatnim koncertowym występie Queen z Freddiem Mercurym, uwiecznionym na taśmie filmowej. We will rock you!”
Premiera „Queen Budapest” upamiętnia 40. rocznicę tego przełomowego wydarzenia w historii grupy. Film został pieczołowicie odrestaurowany w rozdzielczości 4K na podstawie oryginalnego materiału nakręconego na taśmie 35 mm przez nowozelandzkie studio Park Road Post Production, należące do sir Petera Jacksona. Ścieżkę dźwiękową przygotowano na nowo, wykorzystując oryginalne wielośladowe nagrania, dzięki czemu widzowie otrzymają najbardziej immersyjną i najwyższej jakości prezentację tego legendarnego koncertu.
Światowa premiera odrestaurowanej w jakości 4K wersji „Queen Budapest” odbędzie się 15 września podczas Budapest Classics Film Marathon, organizowanego przez Narodowy Instytut Filmowy Węgier, w ramach programu poświęconego odrestaurowanym i na nowo odkrywanym klasykom kina. Brytyjska premiera filmu zaplanowana jest na 30 września w Londynie. Szczegóły wydarzenia zostaną ogłoszone wkrótce.
Cyfrową rekonstrukcję oryginalnych negatywów w rozdzielczości 4K przeprowadziło laboratorium FilmLab Narodowego Instytutu Filmowego Węgier w Budapeszcie. Oryginalne materiały filmowe od 1986 roku znajdują się pod opieką Archiwum Filmowego Narodowego Instytutu Filmowego Węgier.
„Queen Budapest” trafi do kin i sal IMAX na całym świecie 7 października. Film będzie wyświetlany przez ograniczony czas we współpracy z Trafalgar Releasing. Sprzedaż biletów rozpocznie się jeszcze tego lata. Fani mogą zarejestrować się na oficjalnej stronie www.QueenBudapest.com aby otrzymywać najnowsze informacje oraz powiadomienia o rozpoczęciu przedsprzedaży.
Premierze filmu będzie towarzyszyć wydanie ścieżki dźwiękowej i materiałów towarzyszących w różnych formatach, które ukażą się 30 października nakładem Legacy Recordings - katalogowej wytwórni Sony Music - na rynkach międzynarodowych oraz Hollywood Records w Stanach Zjednoczonych i Kanadzie. Ścieżka dźwiękowa ukaże się równocześnie z wydaniami Blu-ray, DVD, CD i w serwisach cyfrowych, a także - po raz pierwszy w historii – jako trzypłytowy album winylowy.
Reżyserem filmu Queen Budapest jest János Zsombolyai, a za jego światową dystrybucję odpowiada Sony Music Vision.
Jej debiutancki album How Long Will It Take? opowiada o nieuporządkowanej rzeczywistości dorastania - poszukiwaniu własnej tożsamości, budowaniu relacji i poczuciu, że wszyscy inni zdążyli już odnaleźć właściwą drogę. Zamiast proponować proste odpowiedzi, Nieve odnajduje nadzieję w samym podążaniu naprzód, akceptując chaos i stawiając na rozwój zamiast perfekcji. Jej szczere teksty i pełna emocji produkcja oddają nieprzewidywalność myśli, które próbuje uporządkować.
Od momentu debiutu Nieve zgromadziła jedną z najbardziej zaangażowanych społeczności młodych fanów w Wielkiej Brytanii. Jej muzyka przekroczyła 20 milionów odtworzeń, trafiła wielokrotnie na playlisty BBC Radio 1 i zdobyła uznanie takich mediów jak The Observer, The Independent, Rolling Stone UK, NME, DORK, DIY, Clash, Wonderland czy Hunger. Popularność ta przełożyła się również na sukces koncertowy - jej trasy po Wielkiej Brytanii i Europie wyprzedają się w ciągu kilku minut, a występy na festiwalach Reading & Leeds, TRNSMT, BST Hyde Park i Lollapalooza Berlin ugruntowały jej opinię artystki, która z każdym kolejnym etapem kariery przyciąga coraz większą publiczność.
Tej jesieni Nieve rozpoczyna najważniejszy rozdział swojej kariery wraz z premierą albumu How Long Will It Take? oraz największą dotychczas trasą koncertową. Obejmie ona 18 występów w Wielkiej Brytanii i Europie, m.in. w Manchesterze, Glasgow, Dublinie, Paryżu, Amsterdamie, Berlinie i Kolonii, a zwieńczy ją koncert w londyńskim O2 Forum Kentish Town.
Nieve Ella
27.11.2026 – OCZKI, Warszawa
Przedsprzedaż dla klientów Ticketmaster rozpocznie się w środę, 5 sierpnia o godz. 10:00
Przedsprzedaż Spotify rozpocznie się w czwartek, 6 sierpnia o godz. 10:00
Sprzedaż ogólna rozpocznie się w piątek, 7 sierpnia o godz. 10:00 na www.LiveNation.pl
W lutym 2027 roku legendarna brytyjska formacja zagra aż pięć koncertów w ramach ROAD WARRIORS TOUR, prezentując przekrojowy program obejmujący ponad 55 lat swojej działalności.
Nowa trasa to spotkanie z największymi klasykami zespołu, ale także okazja do usłyszenia utworów z różnych etapów jego bogatej kariery. W programie nie zabraknie kompozycji z legendarnego albumu Argus, koncertowego hymnu Phoenix, a także takich utworów jak You See Red, Front Page News, Lifeline, monumentalnego Tales of the Wise oraz poruszającego Underground.
Poprzednim razem, mając na uwadze, że Polacy szczególnie ukochali sobie utwór Persephone, zespół wykonał go na każdym koncercie, mimo że nie był on w planie. Powinniśmy spodziewać się go także i tym razem, a setlistę uzupełnią kompozycje z późniejszych wydawnictw, pokazujące, że WISHBONE ASH pozostaje zespołem twórczym i nieustannie rozwijającym swoje brzmienie.
Jak podkreśla Andy Powell:
„Ludzie przychodzą usłyszeć klasyki, ale równie entuzjastycznie reagują, gdy sięgamy po utwory z różnych okresów naszej działalności. Dzięki temu każda trasa pozostaje świeża, a my sami uświadamiamy sobie, jak bogaty stał się nasz katalog."
To będzie wyjątkowa okazja, by ponownie zobaczyć jeden z najważniejszych zespołów w historii klasycznego rocka. Charakterystyczne, dwugitarowe harmonie, doskonałe kompozycje i koncertowa forma, z której WISHBONE ASH słyną od dekad, sprawiają, że ich występy niezmiennie należą do najciekawszych wydarzeń dla fanów rocka.
Daty koncertów
08.02.2027 – Kraków, Zaścianek
09.02.2027 – Pszczyna, Pszczyńskie Centrum Kultury
10.02.2027 – Warszawa, Terminal Kultury Gocław
11.02.2027 – Poznań, Tama
12.02.2027 – Gdańsk, Klub Parlament
Harmonogram
19:00 – otwarcie bram
20:00 – początek koncertu
Bilety
Kraków, Poznań, Gdańsk
I pula – 199 zł
II pula – 229 zł
W dniu koncertu – 259 zł
Warszawa
Miejsca stojące
I pula – 199 zł
II pula – 229 zł
W dniu koncertu – 259 zł
Miejsca siedzące
I pula – 239 zł
II pula – 269 zł
W dniu koncertu – 299 zł
Pszczyna
Kategoria I
I pula – 239 zł
II pula – 269 zł
W dniu koncertu – 289 zł
Kategoria II
I pula – 209 zł
II pula – 239 zł
W dniu koncertu – 259 zł
Koncert Seala w Operze Leśnej w Sopocie był jednym z tych wieczorów, o których mówi się jeszcze długo po wybrzmieniu ostatnich dźwięków. Legendarny amfiteatr stworzył idealne warunki do bliskiego kontaktu z publicznością, a Seal wykorzystał je w pełni - podchodził do fanów, przytulał ich i sprawił, że każdy czuł się uczestnikiem wyjątkowego koncertu. Tym samym do długiej listy światowych artystów, którzy zapisali się w historii Opery Leśnej, dopisał także swoje nazwisko.
Opera Leśna od dziesięcioleci jest miejscem wyjątkowym na muzycznej mapie Polski. Jej niepowtarzalna akustyka, otoczenie lasu, bliskość sceny od widowni i historia sprawiają, że każdy koncert nabiera tu szczególnego charakteru. Seal doskonale wykorzystał ten klimat, tworząc z publicznością niezwykle intymne i pełne emocji widowisko.
Brytyjski wokalista już od pierwszych dźwięków „All I Know Is Now” pokazał, że tego wieczoru nie zamierza jedynie odśpiewać swoich największych przebojów. Przez cały koncert chętnie opuszczał scenę i zapuszczał się w sektory z publicznością, dziękował za ciepłe przyjęcie i wielokrotnie zachęcał fanów do wspólnego śpiewania. Ta swoboda i naturalność sprawiły, że atmosfera w Operze Leśnej była zupełnie wyjątkowa i nieporównywalna z niczym innym. Było po prostu magicznie!
W programie nie zabrakło utworów, które od lat zajmują szczególne miejsce w repertuarze artysty. Publiczność z entuzjazmem przyjęła kolejne utwory: „Future Love Paradise”, poruszające „Prayer for the Dying”, energetyczne „Killer” oraz „Bring It On”. Seal sięgnął również po cenione interpretacje klasyków – „Fly Like an Eagle” z repertuaru Steve Miller Band oraz „Life's What You Make It” grupy Talk Talk, nadając im własny, charakterystyczny styl.
Kulminacyjnym momentem koncertu było oczywiście wykonanie „Kiss From a Rose”. Jeden z największych przebojów w historii muzyki rozrywkowej wywołał niezwykły aplauz: tysiące widzów, śpiewając stworzyło jeden z najbardziej wzruszających momentów wieczoru.
Na bis Seal powrócił z dwoma utworami, bez których trudno wyobrazić sobie jego koncerty. „Crazy” zamieniło Operę Leśną w wielką imprezę, a finałowe „Love's Divine” było pięknym i niezwykle emocjonalnym zakończeniem tego wyjątkowego wieczoru. Publiczność ustawiała się tuż przed samym artystą i łapała najcenniejsze chwile, uwieczniając je na pamiątkę.
Koncert w Sopocie był już trzecim występem Seala organizowanym przez Prestige MJM, ale zarazem pierwszym w Operze Leśnej - miejscu, które od lat gości największe nazwiska światowej muzyki. Tego wieczoru do grona artystów, którzy zapisali się w historii tej niezwykłej sceny, dołączył także Seal, pozostawiając po sobie koncert pełen klasy, emocji i muzyki, która mimo upływu lat nie traci swojej siły.
- Przez osiemnaście lat działalności Prestige MJM organizowaliśmy koncerty na największych stadionach i w halach widowiskowych w Polsce, ale do Opery Leśnej nigdy wcześniej nie udało nam się dotrzeć. Tym bardziej cieszymy się, że właśnie Seal otworzył dla nas nowy rozdział tak niezwykłym koncertem. To artysta światowego formatu, a jego występ doskonale wpisał się w atmosferę legendarnego amfiteatru. Wierzę, że to początek pięknej historii Prestige MJM w Operze Leśnej – podkreślił Janusz Stefański z agencji Prestige MJM, która zorganizowała koncert Seala w Operze Leśnej Powered by Energa w Sopocie.
Grupa wystąpi w Australii i i Nowej Zelandii, a towarzyszyć jej będzie zespół Faith no More!
Faith no More po raz ostatni koncertowali w 2016 roku
22.01.27 | SYDNEY | ACCOR STADIUM
27.01.27 | MELBOURNE | MARVEL STADIUM
01.02.27 | BRISBANE | SUNCORP STADIUM
07.02.27 | WELLINGTON | HNRY STADIUM
Czy to początek powrotu legendy na scenę? Trzymamy kciuki za europejską trasę koncertową!
31 lipca i 1 sierpnia odbędzie się tam prawdziwe święto muzyki, a na scenie spotkają się artyści reprezentujący różne pokolenia, gatunki i style. Na Polach Marsowych wystąpią m.in.: Acid Drinkers, Coma, Ralph Kaminski oraz Męskie Granie Przestawia: KULT // PRO8L3M gra Kazika i Męskie Granie Orkiestra 2026: Igor Herbut, Zalia i Vito Bambino. Ostatnie bilety na koncerty dostępne są na eBilet.pl.
Wrocławska odsłona trasy
Podczas sponsorowanej przez markę Żywiec trasy zaplanowanych zostało kilkadziesiąt koncertów, w tym kilka projektów specjalnych, przygotowanych z myślą o tegorocznej edycji. Na Scenie Głównej we Wrocławiu zaprezentują się m.in. Tribute to Stanisław Soyka – Natalia Przybysz Feat. Smolik, Paulina Przybysz, Grażyna Łobaszewska, Męskie Granie Przestawia: KULT // PRO8L3M gra Kazika, który zamknie piątkowe koncerty oraz grająca na finał w sobotę Męskie Granie Orkiestra w składzie: Igor Herbut, Zalia i Vito Bambino. Nie zabraknie również prawdziwego gitarowego grania, będącego powrotem do korzeni projektu, o co zadbają m.in. Acid Drinkers, Coma i Ørganek.
W tym roku na Męskim Graniu zadebiutowała SCENA MŁODYCH RADAR Polska stworzona we współpracy ze Spotify oraz ORLEN. Wystąpią na niej zarówno twórcy, którzy zdążyli już zwrócić na siebie uwagę słuchaczy i branży, jak i ci, którzy dopiero stoją u progu przełomu. Jej line-up doskonale pokazuje, jak różnorodne jest dziś nowe polskie brzmienie. We Wrocławiu zagrają na niej: maks.tachasiuk, Hugo Tarres i Jea Mira.
Prawdziwe święto polskiej muzyki
Na Męskim Graniu każdorazowo usłyszeć można nie tylko najbardziej rozpoznawalnych polskich artystów, ale i tych, którzy dopiero stawiają pierwsze kroki na tak dużym wydarzeniu. W piątek na Scenie Głównej zaprezentują się: Lor, Natalia Przybysz, Myslovitz i Ralph Kaminski. Piątkowe koncerty zwieńczy występ projektu Męskie Granie Przestawia: KULT // PRO8L3M gra Kazika. W jego ramach duet PRO8L3M w nowoczesny sposób remiksuje twórczość Kazika (np. utwór „Tata dilera”), a następnie cały Kult gra godzinny koncert ze swoimi największymi przebojami. W ten sposób podziały zastąpiono artystycznym dialogiem, łącząc dwie różne muzyczne generacje.
W sobotę na Scenie Głównej zagrają natomiast: Wiraszko, Kasia Sienkiewicz, Tribute to Stanisław Soyka – Natalia Przybysz Feat. Smolik, Paulina Przybysz, Grażyna Łobaszewska, a także Coma oraz Męskie Granie Orkiestra 2026, która wykona na żywo m.in. single „Nareszcie” oraz „Tańczę”.
Równie interesująco prezentuje się line-up na Scenie Ż, na której w piątek zaprezentują się: Dezydery, Kępiński x Derej [Polska] Ścieżka Dźwiękowa feat. Michał Kowalonek, Weronika Drybs, Acid Drinkers i Łąki Łan. W sobotę będzie można usłyszeć na niej takich artystów jak: Hela, Matylda/Łukasiewicz, Ørganek i Kosmonauci.
Bilety na wydarzenie dostępne są na eBilet.pl.
Przedstawiamy harmonogram wydarzenia:
18:00 otwarcie drzwi
19:30 Bastard Sons In Loving Memory of Phil Campbell
21:00 Judas Priest
Wciąż możesz kupić bilety! Wejdź na www.LiveNation.pl
Uwaga! Podane godziny są orientacyjne i mogą ulec zmianie.
Z uwagi na Twój komfort i bezpieczeństwo, na teren imprezy masowej będzie możliwe wejście z torbą/nerka/torebką lub innym przedmiotem służącym do przechowywania rzeczy w wymiarach NIE większych niż 21 cm × 15 cm × 6 cm (długość x wysokość x grubość).
Jeśli zdecydujesz się na przyniesienie ze sobą wyżej opisanego przedmiotu, wejście na teren imprezy masowej może zająć Ci więcej czasu ze względu na kontrolę bezpieczeństwa.
„better late than never” pokazuje dojrzalsze oblicze zespołu, nie tracąc charakterystycznej dla niego lekkości i energii.
„better late than never” łączy synth-pop z alternatywnym rockiem i opowiada o odwadze, by sięgnąć po życie, o jakim naprawdę się marzy – niezależnie od tego, ile czasu na to potrzeba. W teledysku zespół przemierza tętniący życiem Nowy Jork, który w pewnym momencie całkowicie zamiera. Surrealistyczna wizja podkreśla przesłanie utworu – odnalezienie wewnętrznego spokoju pośród codziennego chaosu.
– „better late than never” opowiada o tej części nas, która bardzo czegoś pragnie, ale wciąż znajduje wymówki, by po to nie sięgnąć. Myślę, że największym błędem jest nawet nie spróbować. Mam nadzieję, że każdy odnajdzie na tej płycie coś dla siebie. Dla mnie to przede wszystkim przypomnienie, by niczego nie brać za pewnik i nie przestawać dążyć do tego, kim naprawdę chcę być – mówi wokalista Dawson Daugherty.
Nowy singiel ukazuje się po premierach „skinny dip” i „no more regrets”, stanowiąc kolejną zapowiedź albumu „THANK GOD IT'S ALMOST MONDAY”. W porównaniu z debiutanckim wydawnictwem „DIVE” z 2024 roku zespół prezentuje dojrzalsze spojrzenie na własną twórczość. Nowe piosenki skupiają się na osobistym rozwoju i momentach, które kształtują codzienne życie, zachowując jednocześnie charakterystyczną dla almost monday lekkość i przebojowość.
Wraz z premierą albumu zespół wyruszy w trasę koncertową po Stanach Zjednoczonych i Kanadzie. Seria koncertów jest kontynuacją wyprzedanych tras po USA, Wielkiej Brytanii i Europie.
almost monday tworzą Dawson Daugherty, Cole Clisby i Luke Fabry. Grupa wypracowała rozpoznawalne brzmienie na pograniczu indie popu i alternatywnego rocka, zdobywając ponad 1,5 miliarda odtworzeń w serwisach streamingowych. Zespół występował na takich festiwalach jak Lollapalooza, BottleRock czy Life is Beautiful, koncertował u boku AJR, The Driver Era i The Band CAMINO, a w 2026 roku otrzymał nominację do iHeart Music Awards w kategorii Best New Alternative Artist.
Charles Lloyd prezentuje „Sangam & Friends” – poruszający hołd dla zmarłego Zakira Hussaina, wybitnego mistrza gry na tabli, wieloletniego przyjaciela i współtwórcy tria Sangam. Album powstał z archiwalnych nagrań zarejestrowanych w 2009 roku w Mumbaju podczas sesji, które miały zaowocować wspólnym wydawnictwem. Choć projekt nigdy nie został ukończony, zachowane nagrania tworzą dziś wyjątkowy dokument artystycznej i osobistej więzi łączącej obu muzyków.
Wydawnictwo promuje utwór „Jai Ganga” – pełna energii kompozycja wykonywana przez Charlesa Lloyda, Zakira Hussaina i Erika Harlanda, będąca jednym z zachowanych zapisów wspólnej pracy tria Sangam.
Obok Charlesa Lloyda i Zakira Hussaina na albumie występuje także perkusista Eric Harland, trzeci członek tria Sangam. W nagraniach udział wzięli również wybitni przedstawiciele indyjskiej sceny muzycznej: wokalista muzyki karnatyckiej Vijay Prakash, flecista Rakesh Chaurasia, sarangista Sabir Khan, klawiszowiec Ranjit Barot oraz sitarzysta Niladri Kumar.
Jak wspomina producentka Dorothy Darr w tekście zamieszczonym w książeczce do albumu, podróż do Indii rozpoczęła się od zaproszenia Zakira Hussaina na coroczny koncert Abbaji, organizowany ku pamięci jego ojca, legendarnego muzyka Alli Rakhi. Występ, podczas którego trio Sangam połączyło siły z indyjskimi instrumentalistami, stał się inspiracją do kolejnych wspólnych sesji nagraniowych w Nirvana Studio w Mumbaju.
Większość materiału zawartego na „Sangam & Friends” powstała właśnie podczas jednodniowej sesji w lutym 2009 roku. Muzycy planowali powrócić do tych nagrań i ukończyć album, jednak z różnych powodów nigdy do tego nie doszło. Dziś odnalezione i opracowane nagrania zyskują nowe życie, ukazując niezwykłą swobodę improwizacji i głębokie porozumienie między artystami.
Energetyczny utwór łączy charakterystyczne dla kanadyjskiego duetu taneczne brzmienia z chwytliwą melodią i wakacyjnym klimatem.
Andrew Fedyk i Joe De Pace po raz pierwszy zaprezentowali „ONE CALL AWAY” podczas swojego największego dotychczas koncertu w rodzinnym Toronto. Wyprzedany występ w RBC Amphitheatre zgromadził ponad 16 tysięcy fanów, którzy od razu podchwycili refren nowego utworu.
Nowy singiel dołącza do serii ostatnich premier Loud Luxury, wśród których znalazły się „COLORADO” z udziałem Zohary, „OUT LATE” nagrane z SadBoi, „UH OH!” z Natalie Jane oraz „Love You For Life” z Emily Roberts. Łącznie katalog duetu przekroczył już 4 miliardy odtworzeń w serwisach streamingowych.
Ostatnie miesiące upłynęły zespołowi pod znakiem intensywnych koncertów. Loud Luxury wystąpili m.in. na Ultra Music Festival, Badlands Music Festival i Stagecoach, a także kontynuują swoją rezydenturę w klubach XS Nightclub i Encore Beach Club w Las Vegas.
Loud Luxury tworzą pochodzący z Kanady Andrew Fedyk i Joe De Pace. Międzynarodową popularność przyniósł im singiel „Body”, który zgromadził ponad 1,5 miliarda odtworzeń i zdobył status diamentowej płyty w Kanadzie oraz liczne wielokrotne certyfikaty platynowe na całym świecie. W kolejnych latach duet współpracował z takimi artystami jak Pitbull, Bebe Rexha, Nicky Jam, Kane Brown czy Bryce Vine, umacniając swoją pozycję w światowej czołówce muzyki dance.
Dzięki charakterystycznemu połączeniu house'u, popu i hip-hopu Loud Luxury od lat należą do najpopularniejszych duetów elektronicznych na świecie, regularnie występując na największych festiwalach, takich jak Tomorrowland, Ultra Music Festival, Lollapalooza czy EDC Las Vegas.
Utwór ukazuje się w końcowej fazie rekordowej trasy „Still The Problem Tour”, potwierdzając znakomitą passę jednego z najpopularniejszych artystów współczesnej muzyki country.
„Been By Now” napisali Morgan Wallen, Charlie Handsome, John Byron, Blake Pendergrass, Rocky Block i Taylor Phillips. Za produkcję odpowiada Joy Moi. Utwór po raz kolejny pokazuje wyjątkową umiejętność Wallena do łączenia osobistych historii z chwytliwymi melodiami, wzbogacając imponujący katalog jego przebojów.
Premiera singla zbiega się z końcówką trasy „Still The Problem Tour”, obejmującej 23 koncerty stadionowe w Ameryce Północnej. Wszystkie dotychczasowe występy wyprzedały się do ostatniego miejsca. Organizatorem tournée jest AEG Presents (z wyjątkiem koncertu w Tuscaloosie, za który odpowiadało Live Nation). W roli gości specjalnych na wybranych koncertach występują Brooks & Dunn, HARDY, Ella Langley i Thomas Rhett, a w roli suportów pojawiają się m.in. Gavin Adcock, Hudson Westbrook, Flatland Cavalry, Jason Scott & The High Heat, Zach John King, Vincent Mason oraz Blake Whiten.
Podobnie jak podczas poprzednich tras, część dochodu z każdego sprzedanego biletu trafia do Morgan Wallen Foundation, wspierającej programy sportowe i muzyczne dla młodzieży. W ramach inicjatywy Tour Give Back fundacja przekazała szkołom w miastach odwiedzanych przez trasę instrumenty muzyczne o łącznej wartości przekraczającej milion dolarów.
O Morganie Wallenie
Morgan Wallen od kilku lat wyznacza trendy nie tylko na scenie country. Magazyn „Billboard” określa go mianem „jednej z największych gwiazd współczesnej muzyki”. Artysta ma na koncie 21 singli, które dotarły na szczyt listy Country Airplay, 19 statuetek Billboard Music Awards oraz rekordowe ponad 225 tygodni na szczycie zestawienia Billboard Top Country Albums – najwięcej w historii. To on stoi także za najlepiej sprzedającą się trasą koncertową w gatunku country.
Jego czwarty album studyjny „I’m The Problem”, wydany nakładem Big Loud/Mercury, zadebiutował na pierwszym miejscu list sprzedaży w siedmiu krajach i spędził 13 tygodni na szczycie Billboard 200. Poprzednie albumy – „Dangerous: The Double Album” oraz „One Thing At A Time” – utrzymywały się w pierwszej dziesiątce Billboard 200 przez ponad 100 tygodni każdy, co czyni Wallena pierwszym artystą w historii z takim osiągnięciem.
Album „I’m The Problem” przyniósł także sześć numerów jeden w amerykańskich rozgłośniach country, w tym utwór tytułowy, który utrzymywał się na szczycie listy przez osiem tygodni.
Teraz artysta dokłada do tej serii nowy, dwujęzyczny singiel „Tell Me”, ponownie udowadniając, że jego połączenie synth-indie i latynoskiego soulu trudno pomylić z kimkolwiek innym.
54 Ultra prezentuje nowy, dwujęzyczny singiel „Tell Me”, wyprodukowany przez Paula Cherry’ego. Piosenkę można usłyszeć na żywo podczas koncertów artysty w Ameryce Północnej i Europie. Po serii festiwalowych występów 54 Ultra dołączy do Thundercata jako gość specjalny na jego wybranych koncertach.
Ostatnie miesiące należą do najintensywniejszych w karierze artysty. 54 Ultra zadebiutował wiosną na Coachelli, wydał podwójny singiel „Turnaround” / „I’m Broken”, a także podpisał kontrakt z Interscope Records. W tym roku ukazał się również nagrany z duetem ANOTR singiel „Talk To You”, w którym jego charakterystyczne połączenie syntezatorowego indie rocka i soulu zyskało taneczny, pełen energii charakter. Piosenka trafiła na listy przebojów w pięciu europejskich krajach i od 17 tygodni utrzymuje się na szczycie zestawienia Warm Global Dance Radio. Utwór został ponadto niedawno wyróżniony przez reprezentację Anglii w piłce nożnej. 54 Ultra wystąpił z ANOTR podczas koncertów w Nowym Jorku i na Ibizie.
54 Ultra to muzyczny projekt pochodzącego z New Jersey songwritera i producenta Johna Anthony’ego Rodrigueza. Artysta czerpie inspiracje ze swoich portorykańskich i dominikańskich korzeni, łącząc syntezatorowe brzmienia indie rocka z latynoskim soulem. Jego charakterystyczny wokal i dopracowana produkcja wywołują natychmiastowe poczucie nostalgii, przysparzając artyście fanów na całym świecie.
Debiutancki singiel 54 Ultra „Where Are You” stale zyskuje popularność w mediach społecznościowych, podobnie jak sam artysta. W maju ubiegłego roku wydał debiutancką EP-kę „First Works”, którą magazyn „Billboard” uznał za jedno z najlepszych wydawnictw roku. Złożony z sześciu utworów materiał utorował twórcy drogę do wyprzedanej jesiennej trasy koncertowej oraz kolejnych singli – „I Won’t Go” i „Find Your Love”. Ten drugi zadebiutował na antenie programu „Live from HQ” rozgłośni KCRW.
Gośćmi Shanii Twain są m.in. Tanya Tucker, Josh Homme z Queens of the Stone Age i duet The War And Treaty.
Po ponad trzech dekadach kariery, ponad 100 milionach sprzedanych albumów, pięciu nagrodach GRAMMY i statusie najlepiej sprzedającej się artystki country-pop w historii, Shania Twain wraca do miejsca, od którego wszystko się zaczęło. Jej siódmy album studyjny „Little Miss Twain” to najbardziej osobiste i autobiograficzne dzieło w dorobku artystki.
Na przestrzeni 15 utworów Shania zabiera słuchaczy w podróż do dzieciństwa i lat młodzieńczych spędzonych w Kanadzie. To opowieść o doświadczeniach, wspomnieniach i muzycznych inspiracjach, które ukształtowały jej charakterystyczny styl. Album swobodnie łączy elementy country, popu, rocka, soulu i bluegrassu, odsłaniając historię kobiety stojącej za jedną z najbardziej przełomowych karier we współczesnej muzyce.
Choć Shania Twain od początku swojej działalności słynęła z przekraczania gatunkowych granic, „Little Miss Twain” wyróżnia się jako jej najbardziej eklektyczny i osobisty album. – To dla mnie pełne emocji i refleksji zamknięcie pewnego kręgu. Historie zawarte na tej płycie pochodzą z okresu, gdy chłonęłam najróżniejsze style muzyczne, które ukształtowały mój sposób słyszenia i tworzenia muzyki. Chciałam pokazać fanom, skąd pochodzę i jak to wpłynęło na moje spojrzenie na świat – mówi Shania Twain.
Wydane przed premierą single „Dirty Rosie”, „Little Miss Twain” oraz „Faded Blue Jeans” zapowiadały niezwykle osobisty charakter albumu. Utwór tytułowy opowiada o wspomnieniu z dzieciństwa, kiedy mama Shanii wierzyła, że córka zostanie kolejną Tanyą Tucker. Symbolicznego znaczenia tej historii dodaje fakt, że sama Tanya Tucker pojawia się w nagraniu jako gość.
Na albumie usłyszymy również znakomitych muzyków i producentów, wśród których znaleźli się Josh Homme (Queens of the Stone Age), The War And Treaty, T Bone Burnett, Ronnie Wood, Ray Parker Jr. oraz David Paich z zespołu Toto.
Premierę „Little Miss Twain” Shania uczciła niespodziewanym koncertem w nowojorskim klubie Racket NYC. Kameralny występ przywoływał atmosferę miejsc, w których rozpoczynała swoją muzyczną drogę. Publiczność usłyszała utwory z nowego albumu, a także największe przeboje artystki. Kilka dni wcześniej Shania wystąpiła również w programie „The Tonight Show Starring Jimmy Fallon”, gdzie wykonała singiel „Dirty Rosie”.
Od początku kariery Shania Twain konsekwentnie podążała własną drogą, przecierając szlaki dla światowego sukcesu muzyki country i inspirując kolejne pokolenia artystek. Jako pierwsza w historii wydała trzy kolejne albumy z certyfikatem Diamond. Mimo imponującego dorobku dopiero „Little Miss Twain” jest płytą, na której tak otwarcie opowiada o sobie i swojej życiowej drodze.
Po 15-letniej przerwie wydawniczej Shania powróciła w 2017 roku z albumem „Now”, a następnie wydała „Queen Of Me” i wyruszyła w światową trasę koncertową, która znalazła się wśród dziesięciu najbardziej dochodowych tras country 2023 roku. Równolegle artystka odnosiła sukcesy podczas wyprzedanych rezydencji koncertowych w Las Vegas. Dziś wraca z albumem, który czerpie zarówno z doświadczeń jej dzieciństwa, jak i z całej niezwykłej kariery.
Premierze towarzyszy singiel „You Heal Me”, przejmująca ballada, do której artysta nakręcił teledysk.
To jedna z najbardziej osobistych płyt w jego karierze i spełnienie marzenia, które zaczęło się wiele lat temu w Kaliszu.
- Kiedy miałem kilkanaście lat, chodziłem po moim rodzinnym Kaliszu z walkmanem na uszach i słuchałem czarnej muzyki. Marzyłem, żeby kiedyś nagrać z czarnymi muzykami. Wtedy to było właściwie marzenie ściętej głowy. Komuna, paszporty, odległy świat, mało realne możliwości. A jednak po kilkudziesięciu latach to się wydarzyło. Dlatego mówię: nie rezygnujcie z marzeń, nawet jeśli wydają się nierealne. Czasem są zasypane głęboko piaskiem, ale warto je odkopać - opowiada Mieczysław Szcześniak.
„Brothers” to album nagrany w USA, na którym spotykają się polska wrażliwość i brzmienia głęboko zakorzenione w amerykańskiej muzyce: soul, gospel, R&B, blues, funk i country. To także symboliczne zwieńczenie 40-letniej drogi artystycznej jednego z najbardziej charakterystycznych głosów polskiej sceny.
Do współpracy Mieczysław Szcześniak zaprosił znakomitych amerykańskich muzyków i twórców. Wśród nich znaleźli się H.B. Barnum, legendarny producent i aranżer współpracujący m.in. z Frankiem Sinatrą, Arethą Franklin i Rayem Charlesem, oraz Wendy Waldman, ceniona amerykańska kompozytorka, producentka i autorka przebojów. Na płycie usłyszymy również Life Choir z Los Angeles pod kierownictwem H.B. Barnuma.
- Płyta jest różnorodna. Są utwory mocniejsze, bardziej up-tempo, są ballady, rzeczy soulowe, gospelowe i funkowe. Jest dużo melodii, harmonii i rytmu. Są momenty delikatne i mocne. Najnowszy singiel to niezwykle osobista ballada „You Heal Me. Piosenka łączy polską wrażliwość z amerykańskimi korzeniami muzyki gospel i soulu, a jej wyjątkowy klimat tworzy legendarny kalifornijski chór Life Choir. To wyjątkowo ważny punkt całego albumu. Świadomie umieściłem go na samym końcu płyty, bo to też podsumowanie duchowej i muzycznej podróży, którą odbywam na tym krążku. - mówi Mietek.
Od dziś „Brothers” także na winylu!
Utwór zapowiada album „The Fatal Flow", który ukaże się 4 września nakładem wytwórni Nettwerk Music Group.
Zainspirowany poezją Christiny Rossetti, utwór „Pre-Raphaelite" ukazuje złożoność kobiecych relacji: ich jednoczesną czułość i gorycz, zazdrość, siostrzeństwo oraz podziw. Po raz kolejny Paris łączy ze sobą mitologię, tęsknoty i doświadczenia współczesnej kobiecości, tworząc numer, który brzmi ponadczasowo i niezwykle aktualnie. Wraz z premierą utworu artystka zaprezentowała także hipnotyzujący teledysk (w reżyserii Rianne White), inspirowany trzema muzami z mitologii greckiej. W nowej interpretacji symbolizują one niewypowiedziany język porozumienia między kobietami oraz niewidzialne więzi, które je ze sobą łączą.
Podczas gdy znakomicie przyjęty debiutancki album „Cacophony" z 2024 roku, który zgromadził już ponad miliard odtworzeń, stanowił wgląd w wewnętrzny świat Paris Palomy, to „The Fatal Flaw" pokazuje artystkę całkowicie obnażoną emocjonalnie. Tytuł albumu pochodzi z pierwszego zdania kultowej powieści „Tajemna historia" Donny Tartt. Wydawnictwo eksploruje pełne spektrum ludzkich emocji: od najgłębszych cieni po największe uniesienia , czerpiąc inspiracje z morskich pejzaży J.W. Turnera, tekstów intersekcjonalnej feministki bell hooks oraz romantyzmu prerafaelitów. To świat rozległych krajobrazów, dawnych skarbów i mitów utkanych w muzyce. Okładka albumu przedstawia potężne czerwone drzewo inspirowane dziełem Ithell Colquhoun Diagrams of Love, symbolizujące złożony system korzeni będący osią całego albumu – drogę od emocjonalnej blokady do ich wyzwolenia oraz sztukę jako najbardziej intymną relację w życiu Paris.
Premiera „Pre-Raphaelite" następuje w momencie wyjątkowego rozpędu kariery artystki z Brighton. Wydane wcześniej single z „The Fatal Flaw": „Miyazaki", „Stem The Flow", „Good Boy" i „Good Girl" – zgromadziły już łącznie ponad 30 milionów odtworzeń. Z kolei przełomowy, platynowy singiel „Labour", który zapoczątkował globalną feministyczną dyskusję, przekroczył już miliard odtworzeń.
W tym roku Paris ponownie wyruszy w trasę koncertową, prezentując swój ceniony występ na żywo podczas serii koncertów w Europie i Ameryce Północnej. The Fatal Flaw Tour będzie największą trasą w jej dotychczasowej karierze i obejmie również występy na najważniejszych festiwalach, takich jak Lollapalooza, Reading & Leeds Festival, Osheaga Festival, Hinterland Music Festival, Sziget Festival i wielu innych. Pełna rozpiska koncertów znajduje się poniżej, a bilety są dostępne na stronie: https://www.parispaloma.co.uk/home/#tour
Feministyczny przekaz Paris Palomy wybrzmiewał już na największych scenach i ekranach – artystka wystąpiła m.in. w programach The Late Show with Stephen Colbert, BBC's Later... with Jools Holland oraz The Kelly Clarkson Show, zdobywając uznanie takich mediów jak The New York Times, Rolling Stone, The Guardian czy Billboard. Została również wyróżniona jako „Trending Artist on the Rise" przez YouTube, „Breakthrough Artist to Watch" przez Amazon oraz „Ithell Colquhoun" przez Spotify. Ponadto nagrała utwór „Ithell Colquhoun" do filmu „Władca Pierścieni: Wojna Rohirrimów", dołączając tym samym do grona artystów, których głosy współtworzyły muzyczny świat inspirowany twórczością J.R.R. Tolkiena.
Wypełniona po brzegi Atlas Arena przez ponad półtorej godziny śpiewała przeboje niemieckiej grupy. Żywiołowej atmosferze dali się ponieść nie tylko fani, ale i sam zespół. W rezultacie był to fantastyczny czas i rock w najlepszym wydaniu!
Scorpions należą do wyjątkowego grona zespołów, które mogą powiedzieć, że ich historia trwa już ponad 60 lat. Co więcej, wciąż dopisują do niej kolejne rozdziały - na scenie, przed kolejnymi pokoleniami publiczności. Koncert w Łodzi był tego najlepszym dowodem. Atlas Arena po raz kolejny wypełniła się do ostatniego miejsca, do tego niezwykła energia tej hali musiała zrobić wrażenie na zespole!
Prestige MJM ma ze Scorpions historię szczególną i wyjątkową, bo sięgającą początków działalności koncertowej. 18 lat temu, jeszcze przed powstaniem firmy, zespół wystąpił w Ostrowie Wielkopolskim na stadionie żużlowym, uświetniając Turniej o Łańcuch Herbowy. Sukces tego wydarzenia oraz bardzo dobre referencje, jakie organizatorzy otrzymali od managementu zespołu, stały się jednym z impulsów do powstania Prestige MJM.
Od tamtej pory Scorpions wielokrotnie wracali do Polski na zaproszenie Prestige MJM, występując na największych arenach. Koncert 25 lipca w Atlas Arenie w Łodzi był już czternastym występem zespołu zorganizowanym przez agencję. To historia wieloletniej współpracy, która rozpoczęła się od jednego koncertu w Ostrowie Wielkopolskim, a dziś obejmuje kilkanaście wspólnych wydarzeń z jedną z największych legend światowego rocka.
Jubileuszowa trasa z okazji 60-lecia działalności zespołu nie jest jedynie odcinaniem kuponów i wspominaniem historii. To żywy dowód na ponadczasowość muzyki, która nie przestaje działać na emocje. Koncerty Scorpions nie są muzealnym wspomnieniem wielkiej epoki rocka. To wciąż pełne energii, mocne i widowiskowe wydarzenia, z przemyślaną choreografią i dopracowanym scenariuszem całego koncertu. I nawet jeśli fanom brakowało niektórych największych przebojów, jak „Still Loving You” czy „Holiday”, to na pewno doceniają fakt, że wokalista Klaus Meine śpiewa na żywo, a nie z playbacku.
Zanim Scorpions pojawili się na scenie, na ekranie w telegraficznym skrócie przedstawiono ich historię: ponad 5000 koncertów, 27 światowych tras, 83 odwiedzone kraje. Do tego fani zobaczyli archiwalne ujęcia z największych koncertów w 60-letniej historii Scorpions. Ten wspominkowy prolog zakończyło wejście zespołu z piosenką „Coming Home”. Następnie wybrzmiały „Gas In The Tank”, „Make It Real” i „The Zoo” oraz kolejne przeboje niemieckiej legendy. I podobnie jak w Gliwicach, także w Łodzi przy „Send Me an Angel” oraz „Wind of Change” tysiące fanów śpiewało refrney i nagrywało najbardziej charakterystyczne ballady świata, aby móc do nich wracać, kiedy tylko zechcą.
Finał koncertu przyniósł kolejną dawkę energii. „Big City Nights”, a następnie bisy – „Blackout” i „Rock You Like a Hurricane” – zamieniły łódzką halę w wielką, rockową społeczność. Publiczność śpiewała, klaskała i nie chciała pozwolić zespołowi zejść ze sceny.
- Scorpions są legendą, ale swoją historię wciąż piszą. To jeden z niewielu zespołów na świecie, który działa nieprzerwanie już siódmą dekadę. A po gliwickim i łódzkim koncercie jedno jest pewne: Scorpions nadal potrafią grać na sto procent. I nadal mają dla kogo grać. Niech ta historia wciąż trwa! – podsumował Mateusz Pawlicki z Prestige MJM.