Ellie Goulding, autorka światowych hitów „Love Me Like You Do”, „Burn” i „Lights”, wystąpi na Colours of Ostrava 2027! Jedna z najpopularniejszych brytyjskich wokalistek pop pojawi się na festiwalu 23 lipca, a do Ostrawy przyjedzie z nowym albumem „I Know Too Much”, wydanym we wrześniu 2026 roku. Jej koncert to kolejna mocna pozycja w programie przyszłorocznej edycji wydarzenia, którego pierwszym ogłoszonym headlinerem został Robbie Williams. Colours of Ostrava odbędzie się w dniach 21–24 lipca 2027 roku w niezwykłej przestrzeni postindustrialnego kompleksu Dolní Vítkovice.
Ellie Goulding od lat należy do czołówki brytyjskiej sceny pop. Międzynarodową rozpoznawalność przyniósł jej utwór „Lights”, a kolejne lata umocniły jej pozycję dzięki takim hitom jak „Burn” i „Love Me Like You Do”. Jej przeboje regularnie rozbrzmiewają na antenach najpopularniejszych stacji radiowych, a utwory artystki można usłyszeć także w filmach, serialach, reklamach i produkcjach dokumentalnych. Ellie Goulding należy obecnie do 50 najczęściej streamowanych artystów na Spotify.
Podczas Colours of Ostrava artystka wystąpi w piątek 23 lipca, trzeciego dnia festiwalu. Jej koncert będzie długo wyczekiwanym powrotem do Ostrawy – w 2023 roku wokalistka musiała odwołać swój występ z powodów zdrowotnych.
– W 2023 roku Ellie Goulding zachorowała i w ostatniej chwili odwołała swój koncert w Ostrawie. Bardzo zależało nam na tym, by umożliwić naszym fanom udział w jej występie. Przez długi czas prowadziliśmy rozmowy z przedstawicielami artystki, szukając odpowiedniego terminu. Udało się dopiero teraz, co cieszy nas tym bardziej, że Ellie przyjedzie z nowym albumem – mówi Filip Koštálek, dyrektor artystyczny Colours of Ostrava.
– Ellie Goulding jest jedną z najbardziej wyrazistych brytyjskich wokalistek. Łączy wyjątkowy talent wokalny z empatią i umiejętnością nawiązywania relacji z publicznością. Jej twórczość to coś więcej niż popowe przeboje – to także zdolność budowania prawdziwej więzi ze słuchaczami. Wierzę, że będzie to można poczuć również podczas jej koncertu w Dolních Vítkovicach. Spełniamy tym samym oczekiwania naszych fanów, a także członków zespołu organizacyjnego, którzy od dawna czekają na ten występ – dodaje.
Ellie Goulding miała wystąpić na Colours of Ostrava już w 2023 roku. Z powodów zdrowotnych wokalistka musiała jednak zrezygnować z koncertu w ostatniej chwili, a jej miejsce w programie głównej sceny zajął wówczas francuski muzyk Kavinsky. Od tamtego czasu wiele zmieniło się zarówno w życiu prywatnym artystki, jak i w jej karierze. Goulding została mamą dwójki dzieci, a we wrześniu 2026 roku wydała szósty album studyjny „I Know Too Much”. Jej powrót do Ostrawy będzie okazją, by usłyszeć na żywo nie tylko dobrze znane przeboje, lecz także nowszy materiał. Występ na Colours of Ostrava będzie trzecią wizytą Ellie Goulding w Czechach, a zarazem jej pierwszym koncertem festiwalowym w tym kraju.
Organizatorzy uruchomili również sprzedaż Meltingpot Priority Passów, które kosztują 890 koron czeskich. Zapewniają one pierwszeństwo wejścia na dyskusje w ramach forum Meltingpot, dostęp do Meltingpot Lounge oraz wcześniejszą możliwość rezerwacji miejsc na spektakle teatralne. W cenie uwzględniono także bezpłatny dostęp do kanału HeroHero, na którym publikowane są nagrania debat z poprzedniej edycji wydarzenia.
Przyszłoroczna edycja Colours of Ostrava odbędzie się w dniach 21–24 lipca 2027 roku w postindustrialnym kompleksie Dolní Vítkovice w Ostrawie. Czterodniowy festiwal łączy koncerty gwiazd światowej i czeskiej sceny muzycznej z teatrem, sztuką oraz programem dyskusyjnym. Jego ważną częścią będzie forum Meltingpot, które w 2027 roku odbędzie się już po raz dziesiąty.
Wśród dotychczas ogłoszonych artystów znalazł się Robbie Williams, a teraz do line-upu dołącza Ellie Goulding. Kolejne ogłoszenia będą stopniowo odsłaniać program wydarzenia, które łączy muzykę z różnorodnymi doświadczeniami kulturalnymi.
Bilety na Colours of Ostrava 2027 są już dostępne w drugiej puli cenowej. Szczegółowe informacje oraz sprzedaż wejściówek można znaleźć na stronie colours.cz.
Publiczność usłyszy nie tylko ich autorskie 64 wersy, ale także największe numery artystów w specjalnie przygotowanych aranżacjach. Główną część wydarzenia będzie można oglądać na żywo na YouTube od godz. 20:15. Ostatnie bilety na show dostępne są w serwisie Goinapp.
Red Bull 64 Bars Live – nie tylko 64 wersy
Red Bull 64 Bars Live przenosi znaną z internetowej serii formułę ze studia na wielką scenę. Tym razem 64 autorskie wersy to dopiero początek – artyści zaprezentują również utwory ze swojego repertuaru, a część z nich zabrzmi w nowych aranżacjach przygotowanych specjalnie na tę okazję.
Wydarzenie zostało zaprojektowane jako około dwugodzinne rapowe show, w którym poszczególne występy połączą się w jedną całość. Nie będzie to więc seria standardowych koncertów, lecz widowisko z własnym tempem, energią publiczności i nieoczekiwanymi momentami na scenie. Wiele szczegółów wciąż owianych jest tajemnicą.
Zanim rozpocznie się główne show, na scenie pojawią się zwycięzcy Red Bull 64 Bars Challenge. Seoboeasy, wybrany przez Tomba, Matiorzel, wskazany przez ekipę Red Bulla oraz Kazek, który zwyciężył w głosowaniu internautów, przejdą drogę od mobilnego studia do TAURON Areny Kraków
Za muzyczną produkcję show odpowiada Kubi Producent, który pojawi się na scenie również z własnym materiałem. Wydarzenie zgromadzi artystów reprezentujących różne style i pokolenia polskiego rapu, dając im przestrzeń zarówno do zaprezentowania swoich wersów, jak i dobrze znanych utworów.
Red Bull 64 Bars Live również na ekranach
W wydarzeniu będzie można uczestniczyć nie tylko z trybun TAURON Areny Kraków. Główne show będzie transmitowane na żywo na YouTube, dzięki czemu fani rapu z całej Polski będą mogli śledzić występy w czasie rzeczywistym.
Transmisja rozpocznie się 24 października o godz. 20:15. To właśnie wtedy wystartuje główna część Red Bull 64 Bars Live – przygotowana specjalnie na tę okazję produkcja łącząca charakterystyczną formułę 64 wersów z koncertowym rozmachem i największymi numerami artystów. Widzowie przed ekranami będą mogli śledzić wydarzenie na bieżąco, razem z publicznością zgromadzoną w TAURON Arenie.
Link do transmisji na żywo: https://www.youtube.com/@RedBullWersy
Ze studia na scenę. Tylko surowe wersy
Red Bull 64 Bars to globalny format, który narodził się w 2015 roku w Red Bull Studios w Auckland z inicjatywy nowozelandzkiego rapera Davida Dallasa. Jego zasady są proste: 64 autorskie wersy, bez refrenu i bez kompromisów. W centrum pozostają tekst, flow, technika i osobowość rapera.
Polska seria online zadebiutowała w 2024 roku, a Red Bull 64 Bars Live po raz pierwszy przenosi ten format na pełnowymiarową scenę. Koncert w Krakowie rozwija jego pierwotną ideę, łącząc surową formę rapowego występu z energią dużego widowiska. Hasło „Ze studia na scenę. Tylko surowe wersy” zyskuje dzięki temu nowy wymiar – zarówno dla publiczności na miejscu, jak i widzów oglądających transmisję online.
Informacje organizacyjne
Data: 24 października 2026 r.
Miejsce: TAURON Arena Kraków
• 17:30 – otwarcie bram
• 19:30 – show zwycięzców Red Bull 64 Bars Challenge
• 20:15 – start głównego show i transmisji na żywo na YouTube
Więcej informacji o wydarzeniu: https://www.redbull.com/pl-pl/events/red-bull-64-bars-live
W którym roku ukazała się płyta " Królowie życia"?
Odpowiedzi należy wysyłać na adres:konkursy@wyspa.fm
Rozwiązanie konkursu 21.10 po 18:00.
Koncert odbędzie się 24.10.2026 w Katowicach.
Więcej o wydarzeniu TUTAJ.
Choć oficjalne obchody 45-lecia Lady Pank wystartowały w zeszłym roku, rock'n'rollowej energii nie da się zamknąć w sztywnych ramach kalendarza! Zespół postanowił przedłużyć jubileuszowe świętowanie i zaprasza na specjalny koncert w gdańskim klubie B90, który odbędzie się 23 kwietnia 2027 roku. To wyjątkowa okazja, by jeszcze raz wspólnie uczcić ponad cztery dekady obecności na scenie jednej z najważniejszych polskich formacji rockowych. Bilety na koncert właśnie trafiły do sprzedaży!
Ten wieczór jak żaden inny przeprowadzi nas przez pełną rock'n'rolla historię grupy. O mniej lub bardziej znanych momentach, które tworzyły ją na przestrzeni ponad czterech dekad, opowiedzą ze sceny sami muzycy Lady Pank. Zarówno dla nich, jak i dla słuchaczy będzie to podróż pełna osobistych wspomnień i potężnych emocji. Podczas występu w B90 usłyszymy największe, ponadczasowe przeboje, które na stałe weszły do kanonu polskiej muzyki i łączą ponad podziałami kolejne pokolenia fanów, a także utwory z wydanego z okazji jubileuszu albumu studyjnego (zapowiedzianego singlami „Motyle" i „Uciekaj").
45-LECIE LADY PANK
23 kwietnia 2027, B90
ul. Elektryków 4, Gdańsk
Bilety dostępne w kasie klubu oraz w sprzedaży internetowej: www.ticketclub.pl.
Wczorajszy wieczór, 18 października 2026 roku, w katowickim Spodku zdecydowanie należał do tej drugiej kategorii. Grzegorz Skawiński i Waldemar Tkaczyk świętowali 50-lecie pracy artystycznej podczas koncertu „Królowie Życia”. I muszę przyznać, że był to wieczór, który przypomniał mi, jak wielką siłę ma muzyka towarzysząca nam przez lata.
Pięćdziesiąt lat na scenie. Brzmi imponująco, prawda? Ale kiedy patrzy się na Grzegorza Skawińskiego i Waldemara Tkaczyka, trudno uwierzyć, że za nimi aż pół wieku muzycznej historii. Bo energia, którą wczoraj zaprezentowali, mogłaby zawstydzić niejednego znacznie młodszego artystę.
Od pierwszych dźwięków było wiadomo, że nie będzie to zwykły koncert jubileuszowy, podczas którego artyści jedynie odcinają kupony od dawnych sukcesów. Wręcz przeciwnie! Było żywiołowo, momentami nostalgicznie, chwilami bardzo rockowo, ale przede wszystkim autentycznie.
Skawiński? Klasa sama w sobie!
Nie będę ukrywać, Grzegorz Skawiński zrobił na mnie ogromne wrażenie. On jest po prostu w świetnej formie! Jego charakterystyczny głos, gitarowe solówki i sceniczna swoboda sprawiają, że trudno oderwać od niego wzrok. Nie ma w tym nic wymuszonego. Jest za to doświadczenie, charyzma i ta niezwykła pewność, którą zdobywa się przez dziesięciolecia grania na scenie. A kiedy Skawiński sięga po gitarę i zaczyna grać, od razu wiadomo, z kim mamy do czynienia. To brzmienie jest nie do podrobienia.
Waldemar Tkaczyk? Jak zawsze znakomity! Jego bas może nie zawsze wysuwa się na pierwszy plan, ale to właśnie on nadaje muzyce odpowiedni puls i charakter. Uwielbiam takie granie – bez zbędnego popisywania się, za to z ogromnym wyczuciem i muzyczną klasą. Skawiński i Tkaczyk to duet, który rozumie się na scenie niemal bez słów. Po pięćdziesięciu latach wspólnego grania trudno się temu dziwić.
Nie mogę też pominąć Adama Tkaczyka. Jego solo perkusyjne było jednym z tych momentów, które naprawdę zapadają w pamięć. Energia, precyzja, tempo i świetna technika. Publiczność nagrodziła go wielkim aplauzem i absolutnie zasłużenie! Takie chwile przypominają, jak wielką przyjemnością jest słuchanie muzyki granej na żywo przez naprawdę dobrych instrumentalistów.
Świetne w tym koncercie było dla mnie to, jak naturalnie przeplatały się różne muzyczne światy. Z jednej strony wielkie przeboje Kombi, z drugiej mocniejsze, rockowe kompozycje z czasów O.N.A.
I nagle okazuje się, że człowiek zna niemal wszystko. Że wystarczy kilka pierwszych taktów, by przypomnieć sobie nie tylko tekst, ale też czas i miejsce, z którym dana piosenka się kojarzy.
Patrząc na publiczność, miałam wrażenie, że każdy przyszedł do Spodka z własną historią zapisaną w tych utworach. Jedni pamiętają Kombi z lat młodości, inni dorastali przy O.N.A., a jeszcze inni odkrywali te piosenki znacznie później. I właśnie to jest w muzyce najpiękniejsze. Łączy ludzi, którzy na co dzień mogą mieć ze sobą niewiele wspólnego.
Jednym z najbardziej sentymentalnych momentów wieczoru było dla mnie wykonanie „Bez ograniczeń energii”, utworu doskonale znanego jako czołówka kultowego programu telewizyjnego „5-10-15”.
Przez niemal 25 lat, od 18 grudnia 1982 roku do 26 maja 2007 roku, ta melodia była motywem przewodnim programu dla dzieci i młodzieży emitowanego w TVP1 i TVP2.
Wystarczyło usłyszeć te charakterystyczne dźwięki, by myślami przenieść się do czasów, kiedy sobotnie poranki spędzało się przed telewizorem, a „5-10-15” było jednym z obowiązkowych punktów weekendu. Niby tylko instrumentalny utwór, a ile wspomnień! I chyba właśnie takie muzyczne niespodzianki lubię na koncertach najbardziej.
Mery Spolsky i Michał Szpak: ciekawe spojrzenie na repertuar O.N.A.
Jubileuszowy wieczór uświetnili również zaproszeni goście. Jako pierwsza na scenie pojawiła się Mery Spolsky, rozpoczynając utwór „Znalazłam” z repertuaru O.N.A. Było to interesujące spotkanie dwóch muzycznych światów. Mery, ze swoją charakterystyczną ekspresją i sceniczną osobowością, wniosła do tej kompozycji własną energię. Lubię, kiedy artyści nie próbują za wszelką cenę kopiować oryginału, lecz interpretują go na swój sposób. Tutaj właśnie to było najciekawsze.
Później przyszedł czas na Michała Szpaka, który wykonał „Drzwi” oraz „Kiedy powiem sobie dość”. Przyznam, że byłam szczególnie ciekawa, jak poradzi sobie z repertuarem tak mocno kojarzonym z Agnieszką Chylińską. To przecież utwory pełne emocji, charakteru i rockowej zadziorności.
Szpak postawił na swoją największą siłę, czyli ekspresyjny wokal i emocjonalną interpretację. Wprawdzie twierdził, że nie jest w najlepszej formie wokalnej, lecz kompletnie nie było tego słychać. Michał nie próbował być drugą Chylińską, co zdecydowanie wyszło tym wykonaniom na dobre. Jego głos nadał obu kompozycjom nieco inny wymiar, a jednocześnie zachował ich wyjątkowość.
Oba gościnne występy były ciekawym urozmaiceniem koncertu i pokazały, że utwory O.N.A. wciąż mają ogromny potencjał, również w nowych interpretacjach.
A potem przyszedł finał. Cztery potężne hity i końcowe „Pokolenie”. Nie wiem, czy można było wybrać lepszy utwór na zakończenie koncertu z okazji pięćdziesięciolecia pracy artystycznej.
W pewnym momencie właściwie nie miało już znaczenia, kto stoi na scenie, a kto na widowni. Śpiewali wszyscy. Ludzie na trybunach, ludzie pod sceną. Każdy znał słowa, każdy chciał być częścią tej chwili. Ja sama śpiewałam je prawie wszystkie.
Bo przecież te piosenki były z nami w różnych momentach życia. Przy pierwszych miłościach, rozstaniach, spotkaniach z przyjaciółmi, w samochodzie, w radiu, i na koncertach. Czasem nawet nie zdajemy sobie sprawy, jak mocno wrosły w naszą codzienność.
Pięćdziesiąt lat minęło. I co dalej?
Wracając myślami do tego koncertu, najbardziej zapamiętam nie tylko świetne wykonania i muzyczne niespodzianki, ale przede wszystkim atmosferę. To niezwykłe, że po pięćdziesięciu latach można nadal wychodzić na scenę z taką energią i sprawiać, że publiczność śpiewa niemal każdy utwór. Bez względu na to, czy pochodzi on z czasów Kombi, O.N.A., czy późniejszego okresu twórczości muzyków.
Grzegorz Skawiński nadal zachwyca formą, Waldemar Tkaczyk niezmiennie imponuje klasą, a cały zespół udowadnia, że muzyka grana z pasją nie starzeje się nigdy.
I wiecie co? Patrząc wczoraj na ludzi śpiewających wspólnie „Pokolenie”, pomyślałam sobie, że właśnie na tym polega fenomen Skawińskiego i Tkaczyka. Oni nie tylko tworzyli przeboje. Oni przez pięćdziesiąt lat tworzyli ścieżkę dźwiękową naszego życia.
A po wczorajszym koncercie w katowickim Spodku mam tylko jedną refleksję: skoro tak brzmi pięćdziesiąt lat na scenie, to ja poproszę o kolejne! Zresztą… Skawiński przecież obiecał.
Te nowo dodane wydarzenia są częścią cieszącej się uznaniem europejskiej części trasy koncertowej, organizowanej przez Cherrytree Music Company i Live Nation.
Wraz z wieloletnim gitarzystą Dominikiem Millerem i pełnym energii perkusistą Chrisem Maasem (Mumford & Sons, Maggie Rogers), Sting na nowo interpretuje swoje najbardziej lubiane hity, przekształcając każdy z nich w zwięzłą, pełną energii kompozycję w wykonaniu trio, która w pełni wykorzystuje potęgę jego głosu i talentu kompozytorskiego.
Sting ogłasza 4 koncerty w Polsce w ramach trasy „STING 3.0”!
06.06.2027 - PreZero Arena Gliwice
07.06.2027 - ERGO ARENA, Gdańsk/Sopot
09.06.2027 - TAURON Arena Kraków
10.06.2027 - Atlas Arena, Łódź
FAN CLUB Pre-sale: wtorek, 20 października o godz. 10:00
Przedsprzedaż Mastercard Pekao: środa, 21 października o godz. 9:00
Przedsprzedaż Ticketmaster: czwartek, 22 października o godz. 10:00
Sprzedaż ogólna: piątek, 23 października o godz. 10:00 na www.LiveNation.pl i www.Sting.com
Więcej informacji na www.LiveNation.pl
Twórcy niezapomnianych rockowych przebojów wystąpią 27 lipca w Tauron Arenie Kraków. W późniejszym terminie ogłosimy także gościa specjalnego.
Toto to zespół, który zna każdy – nawet nie tylko fani rocka, ale po prostu wszyscy. Nie da się żyć na naszej planecie i nie znać tak kanonicznych utworów jak „Africa" czy „Hold the Line"...
Powstała w Los Angeles kapela przyjedzie do nas w wyjątkowym składzie. Oprócz niezmordowanych filarów w postaci gitarzysty Steve'a Lukathera i wokalisty Josepha Williamsa zobaczymy u ich boków innych utytułowanych artystów.
Na rogu i perkusjonaliach zagra Warren Ham, który oprócz członkostwa w Toto ma także staż w Kansas, a do tego jest członkiem Ringo Star & His All-Starr Band. Bas obsłuży John Pierce mający w CV współpracę m.in. z Huey Lewis & the News, Cher, Alice Cooperem czy Mickiem Jaggerem. Za perkusją zasiądzie Keith Carlock, czyli muzyk znany z kooperacji ze Steely Dan, Stingiem czy Jamesem Taylorem. Partiami klawiszowymi i chórkami zajmą się Dennis Atlas i Ray Thistlethwayte.
Bilety na koncert będą dostępne w sieci eBilet.pl kolejno od:
20 października (wtorek) o 10:00 – w trybie Artist presale
21 października (środa) o 10:00 – w trybie Promoter Presale
23 października (piątek) o 10:00 – w sprzedaży otwartej
Kiedy: 27 lipca (wtorek) 2027
Gdzie: Kraków @ Tauron Arena Kraków, ul. Stanisława Lema 7
Bilety: 249-449/270-470 zł – miejsca siedzące
Organizator: Knock Out Productions
Dzień przed walentynkami Kamil Bednarek wystąpi na scenie warszawskiej Stodoły z koncertem "Światło między nami". W repertuarze nie zabraknie największych przebojów artysty, które od lat towarzyszą słuchaczom w ważnych momentach. Pojawią się też nowe utwory. Wśród nich singiel „Mirakuru", którego premiera planowana jest na przełomie października i listopada. Atmosferę tego wieczoru dopełni subtelna oprawa sceniczna.
Scenę rozświetlą lodowe świece, które nadadzą wieczorowi wyjątkowy klimat. Nie możecie tego przegapić. Bilety na koncerty właśnie trafiły do sprzedaży!
Kamil Bednarek pochodzi z Brzegu, a muzyką zajmuje się od czasów szkolnych. Zaczynał jako wokalista reggae'owego zespołu Star Guard Muffin, z którym wygrywał festiwalowe konkursy i szybko zbierał pierwszych fanów. Szerokiej publiczności przedstawił się w 2010 roku w programie „Mam Talent", gdzie dotarł do finału i zajął drugie miejsce. Debiutancki album „Szanuj" trafił na szczyt polskiej listy sprzedaży. Rok później zespół odbył inspirującą podróż na Jamajkę, gdzie w legendarnym studio Tuff Gong nagrali maxisingiel „Jamaican Trip" z udziałem czołowych jamajskich muzyków, takich jak Capleton, Dean Fraser czy The Tamlins.
Od 2012 roku występuje pod szyldem BEDNAREK. Płyta „Jestem" również zadebiutowała na pierwszym miejscu i uzyskała miano diamentowej płyty, a kolejny album, „Oddycham", częściowo powstawał na Jamajce. Z czasem artysta odszedł od czystego reggae w stronę szeroko rozumianego popu, nie tracąc przy tym charakterystycznego, ciepłego brzmienia.
W 2017 roku Bednarek założył własną wytwórnię Space Records, a wydany nakładem jego labelu album „Talizman" już po miesiącu od premiery pokrył się złotem. Rok później wraz z zespołem wystąpił w projekcie MTV Unplugged, z którego powstał album „MTV Unplugged BEDNAREK", drugie wydawnictwo opublikowane przez artystę własnym sumptem. Rok 2019 przyniósł kolejną zmianę: w ramach projektu #bednarekinaczej Kamil nawiązał współpracę z pianistą, kompozytorem i producentem Janem Smoczyńskim oraz zaprosił do wspólnego grania nowych artystów i muzyków. Efektem jest m.in. singiel „Bądź przy mnie", który po dwóch tygodniach od premiery zdobył status złotej płyty. Kolejne utwory, takie jak „Momenty", „Wojownik Światła" czy „Pull Up", zapowiedziały album „INACZEJ", który ukazał się w 2021 roku.
Kamil Bednarek pozostaje jednym z najbardziej rozpoznawalnych polskich artystów, którego twórczość stale ewoluuje, łącząc pasję, autentyczność i nowoczesne brzmienia. 13 lutego 2027 roku powróci na scenę warszawskiej Stodoły, by w walentynkowy wieczór spędzić czas wspólnie z publicznością.
Płyta stanowi oficjalny debiut artystki w barwach wytwórni Atlantic Records i jest otwarciem zupełnie nowego, dojrzałego rozdziału w jej karierze.
Nowy materiał kontynuuje sukces uznanej trylogii albumów — „Ashlyn” (2021), „Rae” (2022) oraz utrzymanego w klimacie muzyki z Nashville „Willson” (2024). Przy tworzeniu najnowszego krążka Ashe ponownie połączyła siły ze swoim długoletnim producentem Noah Conradem (odpowiedzialnym m.in. za sukcesy Chappell Roan, Role Model czy BTS), z którym stworzyła wcześniej m.in. przełomowy, platynowy singiel „Moral Of The Story”.
Wydanie albumu poprzedziła seria sukcesów singlowych. Otwierający promocję płyty przebojowy singiel „Stop The Wedding!” odniósł sukces w serwisach streamingowych, trafiając na czołowe playlisty oraz do zestawienia TOP 50 trendujących dźwięków na platformie TikTok. Kolejną ważną zapowiedzią krążka był nastrojowy utwór „Funeral”.
Sama artystka podkreśla wyjątkowy i osobisty charakter materiału zgromadzonego na „The Girl Of Your Dreams”:
– Mam poczucie, że próbowałam napisać 'The Girl Of Your Dreams' przez całe moje życie – wyjaśnia Ashe. – W końcu zrobiła to najzdrowsza, aktualna wersja mnie samej, co w efekcie dało mi mnóstwo wolności, by być zabawną i dramatyczną, i ze złamanym sercem, ale bez lęku przed tym wszystkim. Znalazły się tu fragmenty każdej wersji mnie samej, ale po raz pierwszy nie czuję, żebym próbowała stać się kimś innym albo uciec od samej siebie. To najlepsza rzecz, jaką kiedykolwiek stworzyłam – wyznaje artystka.
Album łączy filmowy rozmach aranżacyjny z opowieściami o emocjonalnym chaosie codzienności, tworząc spójną i poruszającą całość.
W 2004 roku Justin Warfield i Adam Bravin zadali sobie pytanie: "Jak brzmiałoby Joy Division, gdy grało bardziej taneczną muzykę?". Tak powstał projekt She Wants Revenge, głęboko czerpiący z post-punku, gotyckiego rocka i darkwave'u, ale też electroclashu. Jak się okazało, był to strzał w dziesiątkę: szybko wyhaczył go Fred Durst z Limp Bizkit i zakontraktował w swojej Flawless Records. W pierwszym klipie, do utworu "These Things", wystąpiła Shirley Manson z Garbage, a kolejny, do "Tear You Apart", wyreżyserował Joaquin Phoenix. Ta druga kompozycja dotarła do 6. miejsca na liście Billboard Alternative Chart, a po premierze debiutanckiego albumu grupa wyruszyła w trasę u boku Depeche Mode oraz Placebo. Trudno o lepszy początek działalności!
W kolejnych latach funkcjonowania bynajmniej nie działo się mniej. Grupa współpracowała z Timbalandem, a jej muzyka trafiała do filmów i seriali. Szczególny rozgłos przyniosło "Tear You Apart", które znalazło się w serialu "American Horror Story: Hotel" na osobistą prośbę Lady Gagi. Na koncie She Wants Revenge znajdziemy trzy albumy studyjne, z których ostatni, "Valleyheart", ukazał się w 2011 roku. Złapanie Amerykanów na koncercie nie jest łatwą sprawą, dlatego tym bardziej warto wypatrywać ich powrotu do Polski!
SHE WANTS REVENGE
31.01.2027 / Warszawa, Palladium
BILETY: Promoter presale rozpocznie się w środę, 21 października o godzinie 10:00 na https://bit.ly/SHE_WANTS_REVENGE_WWA_PP
Otwarta przedsprzedaż biletów rozpocznie się w piątek, 23 października o godzinie 10:00 na https://bit.ly/SHE_WANTS_REVENGE_WWA
To The Beach Boys z okresu „SMiLE”, wyposażeni w arsenał brzmień z „Endtroducing”. Znakomite – Record Collector
The Avalanches zajmują wyjątkowe miejsce w panteonie muzyki pop – Monocle
Na swoim czwartym albumie „No Bad Memories” The Avalanches eksplorują magiczny punkt przecięcia reklamy, pamięci i nostalgii, przyglądając się temu, jak dżingle, spoty reklamowe i odgłosy technologii niepostrzeżenie wpisują się w nasze życie, stając się nieodłączną częścią wspomnień, którym towarzyszą. Przekształcając te zapomniane dźwiękowe drobiazgi w coś ciepłego, euforycznego i głęboko ludzkiego, zespół nadaje korporacyjnym identyfikacjom dźwiękowym nowy wymiar, ukazując je jako radosne portale prowadzące do wspomnień z dzieciństwa i pamięci zbiorowej.
To charakterystyczny dla The Avalanches kalejdoskopowy świat, pełen ciepłych głosów – niektórych pochodzących z sampli, innych należących do niezwykłego grona gości, wśród których znaleźli się Karen O, John Glacier i Rivers Cuomo. Wśród znakomitych współpracowników i producentów, dobrze znanych miłośnikom roztańczonych parkietów, są Barry Can’t Swim, Jamie xx i Loaded Honey. Niektórzy z nich sami są wirtuozami tworzenia muzyki z podobnych cyfrowych resztek, jak pionier glitchtroniki Ryoji Ikeda, odważny multiinstrumentalista Portraits Of Tracy, założyciel Yellow Magic Orchestra Haruomi Hosono czy tunezyjska prekursorka footworku Khadija Al Hanafi. Inni, jak kompozytorka muzyki elektronicznej Suzanne Ciani, pomogli ukształtować sam język dźwiękowy współczesnej reklamy dzięki pionierskim pracom nad identyfikacją dźwiękową takich firm jak Coca-Cola i Atari.
„No Bad Memories” jest połączeniem zabawowego charakteru, emocjonalności i konceptualnej ambicji. Artyści badają na nowym albumie, co się dzieje, gdy ulotne dźwięki kultury konsumpcyjnej stają się jednymi z najtrwalszych wspomnień, jakie nosimy w sobie.
– Nasz album „No Bad Memories” jest już dziś dostępny na całym świecie. Jesteśmy niezmiernie wdzięczni za nieustający entuzjazm i miłość, jakimi nasza muzyka cieszy się mimo upływu lat. Dziękujemy, że poświęcacie czas, by jej posłuchać. Mamy nadzieję, że sprawi wam przyjemność! – The Avalanches
Nowym singlem promującym krążek jest bazujący na niezwykle chwytliwym soulowym samplu „I Give Everything I Have 2 U” z udziałem Loaded Honey. Ten radosny i emocjonalny kawałek doskonale oddaje fascynację zespołu tym, jak fragmenty dźwięków mogą z czasem nabierać zupełnie nowych znaczeń. Piosence towarzyszy teledysk z udziałem Haleya Joela Osmenta, nakręcony w Tokio przez uznanego operatora filmowego Andrésa Arochiego („Long Legs”).
– Współpraca z naszym przyjacielem Haleyem nad teledyskiem do tego utworu była niezwykle ekscytująca. Nakręcenie wszystkiego w jednym ujęciu, z Haleyem próbującym przedrzeć się przez ruch uliczny w dzielnicy Shibuya i ogromną kamerą przymocowaną na zewnątrz przedniej szyby jego samochodu, to zdecydowanie nie jest złe wspomnienie – deklarują The Avalanches.
Świat „No Bad Memories” wykracza poza sam album. Niedawno ukazało się „Together (Remixes)”, zawierające nowe interpretacje pierwszego singla z płyty – pełnego glitchowych brzmień utworu „Together”. Kolejnymi singlami były „Can’t Get Over Losing You” oraz „Blue Shadows” z udziałem Karen O, a także pełne tanecznej energii „Every Single Weekend”, w którym do The Avalanches dołączył Jamie xx. Wyreżyserowany przez Jonathana zawadę teledysk do tego ostatniego utworu otrzymał właśnie nominację do nagrody ARIA 2026 w kategorii najlepszego teledysku.
The Avalanches wrócili na scenę, dając swój pierwszy w historii koncert w Meksyku. Zespół zapowiedział również występ w nowojorskim Terminal 5 (22 października), dwa wyprzedane koncerty w londyńskiej sali The Roundhouse w ramach Pitchfork Music Festival (listopad), a także zaplanowaną na marzec serię koncertów pod szyldem „No Bad Memories Live” w Australii.
W sierpniu The Avalanches zagrali set back-to-back z The Dare podczas jego imprezy Freakquencies we Francji. Wystąpili również jako didżeje na festiwalach All Together Now w Wielkiej Brytanii i Poplar we Włoszech, a także pojawili się niespodziewanie na kameralnych wydarzeniach w Londynie, Los Angeles, Sydney i Tokio.
The Avalanches tworzą Robbie Chater, Tony Di Blasi i Andy Szekeres. Niewielu artystów wywarło równie duży wpływ na współczesną muzykę elektroniczną i kulturę samplingu. Ich przełomowy debiut „Since I Left You” wyznaczył nowe standardy dla sampledelicznej produkcji XXI wieku i do dziś pozostaje jednym z najbardziej cenionych albumów epoki.
Dorobek grupy obejmuje ponad milion sprzedanych albumów oraz ponad 700 milionów streamów na całym świecie. Sukces debiutu umocniły kolejne wysoko oceniane wydawnictwa — „Wildflower” oraz „We Will Always Love You”. The Avalanches zbudowali również globalną społeczność fanów i status kultowego zespołu. W 2024 roku grupa pojawiła się gościnnie na albumie Jamie xx „In Waves” w utworze „All You Children”.
W pełnoletność wydarzenie wchodzi w towarzystwie ikon światowej elektroniki i post-punka oraz czołówki polskiej sceny alternatywnej. Oprócz koncertów ma dla uczestników jubileuszowe spotkania, projekty specjalne, wystawę czy pokaz filmowy.
Międzynarodowy Festiwal Producentów Muzycznych Soundedit od osiemnastu lat udowadnia, że prawdziwa magia muzyki rodzi się w zaciszu nagraniowego studia. Wydarzenie łączy to, co w dzisiejszej muzyce najbardziej nowatorskie, z głębokim ukłonem w stronę legendarnych brzmień. W programie m.in.: pożegnalny koncert Lecha Janerki, występ Hugh Cornwella – kultowego głosu The Stranglers, materiał Soft Cell w wykonaniu Marca Almonda, jedyny w Polsce występ Howiego B. czy poświęcony Ciechowskiemu projekt Kasi Lins. Poza koncertami, drugim równie istotnym filarem, na którym stoi międzynarodowa renoma Soundedit, są branżowe warsztaty i szkolenia, rokrocznie przyciągające ponad dwa tysiące uczestników zainteresowanych nowoczesnymi technologiami audio. Ta edycja Festiwalu wychodzi także poza klub Wytwórnia i zawita do Galerii Łódzkiego Towarzystwa Fotograficznego (ul. Piotrkowska 102) z wystawą „Ostatnia eskadra" Roberta Laski oraz do kina Charlie (ul. Piotrkowska 203/205), które wyświetli pierwszy film dokumentalny o Lechu Janerce. Zapowiada się festiwal elektryzujących premier i sentymentalnych powrotów.
Festiwalowy maraton zainauguruje w piątek (23 października) wspomniana „Ostatnia eskadra" – wystawa fotografii Roberta Laski to osobisty, a zarazem pokoleniowy portret dorastania w latach 80. Wernisaż w Galerii ŁTF wprowadzi w koncertowy nastrój wieczoru w klubie Wytwórnia, który przyniesie niezwykłe zderzenie nowych interpretacji twórczości ikon polskiej sceny z klubową awangardą. Wydarzenie otworzy występ laureata konkursu New Gens Music, po którym zagra duet Maszynowa – Marcin Pryt i Grzegorz Fajngold zaprezentują materiał z krążka „Supernova". Chwilę później Kasia Lins w projekcie „Obywatelka K.L." przedstawi mroczne, pozbawione sentymentalizmu odczytanie kompozycji Grzegorza Ciechowskiego, grając m.in. na oryginalnym syntezatorze Yamaha EX5, należącym niegdyś do lidera Republiki. Piątkowy, taneczny finał zapewni legendarny brytyjski producent i DJ Howie B, który podczas jedynego występu w Polsce wykona swój najnowszy materiał.
Sobotni (24 października) wieczór zdominują postaci od dekad wyznaczające standardy w muzyce alternatywnej. W Łodzi pojawi się Marc Almond z pożegnalnym materiałem grupy Soft Cell z albumu „Danceteria", nagranym tuż przed śmiercią współzałożyciela formacji, Dave'a Balla. Kolejną gwiazdą będzie Wolfgang Flür, wieloletni perkusista Kraftwerk, prezentujący utwory z nowatorskiego projektu „TIMES". Sobotni line-up dopełni post-punkowa legenda wytwórni 4AD, The Wolfgang Press, z premierą albumu „Asylum Variations".
Tego samego dnia o godzinie 16:00 w kinie Charlie (ul. Piotrkowska 203/205) odbędzie się filmowy akcent festiwalu – projekcja dokumentu „Lech Janerka – Śpij, śpij inteligencie" połączona ze spotkaniem z artystą oraz reżyserem Grzegorzem Brzozowiczem.
Niedziela (25 października) upłynie pod znakiem bezkompromisowej energii i globalnych obchodów 50-lecia punk rocka. Na początek scenę przejmie grupa Dezerter, świętująca 45-lecie i promująca nowy album „Wolny wybieg". Nowofalowy klimat podtrzyma Hugh Cornwell, pierwszy wokalista The Stranglers, prezentując solowe kompozycje oraz ikoniczne przeboje macierzystego zespołu. Kulminacją festiwalu będzie występ Lecha Janerki – laureat nagrody Człowieka ze Złotym Uchem zagra swój ostatni koncert dla łódzkiej publiczności, wieńczący jego spektakularną karierę sceniczną. Niedzielę wzbogaci także debata o historii łódzkiego punka oraz koncert akustycznego duetu K-2 Ziemowita Kosmowskiego. Podczas finałowej gali wręczone zostaną statuetki Człowieka ze Złotym Uchem, którymi w tym roku uhonorowani zostaną Ziemowit Kosmowski, Bogdan Kondracki, Iggy Pop oraz pośmiertnie Robert Brylewski.
Właśnie twórczości Roberta Brylewskiego poświęcony będzie koncert w Studiu im. Henryka Debicha w Radiu Łódź (ul. prez. Gabriela Narutowicza 130). W poniedziałek (26 października) obchodząca 95-lecie rozgłośnia, swój jubileusz uczci projektem łączącym dziedzictwo Roberta Brylewskiego z wrażliwością współczesnego pokolenia odbiorców muzyki alternatywnej. Gościnnie pojawią się: Muniek Staszczyk (T.Love), Krzysiek Ostrowski (CKOD) i Dawid Karpiuk (Dziwna Wiosna).
Drugim, obok koncertów, filarem Festiwalu Soundedit jest jego część branżowa – od 25 do 27 października w klubie Wytwórnia i hotelu DoubleTree by Hilton (ul. Łąkowa 29) odbędzie się 160 bezpłatnych warsztatów i pokazów technologicznych. Rokrocznie do Łodzi przybywa ponad 1000 uczestników warsztatów, którzy będą mieć okazję m.in. przetestować najnowocześniejsze systemy immersyjne, poznać zastosowanie sztucznej inteligencji w obróbce dźwięku czy wziąć udział w prelekcjach ekspertów i mistrzowskich wykładach m.in. Bogdana Kondrackiego czy Leszka Biolika.
– Osiemnaście lat Festiwalu Soundedit pokazuje, jak niesamowitą drogę przeszliśmy razem z całą branżą. Od początku zależy nam na tym, by łączyć światy: topowych artystów, legendarnych realizatorów, inżynierów dźwięku i pasjonatów, którzy dopiero zaczynają swoją drogę. Statuetka Człowieka ze Złotym Uchem stała się rozpoznawalnym na świecie symbolem szacunku dla tych, którzy tworzą architekturę naszych ulubionych nagrań, a potem doznań. Zapraszam do Łodzi każdego, kto chce poczuć, jak muzyka i technologia łączą się, tworząc prawdziwą dźwiękową energię – mówi Maciej Werk, dyrektor Festiwalu Soundedit.
Karnety trzydniowe w cenie 499 zł oraz bilety jednodniowe są dostępne w sprzedaży w głównych systemach biletowych oraz bezpośrednio na stronie Klubu Wytwórnia. Szczegółowy harmonogram oraz aktualności publikowane są na stronie www.soundedit.pl
Wydarzenie realizowane jest przy wsparciu Miasta Łodzi oraz Łódzkiego Centrum Wydarzeń w ramach strategii promującej Łódź jako miasto branż kreatywnych.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego, w ramach programu „Muzyka", realizowanego przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca.
W poniedziałek 19 października płyty będzie można posłuchać przedpremierowo w kawiarni Tekla w Warszawie.
Tworzenie muzyki i śpiewanie naprawdę sprawiają, że czuję, że żyję – Michael Kiwanuka
Materiał na krążek został nagrany na początku 2025 r., a jego premiera została odłożona o niemal o rok z powodu trwających problemów zdrowotnych Michaela, o których artysta bezpośrednio poinformował swoich fanów w mediach społecznościowych. Kiwanuka odzyskuje sprawność po poważnym udarze.
„Sing” ukazało się wraz z teledyskiem, do którego zdjęcia nakręcono na latem ubiegłego roku w Maroku.
Po latach współpracy z Danger Mouse’em i Inflo artysta tym razem postanowił samodzielnie zasiąść za konsoletą. Prace nad płytą kończyli producent Dom Monks (Laura Marling, Big Thief) oraz Rosie Danvers – wieloletnia współpracowniczka Kiwanuki odpowiedzialna za partie smyczkowe.
„Fudge” powstawał niemal równolegle z materiałem na czwarty album Michaela, „Small Changes” z 2024 r., i stał się osobnym projektem, pozbawionym rozmachu i dodatków „dużego” studia, za to znacznie bardziej domowym i kameralnym. To piękna i nastrojowa płyta.
Wolny od zewnętrznej presji i ciężaru oczekiwań Michael tworzy muzykę wyłącznie z miłości do niej. Można wręcz powiedzieć, że nigdy wcześniej nie brzmiał lepiej.
To introspektywne, a zarazem bogato zdobione dzieło może być najlepszym albumem Kiwanuki w dotychczasowej karierze… – Uncut
Najnowszy singiel „Chodzisz po głowie” to podróż w głąb skomplikowanych relacji damsko-męskich, uzależnień oraz trudnych życiowych refleksji.
Karus konsekwentnie stawia na autentyczność - każdy z jego numer stanowi zapis osobistych doświadczeń, wniosków wyciąganych z życiowych zakrętów i szczerości wobec słuchacza. Utwór prezentuje zupełnie inne, bardziej refleksyjne oblicze rapera, co jest przedmsakiem pełnego wachlarza brzmień i emocji, jakimi dysponować będzie na nadchodzącej płycie. Produkcją zajął się Lot808 oraz mazereckless.
Premiera „Mr. 23” zbliża się wielkimi krokami, a tempo pracy Karusa nie zwalnia. Artysta nieustannie poszerza swoje uniwersum muzyczne, pracując równolegle nad kolejnymi wydawnictwami. W przygotowaniu są już projekty tworzone we współpracy z czołówką polskiej sceny rapowej i producenckiej.
Głód sukcesu i determinacja artysty wykraczają daleko poza studio nagraniowe. Karus intensywnie rozwija swoje media społecznościowe, dba o warstwę wizualną poprzez dopracowane teledyski oraz buduje tożsamość własnej marki. Mr. 23” będzie mocnym, wielowymiarowym debiutem.
Nu-metal z antypodów. W Ocean Grove chodzi o dobrą zabawę, a zespół jak najbardziej ją dostarcza. To skoczny, maksymalnie rozrywkowy zbiór piosenek, które od czasu do czasu podlane są obowiązkowym altrockowym refrenem i metalcore'owym zrywem dla zachowania proporcji. Gwarantujemy, że na ich koncercie będziecie skakać jak szaleni.
Ich najnowsza płyta to „Somewhere, in Between", a jej tytuł dobrze oddaje styl grupy. UnityTX grają coś między nu-metalem, pełnym beatdownowych zwolnień metalcore'em i trapem... Same ciosy, zero nudów. Z kolei Diamond Construct wzbogacają numetalowe wątki o brzmienia bliskie djentowi.
Bilety na koncert będą dostępne od 22 października (12:00) na Knock Out Music Store (druki kolekcjonerskie).
Kiedy: 7 marca (niedziela) 2027
Gdzie: Kraków @ Zaścianek, ul. Józefa Rostafińskiego 4
Bilety: 119/129 zł – przedsprzedaż, 150 zł – w dniu koncertu
Organizator: Knock Out Productions
Po wrześniowej premierze świetnie przyjętego maxisingla stworzonego wspólnie z VBS-em, warszawski raper serwuje kolejną nowość, w której bez wahania sięga po świeże, nowoczesne patenty brzmieniowe. Za warstwę muzyczną numeru odpowiada utalentowany producent OSXAR, co tylko potwierdza konsekwentny kurs Onara na połączenie wieloletniego doświadczenia z energią młodej sceny.
Nowy utwór to jeden z najbardziej intymnych i szczerych numerów w dorobku artysty. Onar otwarcie rozlicza się w nim z bolesnymi doświadczeniami i wyjątkowo trudnym okresem w swoim życiu. Nie ma tu jednak miejsca na bezradność czy tani pesymizm. Numer działa jak energetyczny impuls i świadectwo tego, że z każdego bagna można wyjść z podniesioną głową. “DOPPIO” to kop motywacyjny dla wszystkich, którzy potrzebują dziś dowodu, że z najgorszego kryzysu da się podnieść.
Ruchy Onara w ostatnich miesiącach pokazują wyraźne otwarcie na świeżą krew w polskim hip-hopie. Raper coraz śmielej i naturalniej odnajduje się we współpracach z twórcami młodego pokolenia - zarówno raperami, jak i producentami. Zaledwie w ubiegłym miesiącu fani mogli usłyszeć go u boku Barego w pełnym emocji utworze promującym producencki projekt Szweda Swd.
Onar dopiero łapie wiatr w żagle - w najbliższym czasie możemy spodziewać się kolejnych nowości, w tym co najmniej jednego, absolutnie zaskakującego połączenia artystycznego.
Płyta "Live in London" – wydawana po raz pierwszy! – ukaże się 13 listopada; już teraz można składać na nią zamówienia przedpremierowe. Album będzie dostępny na niebieskim winylu, płycie CD oraz w formatach cyfrowych.
Ponadto, 17 października – w ramach obchodów National Album Day – wersja winylowa trafi do sprzedaży wyłącznie na terenie Wielkiej Brytanii.
Wydawnictwo, które pojawia się w 10. rocznicę koncertu zespołu w londyńskiej O2 Arena (odbytego 29 października 2016 r.), stanowi zapis wyjątkowego wieczoru w historii grupy. Jest to również hołd dla współzałożyciela i gitarzysty Micka Ralphsa – występ ten był bowiem jego ostatnim koncertem z Bad Company.
To historyczne nagranie, zarejestrowane bezpośrednio z konsolety dźwiękowej, prezentuje Paula Rodgersa, Micka Ralphsa i Simona Kirke’a wykonujących utwory z całego dorobku zespołu – jednego z najbardziej znaczących katalogów w historii rocka. Na płycie znalazły się takie klasyki jak „Can't Get Enough”, „Feel Like Makin' Love”, „Rock 'n' Roll Fantasy”, „Shooting Star”, „Ready for Love”, „Run With the Pack”, „Burnin' Sky” oraz tytułowe „Bad Company”. Do albumu dołączono niepublikowane wcześniej zdjęcia z koncertu, reprodukcję oryginalnej setlisty oraz nowe komentarze autorstwa Paula i Simona, w których dzielą się oni swoimi wspomnieniami z tego występu, a także refleksjami na temat Micka i dziedzictwa zespołu.
Z powodów osobistych artystka musiała wprowadzić zmiany w swojej europejskiej trasie. Obejmują one również koncerty w Paryżu, Mediolanie i Sofii.
Obecnie trwają prace nad ustaleniem nowej daty koncertu w pierwszej połowie 2027 roku. Erykah Badu jest otwarta na przełożenie polskiego występu i wspólnie z jej managementem szukamy właściwego terminu. Gdy tylko nowa data zostanie potwierdzona, niezwłocznie przekażemy wszystkie szczegóły.
Jak piszą organizatorzy:
Zainteresowanie wydarzeniem było bardzo duże. Na koncert wyprzedały się prawie wszystkie bilety. Tym bardziej żałujemy, że na spotkanie z Erykah Badu będziemy musieli poczekać nieco dłużej.
Wszystkie zakupione bilety zachowują ważność i nie trzeba ich wymieniać. Zachęcamy do ich zachowania do czasu ogłoszenia nowej daty. Osoby, które nie będą chciały czekać na jej potwierdzenie, mogą skorzystać z możliwości zwrotu biletu. W tym celu należy skontaktować się z bileterią, w której dokonano zakupu.
Jest nam bardzo przykro z powodu zaistniałej sytuacji. Dziękujemy za Waszą cierpliwość, zaufanie i wyrozumiałość. Będziemy na bieżąco informować o wszystkich potwierdzonych ustaleniach i mamy nadzieję, że spotkamy się w Katowicach na koncercie Erykah Badu w 2027 roku
Artysta prezentuje właśnie swój najnowszy singiel „Lovestruck”, który jest już dostępny we wszystkich serwisach.
„Lovestruck” to energetyczny utwór, który eksploduje w pełnym euforii, barwnym refrenie. Mroczniejsze, gitarowe zwrotki spotykają się tu z wyrazistą popową wrażliwością, pewnością siebie i charakterystyczną dla Jamesa zadziornością. Piosenka opowiada o brawurze i ekscytacji towarzyszących zauroczeniu, które szybko komplikują się, gdy okazuje się, że obiekt uczuć może być już w związku. To połączenie emocjonalnej otwartości z dobrze znanym fanom Marriotta lirycznym pazurem. Szczery i bezkompromisowy, „Lovestruck” nie boi się odsłaniać emocji.
„Napisałem pierwszą wersję «Lovestruck» kilka lat temu” – opowiada James. „Początkowo był to cięższy, elektroniczny numer z syntezatorowym basem, a w refrenie wykrzykiwałem: «which one of you fuckers wants your bank robbed»! Później odłożyłem ten kawałek na jakiś czas, aż pewnego dnia słuchałem «1979» The Smashing Pumpkins i pomyślałem, że warto do niego wrócić. Tekst opowiada o pewności siebie, która pojawia się, kiedy kogoś poznajesz, i o ego, które w takich sytuacjach potrafi urosnąć – tylko po to, żeby okazało się, że osoba, którą jesteś zainteresowany, jest już w związku z kimś, z kim, zdaniem bohatera piosenki, wcale być nie powinna. Spędziłem wiele godzin, próbując zastąpić wers «which one of you fuckers wants your bank robbed», ale nic innego nie działało równie dobrze. Dla mnie to bardzo szczera piosenka.”
Premierze singla towarzyszy również oficjalny teledysk. „Chciałem, żeby szczerość tej piosenki znalazła odzwierciedlenie także w teledysku. Przez kilka dni uczyłem się tańczyć – raczej kiepsko – a pomysł na klip stylizowany na jedno ciągłe ujęcie sprawił, że ten teledysk mocno różni się od większości moich wcześniejszych. Uwielbiam zarówno klip, jak i samą piosenkę!” – dodaje James.
James wyruszy także w ogromną trasę koncertową obejmującą 47 koncertów w Wielkiej Brytanii, Stanach Zjednoczonych i Europie. Będą to jedne z największych występów w jego dotychczasowej karierze. Wiele koncertów zostało już wyprzedanych, a ogromne zainteresowanie sprawiło, że część wydarzeń przeniesiono do większych obiektów oraz dodano kolejne daty. Jednym z najważniejszych punktów trasy będzie wyjątkowy koncert w londyńskiej OVO Wembley Arena, 9 kwietnia. Podczas trasy koncertowej artysta odwiedzi też Warszawę – z polskimi fanami spotka się 7 maja w Progresji.
Poprzedni singiel „Burn Down The Disco” spotkał się z bardzo dobrym przyjęciem i już w tygodniu premiery został wybrany przez BBC Radio 1 „Track Of The Week”. Teraz tę samą ścieżkę kontynuuje „Lovestruck”, który również otrzymał tytuł utworu tygodnia stacji.
Album „Warning Signs” powstawał w okresie wyjątkowego rozpędu w karierze Jamesa. Po sukcesie drugiej płyty „Don’t Tell The Dog”, która dotarła na 1. miejsce brytyjskiej listy albumów, oraz debiutanckiego „Are We There Yet?” z 2023 roku, który osiągnął 17. miejsce zestawienia, artysta spędził ostatni rok, grając dla coraz większej publiczności w Wielkiej Brytanii i na całym świecie. Występował m.in. na festiwalach Reading & Leeds, Latitude, Lollapalooza i Electric Picnic, jednocześnie grając własne koncerty w Wielkiej Brytanii, Europie, Ameryce Północnej oraz Australii. Jego październikowa trasa po Australii została w całości wyprzedana. Niezwykle intensywny 2025 rok zakończył dwoma wyprzedanymi koncertami w londyńskim Roundhouse, po czym wrócił do studia, by rozpocząć pracę nad materiałem, który ostatecznie stał się albumem „Warning Signs”.
Na 11 utworach składających się na „Warning Signs” James prowadzi słuchaczy przez kolejne etapy relacji: od ekscytacji i napięcia związanego z rodzącym się pragnieniem, przez zawrotne momenty obsesji, aż po emocjonalny upadek i konsekwencje rozpadu związku. W centrum całego albumu znajduje się fascynacja Marriotta tą krótką chwilą, w której piosenka nagle zaczyna tworzyć spójną całość – momentem, gdy wszystko wskakuje na właściwe miejsce i wydarza się prawdziwa „popowa magia”.
„Dla mnie ten album opiera się właśnie na takich momentach” – wyjaśnia James. „Żeby piosenka naprawdę utkwiła mi w głowie, musi pojawić się chwila, kiedy myślę: «O tak, to jest niesamowite». Na każdym utworze z tej płyty potrafię wskazać coś, co wywołuje we mnie właśnie takie uczucie.” „Warning Signs” pokazuje Jamesa Marriotta w jego najbardziej wyrazistej i wciągającej odsłonie: surowej, romantycznej, euforycznej i emocjonalnie nieskrępowanej. W momencie, gdy jego koncerty i działalność na żywo wchodzą na kolejny poziom, James prezentuje się jako artysta, który jeszcze nigdy nie był tak pewny własnej muzycznej tożsamości.
Kiedy Angèle zadebiutowała na muzycznej scenie w wieku zaledwie 21 lat, działała przede wszystkim intuicyjnie. Pisała, komponowała, produkowała i eksperymentowała bez określonej struktury, wskazówek czy gotowego przepisu na sukces. Przy pracy nad „Instinct” postanowiła rzucić sobie kolejne wyzwanie i ruszyć naprzód bez zabezpieczeń. Po latach udowadniania, że potrafi tworzyć muzykę bez niczyjej pomocy, wreszcie dała sobie przyzwolenie na większą swobodę: wyjście poza popowe schematy, pozostawienie nieco niedoskonałego, choć idealnie czystego wokalu czy spędzenie wielu miesięcy w domu na samodzielnym komponowaniu, produkowaniu i pisaniu wszystkich utworów. Dopiero później otworzyła ten proces na innych twórców.
Pierwszym z nich był jej wieloletni współpracownik Tristan Salvati. Przyjaciel, songwriter i współproducent przy pracy nad „Instinct” pełnił rolę zbliżoną do kreatywnego sparingpartnera. Wokół tego duetu Angèle zaczęła gromadzić nowe muzyczne osobowości.
Ikony współczesnego French Touch, Justice, pojawiają się w utworze „What You Want”, a flamandzki elektroniczny duet Soulwax dołącza do artystki w klubowym „Trop”. Amerykańska wokalistka Caroline Polachek użyczyła swojego głosu, a także francuskiego z wyraźnym brukselskim sznytem, hedonistycznemu „Love Triangle”, w którym usłyszymy również SebastiAna. Visualizer do utworu ukazał się na początku tego tygodnia. Z kolei brytyjski songwriter i producent Oscar Scheller, znany ze współpracy m.in. z Charli XCX, Lily Allen, Shygirl i Ashnikko, współtworzył „f4ck 4ever”. Utwór powstał w zaledwie dwie godziny podczas sesji w studiu na nowojorskim Greenpoincie.
Jednym z najważniejszych utworów promujących album jest „Au Revoir”, który narodził się podczas pierwszej zespołowej sesji songwritingowej Angèle. Artystka pracowała nad nim ze szwedzką producentką Elvirą Anderfjärd, mającą na koncie współpracę m.in. z Taylor Swift, Katy Perry i Tove Lo, a także z Luką Kloser, współproducentką debiutanckiego albumu Addison Rae, oraz Oscarem Holterem, współtwórcą przeboju The Weeknd „Blinding Lights”.
„Przez lata zdarzało mi się woleć tworzyć historie z ludźmi, którzy nie byli dla mnie odpowiedni, niż zostać sama” – mówi Angèle. „Tą piosenką żegnam się z emocjonalnym uzależnieniem od innych. Śpiewam po francusku i angielsku, bo właśnie takie połączenie wydało mi się najbardziej naturalne.”
Angèle nagrywała właściwie wszędzie i przez cały czas: w brukselskim ICP Studios, w La Fabrique na południu Francji, w nowojorskim Electric Lady Studios, a także w mieszkaniach przekształcanych w domowe studia. Otaczająca ją rzeczywistość przeniknęła bezpośrednio do muzyki. Na albumie usłyszymy m.in. publiczność z jej koncertów w utworze otwierającym płytę, syrenę nowojorskiej karetki w balladzie o rozstaniu „On verra” czy fragmenty rozmów między przyjaciółmi w zamykającym album „NYC Blues”. Nowy Jork, gdzie Angèle doskonaliła swój angielski, stał się dla niej czymś więcej niż tylko miejscem ucieczki. Dziś jest jednym z muzycznych punktów odniesienia artystki.
Na „Instinct” nowe miejsce znajduje również rodzina Angèle. W utworze „Je sais” zwraca się bezpośrednio do swojego ojca, Marki. To, co prywatne, nadal spotyka się jednak z tym, co społeczne. Artystka, która wcześniej stworzyła feministyczny hymn „Balance ton quoi”, tym razem proponuje emocjonalny protest song „Trop”, a w „Une seule vie” mierzy się z moralnym kryzysem.
Od samego początku pracy nad albumem jednym z najważniejszych założeń Angèle był ruch. Artystka nawiązała współpracę z kolektywem choreograficznym (LA)HORDE, odpowiadającym za choreografię podczas Celebration Tour Madonny i LUX Tour Rosalíi, a od 2019 roku kierującym Ballet National de Marseille. Kolektyw objął pieczę nad wizualnym kierunkiem całego projektu.
Wspólnie stworzyli „Instinct” jako doświadczenie 360 stopni, w którym muzyka inspiruje obrazy, a obrazy prowokują ruch. Autorem zdjęcia na okładkę albumu jest Grant James-Thomas.
Angèle przebiła się do szerszej publiczności w 2017 roku za sprawą singla „La Loi de Murphy”. Następnie ukazały się albumy „Brol” (2018) i „Nonante-Cinq” (2021), a kolejne trasy prowadziły ją od kameralnych klubów aż po stadiony. W ciągu dziewięciu lat stała się jedną z najbardziej wpływowych europejskich artystek swojego pokolenia, gromadząc blisko 4 miliardy streamów na całym świecie.
Ma na koncie współpracę z Dua Lipą, a podczas ceremonii zamknięcia Igrzysk Olimpijskich Paryż 2024 wykonała wraz z Phoenix i Kavinskym utwór „Nightcall”. Angèle jest również globalną ambasadorką Chanel oraz współpracuje z marką Adidas.
Era „Instinct” od początku wzbudza duże zainteresowanie międzynarodowych mediów. O artystce i projekcie pisały m.in. Pitchfork, Billboard, NME, Nylon, Wonderland, i-D oraz The Times, a Angèle pojawiała się również u Zane’a Lowe’a, Jacka Saundersa z BBC Radio 1, w Genius i Trackstar.
Artystka trafiła także na okładki Vanity Fair France, Vanity Fair Italia, T Magazine Germany, hiszpańskiego Nuebo oraz francuskich Society i Les Inrockuptibles.
W 2027 roku Angèle zabierze „Instinct” w światową trasę koncertową. W planach znalazło się m.in. pięć koncertów w paryskiej Accor Arenie, a także występy w Montrealu, Nowym Jorku, Los Angeles, Londynie, Berlinie, Barcelonie i Amsterdamie.
TRACKLISTA „INSTINCT”
Instinct (intro)
Dis-le
Au revoir
Une seule vie
Trop (ft. Soulwax)
On verra
What You Want (ft. Justice)
Je compte
F4ck 4ever
Tout décider
Je sais
Love Triangle (ft. Caroline Polachek, SebastiAn)
NYC Blues